Dario Granja

Los mejores discos del 2016 / Por Darío Granja

Los mejores discos del 2016 / Por Darío Granja

2-Mejor-2016

Como es costumbre en Plan Arteria, iniciamos un nuevo año presentando la selección de los mejores discos del 2016 según cada uno de nuestros colaboradores. 

LOS MEJORES DISCOS DEL 2016 por Darío Granja / @dxgranja

leonbenavente10 | LEÓN BENAVENTE / 2

Hay velocidad y pop agreste, también letras ágiles que ilustran con ironía algunos pasajes de la vida moderna. Integrada por músicos veteranos de la escena española, León Benavente con su segundo disco continúan refrescando a la música independiente ibérica. Con ‘2’ traen un buen puñado de canciones elegantes en nuestro idioma.


guanaco9 | GUANACO / Blasfemia

Hay límites que son necesarios rebasar. Como si se tratase de una lucha interna por descubrir el lado más complejo de vivir una relación, entender los vínculos familiares o sentir la soledad de ser un cantante, Guanaco en ‘Blasfemia’ se expone, se cuestiona y saca un trabajo con una producción musical sobresaliente donde el rap se mezcla con la música rockolera en una misma copa. Un álbum tan honesto como las confesiones que se hacen en las cantinas que exhalan humo.


ivanferreiro8 |  IVÁN FERREIRO / Casa

Iván Ferreiro es un cantautor poco conocido por esta región. Un músico que se ha curtido con el tiempo, que con su voz un tanto áspera y su aguda inteligencia ha creado un universo musical particular. Si hay un disco para ingresar a su obra, éste es “Casa”, inspirado en una ruptura, donde los fragmentos emocionales se convirtieron en canciones memorables.


andersonpaak7 | ANDERSON .PAAK / Malibu

Descubrimientos que alegran y seducen. Sí, se puede afirmar que el futuro del rap está en buenas manos por figuras como Anderson .Paak, cuyo enorme talento cautivó los oídos de Dr. Dre, su mentor. ‘Malibu’ es un disco que se nutre de la música negra de distintas épocas, desde el soul, el R&B o el jazz hasta llegar a los puertos del hip hop. Todo ensamblado en un groove orquestal que envuelve y no decae. Música que abriga en tiempos gélidos.


 constelaciones6 | LISANDRO ARISTIMUÑO / Constelaciones

Hace mucho que el nombre de Lisandro Aristimuño resuena como uno de los más importantes del folk y rock latinoamericano. Motivos sobran. Sus trabajos conectan con quién los escucha, conmueven por su autenticidad. En ‘Constelaciones’, el músico argentino se desnuda de los recursos electrónicos para quedarse con lo esencial de la canción. Con eso alumbra el espacio. Un trabajo para mirar al cielo y sentir optimismo ante la inmensidad.


nicolasjaar5 | NICOLAS JAAR / Sirens

En ‘Sirens’ hay ambientes de inmersión, donde los silencios cohabitan con la violencia y el ruido. Nicolas Jaar entiende que todas las cosas tienen música y, como buen arquitecto sonoro, construye con estos elementos una pieza de alto valor estético y musical. Sus composiciones cobran mayor dimensión cuando se aproximan a temas políticos y sociales como en “Killing Time” o la sobrecogedora “No”, tan oportuna en estos grises períodos electorales. Una invitación  a la reflexión, codificada en lenguaje electrónico.


boniver4 | BON IVER / 22, A millon

Quizás es su voz, las melodías sutiles que resultan cercanas, o el uso de sonidos experimentales, auto-tune y samples que recrean atmósferas insólitas, las que hacen de ’22, A millon’ un viaje lleno de sensibilidad y melancolía. En ésta, su tercera placa, Justin Vernon no se acomoda, sino que explora nuevos destinos, despeja el horizonte, se expone a lo desconocido. El trabajo de un artista que mientras atraviesa una crisis personal, con ayuda de su fuerza creadora se aproxima a la redención.


frankocean3 | FRANK OCEAN / Blonde

Entretejido por delicadas capas sonoras, ‘Blonde’ busca la experiencia sensorial más que el estribillo potente. La intimidad musical antes que la efectividad pop que agita masas. El resultado es un álbum lleno de bellos matices que dan espacios a letras que vibran por honestas. Con este trabajo de altas ambiciones artísticas, Frank Ocean se consolida como uno de los pocos músicos contemporáneos con la capacidad de permear en el tiempo. Una apuesta musical con sabor a victoria.


amiga2 | ALEX ANWANDTER / Amiga

Después de cuatro años de lanzar ‘Rebeldes’, Alex Anwandter afila su mirada artística para presentar ‘Amiga’, un álbum sobresaliente con la potencia para destrozar la pista de baile y agitar conciencias por igual. Anwandter recorre diversos géneros musicales, desde los más festivos como el synth pop o la música disco, hasta instantes más melancólicos, apegados al soul. En sus letras aborda temas que le preocupan como el machismo, la homofobia o la posibilidad de cuestionar un sistema capitalista que hoy más que nunca muestra sus grietas. Un álbum pop que incomoda al conservador con manifiestos que celebran la subversión y la diversidad. Un disco que no solo brilla a nivel musical, sino que también arde.


bowieblack1 | DAVID BOWIE / ★

‘Blackstar’ marcó el pulso del 2016. Desde el inicio se siente un presagio. Un disco con un riesgo que inquieta y una emotividad que estremece. Musicalmente el trabajo es dinámico y sombrío, con una solidez que golpea en el pecho. Piezas donde lo oscuro se aclara con la eterna voz de Bowie rodeada del potente ensamble compuesto por nuevos astros del jazz contemporáneo como Ben Monder, Jason Lindner o Mark Guiliana. Así, la muerte y la vida transitan por las letras de este trabajo, donde nuestra estrella negra se despide de este planeta, sin antes iluminarlo.

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Los mejores discos del 2016 / Por Darío Granja

ASTRO: Una luz brillante desde el Cono Sur

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Por: Darío Granja | @dxgranja / Fotos: Pablo Donoso

Creadores de un propio universo musical  en donde la única regla es la libertad creativa. A pocos días de desembarcar en Ecuador,  Andrés Nusser, piloto de este viaje sónico llamado Astro, habló con Plan Arteria para comentarnos sobre su visión sobre la música latinoamericana,  el proceso creativo detrás de cada disco y cuál será el nuevo camino que guiará el futuro de una de las bandas más excitantes del cono sur.

Desde su primer trabajo Astro recorrió de forma activa varios puntos de latinoamericana, ¿Cómo se generó este efecto tan repentino de circular por la región?

El primer EP tenía que ver con mucha música que estaba pasando en ese momento, como Empire of the Sun, MGMT y bandas de idioma anglo que gustaban a la gente. Justo ese EP estaba bastante referenciado con ese trabajo. Además venía muy fresco y con mucho contenido nuestro. Resultó que la banda si bien tenía sus fallas en vivo y no tocábamos perfecto, si tenía una energía muy interesante. Entonces el show en vivo era algo muy divertido de ver en ese entonces y sigue siendo ahora. Entonces sucedió que de pronto nos comenzaron a llamar desde México. Fue súper sorpresivo, fueron cosas que no las esperabamos.

También en la época que sacaron su primer EP hubo un boom de la música chilena. Una nueva generación que sorprendió por la frescura de sus propuestas musicales  ¿Cuáles crees que fueron las causas para que suceda este fenómeno de forma conjunta?

Es muy difícil apuntar a una sola causa. Sucedieron muchas cosas al mismo tiempo, por ejemplo que en Chile hay muchas escuelas de música. Otra razón es que Chile ya tiene una generación un poco libre de la dictadura y hay una expresión artística más abierta. También en ese momento del boom de la música chilena a la vez hubo un boom económico en el país, lo que significaba que la gente podía ir a más conciertos. Abrieron más salas de conciertos y los artistas podían financiar su trabajo. Fue como un 360 de cosas que venían pasando. Pero la razón principal es que se generó como una nueva industria. Había muchas bandas y artistas, nuevos sellos, nuevos managers, además del fenómeno de internet. Todo comenzó a cuajar en conjunto. Todo esto agarró un vuelo, se complementó así mismo y resulto en algo bonito. Y aunque Chile es un país donde por ejemplo los tickets para llegar a México o España son muy caros, estos países comenzaron a llevar bandas chilenas.

Hay una relación interesante entre Chile y México. Más allá de que México sea el mercado latinoamericano más importante, algunos artistas chilenos nos han comentado sobre esta conexión.

Sí, me parece que el público mexicano entiende bien de raíz a la música chilena, así como el chileno entiende, quizás no toda la música mexicana, pero si los grandes de la música mexicana como por ejemplo Café Tacvba, que fue una banda que pegó muy fuerte aquí en Chile hace algunos años atrás. Paralelamente Los Tres pegaban muy fuerte en México en esa misma época. Café Tacvba para mi fue una influencia gigante cuando yo tenía 13 o 14 años. A nivel musical yo le debo mucho al disco Re, por decirte algo. Me parece que México definitivamente es un país que influencia a todo el cono sur con su música. También sirve de puente con lo que viene de Estados Unidos. De alguna manera es como un colador, un latinizador de lo que pasa en Estados Unidos y luego lo chorrea al cono sur. Además en Latinoamérica, en término de mercado, creo que México es el único país sustentable. Donde tú puedes girar exclusivamente ahí y vivir bien de la música.

Astro posee un imaginario propio en sus letras. ¿Cómo se construyen las letras de la banda?

Sin manuales, con libertad. Quizás hay alguna idea preconcebida, pero todo nace muy libremente de esa idea. De hecho eso es algo que nos puede jugar a favor o en contra depende del punto de vista que lo mires. Porque hay gente que no entiende nuestras letras y dicen “estos locos están hablando pura huevaa”. Pero yo abogo a la libertad creativa, no a la cantidad de hits o de gente que le guste.

andresastroEn algunas entrevistas también mencionas que sacas mucha influencia de las cosas que estas leyendo cuando compones cada disco.

En Chicos de la Luz por ejemplo todo lo que estaba leyendo tenía que ver con crecimiento personal o meditación. Leí casi todos los libros de Osho por ejemplo. Por eso habla tanto de meditación y ese tipo de cosas. En el disco anterior, el homónimo Astro, no tuvo tanto que ver con la lectura sino con la idea de lo que es el sur del Chile. La flora y fauna de esta región. Y en Le Disc de Astrou, nuestro primer Ep, tiene que ver más con los amigos y a imaginarios locos que salían de la relación con ellos. Ahora estamos empezando a componer otro disco, y es loco pero parece como que este disco va a volver a temas de la amistad. Las primeras letras que están saliendo están hablando casi solo de eso.

¿Cómo es el proceso de composición de letras y la música? ¿Qué llega primero?

Normalmente la música es primero, casi en todos los casos. Pero siendo un poco más específico, la forma de hacer las canciones y de producir ha cambiado bastante en los tres discos. El primer disco es uno de canciones, el segundo es más experimental y el tercero es netamente como de laboratorio, como de estudio. El que estamos preparando ahora, que es un material que grabaremos este año, nuevamente vuelve a rescatar el espíritu del primero. Empieza desde la canción y no desde la producción.

A nivel composición, tu eres la cabeza de Astro. De lo que conozco sé que es un proceso en el cual primero tú experimentas sólo la música para luego llevarla a ensayo con la banda. ¿En esta nueva producción vas a mantener esta forma de trabajar?

La verdad, Chicos de la Luz es el último disco que haremos de esa manera. El próximo está muy divertido porque el plan de grabación será irse a una casa del sur de Chile y encerrarse ahí durante un mes y medio. Lo que yo voy a proveer es solo la canción, osea: los acordes, la melodía, letra y voz.  Luego el resto lo van a aportar los chicos. Va a ser la primera vez que vamos a empezar con más apertura para que cada uno componga la parte que quiera.

¿Cómo sientes este cambio a nivel de composición?

Me motiva muchísimo porque creo que debió haber sucedido antes. Lo que pasa es que todos estábamos bien cómodos con la figura de que yo hiciera todas las cosas desde casa, pero ahora hay más ganas generales de hacer las cosas al revés.

Me imagino que esta nueva forma de componer va a repercutir en los directos de Astro

Por supuesto. De hecho el directo de Astro se ha vuelto cada vez más rockero, las guitarras tienen más distorsión y a la batería de estamos dando más fuerte. A ese nivel Chicos de la luz se volvió un poco el antagonista del espíritu de lo que estábamos haciendo en vivo. Por eso estas ganas de producir el nuevo disco de esta manera. Yo creo que lo que va a pasar es que Astro se va a poner en una onda muchísimo más rockera y enérgica.

Justo que hablamos del tema del directo, hay como varios comentarios positivos sobre los shows de Astro. Para quienes no los hemos visto en vivo, ¿Cómo describirías un concierto de Astro?

Cuando todo está bien y todo alineado, los conciertos de Astro suelen ser una bomba de energía. Eso es lo que proyectamos o lo que sentimos los músicos cuando estamos tocando: es una bomba de energía, entonces también pensamos que eso es lo que siente la gente.

¿Cómo ven el estado actual de la escena musical latinoamericana?

Creo que tiene muchas cosas. Todavía hay mucha gente que redunda en hacer muchas cosas a la antigua, para mencionarte lo negativo primero. Pero luego me parece que realmente dónde se está volviendo entretenido es en la escena más electrónica. Por ejemplo con artistas como Nicolá Cruz, que es ecuatoriano. Es impresionante lo que hace. O Gabriela Jimeno, que es colombiana y tiene un proyecto que se llama Ela Minus, que he tenido la suerte de producir ese proyecto. Entonces ese tipo de propuestas, que son más electrónicas y de una persona, están como muy calientes. Entonces pienso que el futuro de la escena latinoamericana va enfocada hacia allá, en parte. O dúos como Chancha vía Circuito o el trío chilenos Matanza.

Existe una idea fuerte de que muchas bandas de esta generación tienen un discurso demasiado apolítico y que en un momento puede llegar a ser perjudicial en el sentido de no vincularse socialmente con su entorno. ¿Qué opinas sobre eso?

En Chile como que nos han criticado un poco por el nivel de apolíticos. Hay muchas bandas acá que tienen la bandera bien puesta con temas de contingencia social. Me parece increíble que lo tengan. La voz del arte y de la música es muy fuerte como para que no haya nadie usando esos canales para tratar de arreglar el mundo. Nosotros lo hacemos a nuestra manera, si bien nuestros discursos no son políticos, enaltecemos la naturaleza, por ejemplo. Tenemos un discurso ecológico. El último disco es un disco muy centrado en el ser humano. Las letras en un punto hablan de cómo sanarse uno mismo. Entonces creo que Astro si tiene una misión y la refleja en sus letras de ayudar al mundo, pero no necesariamente lo que tiene que ver con el último tema de contingencia social que está sucediendo en el mundo. Por eso de repente esa crítica que nos hacen acá de ser apolítico no es algo que me alegra mucho, porque no es justa.

Para finalizar si me gustaría saber qué tienen pensado para el futuro. Astro está en un punto interesante en su carrera. De aquí que viene.

Creo que no tenemos planes muy ambiciosos -mi manager estoy seguro que si jaja-, pero nosotros como artistas no tanto. Obviamente nos encantaría seguir tocando en festivales y seguir viajando, pero no vamos a cambiar nuestra música para que esto siga sucediendo. La única ambición que tenemos es entender cómo hacer mejor música entre nosotros. Cómo hacernos más amigos de manera musical entre los chicos de la banda. Y también siempre nos preocupamos en como mejorar en aspectos técnicos para que nuestros shows no fallen. Ese es nuestro tipo de preocupación, el poder mejorar nuestra calidad como artistas. El resto va de la mano.

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Los mejores discos del 2016 / Por Darío Granja

ESTEMAN: Un antihéroe pop sobrevolando Latinoamérica

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Por: Darío Granja | | @dxgranja

Todo comenzó como un ejercicio artístico de la universidad. De forma repentina se convirtió en un fenómeno viral gracias a un video. Los años pasaron, recorrió la región y grabó canciones con algunos de los exponentes más importantes del pop y rock en nuestro idioma. Ahora, busca en medio del caos, ser una de las voces más auténticas y frescas de América Latina.

En esta entrevista Esteban Matheus Williamson nos revela la identidad de Esteman, aquel antihéroe pop que de forma lúdica y con un puñado de hits busca reformular algunos estándares de la música latina y combatir los estereotipos que gobiernan el universo pop.

En muchas entrevistas has comentado que Esteman es tú álter ego. En ese sentido me encantaría saber ¿Qué diría Esteman sobre quién es Esteban Williamson?

Diría que es una persona muy perfeccionista y extremadamente sensible, algo que creo que se ve en las canciones. Que soy terco, muy obsesivo y adicto al trabajo, afortunadamente la música es algo que me ayuda a sacar esa parte racional y llevarla a través del arte en general. Y definitivamente diría que Esteban está influenciado por Esteman, y que Esteman está influenciado por Esteban.

Vienes a Ecuador a presentar tu segundo disco Caótica Belleza. De acuerdo a tus notas de prensa, este disco lo dedicas a Latinoamérica ¿Cómo fue tu acercamiento a la música latinoamericana para esta producción?

Fue un proceso muy bonito que viene desde Primer Acto, aunque en ese disco no estaba tan claro esta influencia, pero fue este trabajo el que nos llevó a viajar a festivales en México, Argentina y sobretodo a diferentes lugares de Colombia. Fue la música la que me dió ese acercamiento a diferentes culturas, al tema de compartir con otros cantantes de diferentes lugares de Latinoamérica y a untarme mucho más de géneros latinoamericanos que siempre me han llamado la atención pero que yo como músico no lo había experimentado. Por darte un ejemplo me influenció mucho el hacer música con Andrea Echeverri de Aterciopelados, que es una banda que a mi modo de ver logró integrar muy bien los ritmos y los sonidos propios de Latinoamérica con una propuesta rock. O también ver a Café Tacvba. Ese tipo de bandas me comenzaron a llamar mucho la atención y comencé a ser mucho más consciente de eso. Digamos que aunque sea un artista pop, estoy haciendo un pop alternativo que busca romper barreras, fórmulas establecidas, romper ese camino de lo calculado y de lo que es debido. Eso también me dejó Latinoamérica. Nosotros como latinoamericanos somos así, somos caóticos y fue esa caótica belleza lo que me hizo escribir el disco. Y no solamente hablando de la caótica belleza latinoamericana como esa identidad, sino también de una caótica belleza que a mi me define como artista, ya que soy un artista que nunca me ha gustado casarme con un solo género o influencia sino que me gusta deambular entre el negro y el blanco. Me gusta ser muy camaleónico.

esteman1En tus letras y declaraciones manifiestas una posición muy clara sobre la idea de ser un cantante pop masculino que está por fuera de los estándares prefabricados que en muchos casos maneja la industria musical. Si me gustaría que nos compartas un poco más sobre esta idea.

Digamos que ese siempre ha sido un tema importante para mi porque desde niño nunca me ha gustado seguir ese estándar. Siempre he sido el flaco que me ven en todos los videos y me encanta bailar libremente en diferentes canciones. Me impresiona que cantantes así sean muy pocos comunes en Latinoamérica. Entonces si es algo que me gusta resaltar. Y lo digo en mis canciones. No tengo la pinta de macho cabrón y nunca me interesará tenerla. Incluso dentro del mundo alternativo pasa, que siempre caemos en que los hombres tienen que ponerse a levantar chicas y demás. Obviamente yo juego con eso también pero lo hago desde un personaje, como lo hace Miguel Bosé, Adanowsky, Miranda o los mismos Babasónicos.

Sientes que esta idea de ser un cantante de pop atípico ha generado un efecto positivo en el público.

Si y mucho. Los que son muy seguidores de Esteman les gusta precisamente esa parte, porque hay canciones que hablan de aceptarse como uno es. Creo que es muy necesario porque vivimos todo el día mirando la televisión colombiana, la cual es terrible. Por ejemplo las telenovelas manejan un estereotipo de belleza que siempre es el mismo, los mismos videos de reggaeton son así. Incluso antiguamente en la industria de la música siempre se hablaba que cuando un cantante llegaba a cierto punto debía de verse y hacer algo de una forma específica. Creo que hoy en día las cosas han cambiado mucho, pero sin embargo en Latinoamérica o en el caso de Colombia estamos muy atrasados. Entonces no es que me quiera abanderar de ese tema, pero es una cuestión que me gusta aprovecharla, porque hay mucho para hablar al respecto y hay que hacerlo constantemente porque la televisión y muchos medios lo esconden, entonces está bien como sacarlo sin volverlo algo ridículo, sino hacerlo algo muy natural y espontáneo.

Pensaba que para muchas personas eres un artistas que tiene una postura bastante alternativa para ser pop, y quizás muy pop para ser alternativa. Quizás para mucha gente puede ser muy contradictorio esto.

Me ha pasado, esta pregunta me la han hecho porque la gente mismo lo siente. Hay canciones mías que en realidad son muy pegajosas, pero es porque me nacen de esa forma, no tengo más como explicarlo, es como que me fluye como artistas. Soy muy minucioso con las melodías, siempre voy a tratar de sacarle el máximo provecho a una melodía para que se me quede en la cabeza. Encuentro esa dinámica de pasar de un verso a un pre-coro que luego explote con el coro. Entonces ese carácter pop está clarísimos. Pero también me gusta tomar esa idea y desbaratarlo de alguna forma. A la final eso se ve en los show que hacemos. Yo tengo un grupo que me encanta que es Talking Heads, que me ha ayudado a integrarme con mi banda en el sentido que son grupos que por una parte son digeribles pero a la vez hay todo un concepto y una puesta de escena detrás. Admiro mucho la idea de juntar una propuesta escénica en particular, un personaje teatral con una gran voz. Eso me llama mucho la atención.

Por el éxito que tuvo ‘No te metas a mi Facebook’ me imagino que muchas personas simplemente te encasillan como aquel tipo del video viral. ¿Cómo fue superar ese fenómeno tan fuerte?

Pues yo creo que para mucha gente yo seguiré siendo el tipo de ‘No te metas a mi Facebook’ porque no han conocido más de mi música. Realmente esa canción nació con la misma idea y el mismo objetivo que salieron muchas otras canciones de ese momento. Lo que pasa es que era una canción que tenía ese doble filo. En mi cabeza era cómo “voy a hacer una parodia, me voy a burlar, voy a tomar a Esteman, que es mi antihéroe del pop para convertirlo en objeto de burla y burlarme de este tema”. Era puro sarcasmo. A mi no me importa que nadie se meta a mi Facebook y nunca me ha importado. De hecho lo que me preocupa mucho más es cómo hoy en día las generaciones cambiaron la forma de comunicarse. De pasar de algo tan real a algo que está completamente subido en una nube. Es una parodia de las nuevas generaciones, así de sencillo, ni siquiera es sobre Facebook. Lo que pasa claramente es que no deja de ser una sátira y es super pegajosa. Comprendo que haya gente que no lo entienda, nadie ha dicho que el sarcasmo es siempre claro. El buen sarcasmo es el que confunde un poco a la gente. Hay gente que definitivamente o no le interesa o no le gusto, y lo respeto. Pero para mi no dejó de ser una canción más que formaba parte de un repertorio que lo estaba construyendo en ese momento. Y también pasaba que en ese momento yo no hacía música que hablaba sobre mi, porque me daba miedo a nivel artístico. Ese fue un proceso que yo tuve que hacer. Esteman nació como un personaje desde que yo estudiaba arte en la Universidad de Los Andes en Bogotá y era una cosa que estaba atada a un proyecto de arte, música y performance. Así nacieron cuatro canciones de un demo. Todas tenían mucho humor y letras arriesgadas. Pero ‘No te metas a mi Facebook’ se comió todo. Fue como una bola de nieve gigante que creció. En ese momento yo estaba empezando. Pero después decidí ser muy fiel a lo que soy como artista y la misma música me lo fue demostrando. Yo empecé hablando desde lo colectivo y a medida que fue pasando el tiempo me fui quitando las diferentes capas de la cebolla hasta hablar de mi mismo y sacar esa parte que tengo, que soy muy sensible y muy romántico. Antes que ‘No te metas a mi Facebook’ ya existían muchas canciones que me han dado a conocer como: ‘Aquí estoy yo’, que canto junto a Andrea Echeverri o ‘Adelante’ que cuenta con la colaboración de Carla Morrison. Todas esas canciones ya existían, pero no hacían parte de lo que yo quería sacar en ese momento. Estaban guardadas en el baúl y todo fue saliendo poco a poco. Fue un proceso muy sincero de dejarme llevar a nivel artístico y no forzar las cosas.

esteman2Me gusta la imagen de un antihéroe del pop. ¿Qué piensa este héroe atípico sobre los vicios de una industria musical?

Es un asunto del cual me gusta hablar porque yo creo que para la gente que conoce la industria de la música no es secreto que tiene cosas muy dañadas y que están mal. Y yo trato de hablar sobre ello. El tema de cómo funciona la radio, que toca pagar para que a uno lo suenen o de lo que estábamos hablando, la idea de que algunas disqueras o empresarios exigen que un cantante se comporte de una forma para que se adapte a las necesidades del mercado. Pero la realidad es que vivimos en un mundo donde vemos que cuando una rompe esos esquemas a veces las cosas se dan mucho más. Porque la gente ya no traga un entero, la gente está un poco cansada de lo que siempre le ha vendido la televisión. Obviamente no todo el mundo. Seguimos viviendo en países que consumen lo que se venda en la novela. Pero llegó el internet y rompió un poco eso, rompió fronteras y la gente puede ver artistas que son humanos. Hoy en día estamos viendo como artistas pueden perfectamente llegar a grandes públicos siendo ellos mismos, con su físico y como son, dejando esa idea de que debo de vender la idea del Latín Macho romántico que siempre tiene que decir lo correcto. Pero es algo que lo estoy cuestionando constantemente. Afortunadamente he hecho muchos amigos en la música que piensan igual y uno encuentra ese escudo, esa unión entre los artistas que creemos en esto.

Vienes de una escuela que combina mucho una propuesta estética con lo musical, me imagino que eso se manifestará en tus conciertos en Ecuador…

Si, se va a manifestar la propuesta artística. Con mi banda tenemos un show preparado que es muy particular. Al inicio del show aparecemos todos bailando con unas máscaras. Hay un tema que está unido a las luces. En general es como un viaje a través de diferentes épocas y diferentes sentimientos. Hay canciones que son íntimas, otras que son de desamor, otras muy teatrales y otras muy sociales. A mi siempre me ha gustado la actuación. En general todos participan mucho moviéndose. Hay baile. La verdad no me queda más que decir que vayan al show en vivo. Creo que lo que más define a un artista es su concierto en vivo definitivamente.

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Los mejores discos del 2016 / Por Darío Granja

Los mejores discos del 2015 / Por Darío Granja

LM2015-DiscosEn Plan Arteria nos complace presentar nuestra selección de lo mejor del 2015. Este especial  lo iniciamos con el listado individual de los mejores discos  del año según nuestros colaboradores. Durante las próximas semanas también compartiremos el listado de discos y canciones más destacadas de Ecuador.

LOS MEJORES DISCOS DEL 2015 por Darío Granja / @darioxgranja

nicolacruz10 | NICOLÁ CRUZ / Prender el alma

Una obra que explora el interior, que navega de forma cuidadosa por sonidos andinos para reubicarlos en un lenguaje contemporáneo y global. En un país que precisa de referentes que le permitan fortalecer su identidad de cara al mundo, el trabajo de Nicola Cruz resulta, por decir lo menos, necesario. Un disco para cruzar fronteras, revelar instantáneas culturales, buscar la calma, prender el alma.


courtneybarret9 | COURTNEY BARNETT / Sometimes I Sit and Think and Sometimes I Just Sit

El primer larga duración de Courtney Barnett es un trabajo de factura aparentemente sencilla, garage rock efectivo matizado con letras que delatan la enorme habilidad de la australiana para narrar historias que juegan con un imaginario propio. Barnett es la fresca y genuina voz femenina que tanto reclamaba el rock de esta generación.


blurthe8 | BLUR / The Magic Whip

Un regreso insospechado. The Magic Whip no se acomoda en la nostalgia, aprovecha la experiencia y los años pasados para dar una mirada melancólica al futuro. Todo cambia y Blur no es la excepción. Después de más de diez años la banda que puso a sonar el Britpop en nuestro walkman nos trae algo nuevo con sabor familiar.


grimes7 | GRIMES / Art Angels

Pop libre, fresco y ambicioso. Art Angels es el disco definitivo de Claire Elise Boucher. Un material donde aumenta su apuesta musical que se debate entre la experimentación artística y el pop de potente impacto comercial. Un álbum que nos permita declarar sin recelo que Grimes es una de las mujeres más talentosas de nuestros días.


rosenvinge6 | CHRISTINA ROSENVINGE / Lo Nuestro

Un aullido, una áspera voz que se aclara y oscurece mientras en el fondo un sonido seco de batería marca el tiempo y el ánimo. Así empieza Lo Nuestro, un disco oscuro y elegante que reafirma a Christina Rosenvinge como una artista en constante búsqueda de la autenticidad. En esta placa la madrileña no duda en sumergirse en atmósferas sombrías mientras su sobria voz nos relata historias de alto valor poético.


natalia5 | NATALIA LAFOURCADE / Hasta la Raíz

Cuando el dolor trae inspiración. Hasta la Raíz presenta la lucidez luego de un periodo de oscuridad. Un disco en el que presenciamos en tiempo real como una artista pop logra trascender y madurar su propuesta musical de una forma honesta y determinante. El mejor disco de Natalia, un gran momento para el pop latino.


tameimpala4 | TAME IMPALA / Currents

Una amplia serie de capas sonoras con alto poder adictivo. Texturas reverberantes que mediante un juego de tiempos, intensidad y silencios logran componer una obra que se la consume a bocanadas. La tercera placa de Tame Impala es un viaje etéreo y accesible que resulta sugestivo para nuestros oídos.


emicida3 | EMICIDA / Sobre Crianças, Quadris, Pesadelos e Lições de Casa

Mientras una gran cantidad de actos de música alternativa han optado por manejar discursos ligeros, apolíticos y desvinculados de cualquier problemática social, existen referentes del rap como Emicida que siguen aportando una mirada crítica y empoderada sobre la realidad en la que viven. Esta segunda larga duración del rapero paulista es una obra potente y magistral con una fuerte referencia musical hacia África, con líricas que de forma ágil e inteligente no dudan en tratar temas como el racismo, la realidad en las calles de Brasil o la lucha de la población negra a lo largo de la historia.


sufjan2 | SUFJAN STEVENS / Carrie & Lowell

Un álbum personal e íntimo. En un ambiente sencillo, con elementos musicales mínimos liderados principalmente por una guitarra o un piano, Sufjan Stevens presenta una obra en la cual su mayor grandeza es transmitir una sensibilidad que bordea lo espiritual, cantando de forma sutil y profunda sobre el dolor y la nostalgia de recordar a un ser querido que ya no está. Un álbum emocional, para recordar que el desconsuelo de la muerte también nos ayuda a sentirnos vivos.


kendrick1 | KENDRICK LAMAR / To Pimp a Butterfly

Hay cosas por decir, una fuerza galopante por sacar ideas y palabras del cuerpo, gritarlas mientras los beats hip hop suenan y un vibrante jazz, tan bebop, tan descontrolado y real lo acompaña. Kendrick no para de soltar versos sobre su vida, sobre las cosas que a nivel social duelen, sobre ser negro en Estados Unidos mientras dice que todo puede estar bien a pesar de que afuera las cosas están por estallar. To Pimp a Butterfly es un obra completa, uno de los trabajos claves de los últimos años, un clásico.

3-Franja

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Los mejores discos del 2016 / Por Darío Granja

Entrevista: Denver. El peligroso pop del fin del mundo

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En el 2010 un disco dominó los oídos de miles de hispanohablantes con una propuesta adictiva, insospechada y peligrosamente pop. Con sutiles sintetizadores que edulcoraban todo el ambiente, beats potentes y dos voces, una femenina y la otra masculina, que casi de forma lúdica nos narraban historias de adolescentes en etapa de descubrimiento y euforia. El astuto título del álbum era: Música, Gramática, Gimnasia. El nombre de la banda: Dënver.

Después de cinco años del lanzamiento de este disco que definiría la carrera musical de los chilenos Milton Mahan y Mariana Montenegro, han pasado muchos eventos: giras por toda Iberoamérica, un intento de separación, proyectos paralelos y dos nuevas producciones, Fuera de Campo (2013) y Sangre Cita (2015).

A una semana de su primera presentación en Ecuador, conversamos con Milton sobre la escena musical independiente latinoamericana, las bandas chilenas que debemos de tomar en cuenta, el estado actual de Dënver y la evolución de su sonido.

Musicalmente, su actual y cuarta producción “Sangre Cita” cuenta con una evolución en el sonido de Dënver, presentando nuevos elementos musicales mucho más expuestos hacia el baile. ¿Cuáles fueron los principales motivos para que se de este cambio a nivel musical?

Milton: Creo que no concibo la música sin una evolución disco a disco, canción a canción. Todo es parte de la misma búsqueda que nos llevó a iniciar esta carrera. Componer y producir es siempre recorrer un camino conocido o desviarse para buscar nuevos caminos, ahí uno va buscando un balance. Creo que el Fuera de Campo nos permitió cerrar una etapa que nos abrió la senda a lo que iba a ser Sangre Cita. Cambiamos nuestros bancos de sonidos, buscamos en sonoridades que antes precisamente habíamos esquivado para ver qué pasaba con la composición e iban apareciendo cosas inesperadas pero muy interesantes para nosotros.

En el 2013 Denvër superó una crisis, que desembocó momentáneamente en una separación. Un problema que muchas bandas pueden sufrir en un determinado momento. ¿Cómo sobrellevaron estos impases? y ¿En qué afectó este hecho el proceso compositivo de la banda?

M: Por ahí quizás se haya filtrado en alguna letra esa ruptura, parte de nuestra composición ha sido siempre exponernos en algún grado, creo que no sabemos hacer canciones sin involucrarnos en cierto nivel, o no nos interesa no hacerlo. Más que eso no sé si afectó y lo sobrellevamos dialogando y asumiendo que las crisis son parte de procesos creativos.

En los últimos años, la escena musical chilena ha presentado un florecimiento llamativo que le ha permitido exportar sus bandas a toda Iberoamérica. ¿Cuáles crees que son los motivos para que Chile presente tantas propuestas sólidas y aclamadas en esta última década?

M: Aunque suene a cliché vivimos en el fin del mundo, creo que parte de ese aislamiento geográfico del que uno inevitablemente se siente parte, ya sea a nivel consciente o subconsciente, ha creado en esta generación una necesidad de pertenecer a algún lado, de salir de este aislamiento, de cruzar esa cordillera para ver qué es lo que hay afuera. Creo que eso le da mucha hambre a los músicos de acá y hace que encaminen sus proyectos, a pesar de la independencia, hacia niveles más cercanos a un pop de masas. Aún así esta explosión es aparente, en nuestro país aún no hay estructuras para hacer música masiva, todo se sigue haciendo muy a pulso, las bandas que están recién comenzando tienen los mismos problemas que habían hace 10 o 15 años, existen muchos prejuicios sobre cómo hacer música y sobre qué es el pop, todavía hay quienes no validan un proyecto si no tienes un bajo una guitarra y una batería.

¿Qué bandas chilenas actuales nos recomiendas?

M: Playa Gótica, Marineros, Mamacita, Juan Pablo Espinosa.

Con “Música, gramática, gimnasia” Dënver comenzó a girar por toda Hispanoamérica. De eso ya ha pasado cinco años. En todo este tiempo, ¿cómo has visto la evolución de la escena musical latinoamericana?

M: La música en Hispanoamérica es maravillosa. Es muy inquieta, de muchísimas texturas y sonoridades, con un montón de influencias. Es evidente que no existen las estructuras que tiene el mundo anglo pero eso para mi lo transforma en algo más marginal y lo marginal siempre es mucho más interesante que lo que dicta una norma. Da más espacio para experimentar, para crear una fantasía. Los últimos años sobre todo Centroamérica se ha posicionado con proyectos muy potentes, que traen todo ese sabor de la música del caribe que a nosotros tan lejano nos parece. Yo creo que sobre todo Latinoamérica se debería ir posicionando mucho en los próximos años por lo que nos ha tocado ver.

En estos tiempos de agitación política y crisis económica en Latinoamérica muchos músicos tienden a tomar un posicionamiento político en sus discursos y canciones. ¿Cuál es su postura sobre esto?

M: Nuestra imaginario siempre ha ido en una búsqueda más introspectiva. Canciones que tienen que ver con los dormitorios, o con los monstruos de salir a experimentar el mundo. A pesar de que todos somos agentes políticos, algunos pasivos otros activos, yo, que dedico prácticamente todo mi tiempo a hacer música, entraría en la línea de los pasivos. Mi revolución es interna, no tengo la energía ni las herramientas para cambiar este sistema político, para mí a la tierra no le quedan muchos años. La música política es parte de un negocio también, y con eso no quiero decir que no sea necesaria, cada uno sabe que necesita oír para salir de la alienación del mundo moderno. Aún así hay canciones que podrían ser más sociales en Dënver, pero que hemos cuidado de no caer en la propaganda política, tal es el caso de Mejor más allá, en que tratamos de narrar parte del asesinato del conscripto Pedro Soto Tapia, un caso muy bullado que nos tocó ver cuando éramos unos colegiales en nuestra ciudad, o podría citarte también Concentración de Campos, que buscaba la idea de cómo se puede sobrellevar una amistad en un escenario tan violento como un Campo de Concentración.

Finalmente, ¿Qué es lo que tienen preparado para su primer show en Ecuador?

M: Queremos llevar una fiesta a Ecuador, a pesar de que acabamos de sacar Sangre Cita y tenemos muchas ganas de tocarlo sabemos que querrán oír canciones más antiguas de nuestro repertorio y sin duda van a estar. Trataremos de no dejar nada en el tintero sobre todo porque es nuestra primera visita allá y tenemos muchas expectativas.

Por: Darío Granja | @darioxgranja

 

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