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Entrevista: Denver. El peligroso pop del fin del mundo

Entrevista: Denver. El peligroso pop del fin del mundo

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En el 2010 un disco dominó los oídos de miles de hispanohablantes con una propuesta adictiva, insospechada y peligrosamente pop. Con sutiles sintetizadores que edulcoraban todo el ambiente, beats potentes y dos voces, una femenina y la otra masculina, que casi de forma lúdica nos narraban historias de adolescentes en etapa de descubrimiento y euforia. El astuto título del álbum era: Música, Gramática, Gimnasia. El nombre de la banda: Dënver.

Después de cinco años del lanzamiento de este disco que definiría la carrera musical de los chilenos Milton Mahan y Mariana Montenegro, han pasado muchos eventos: giras por toda Iberoamérica, un intento de separación, proyectos paralelos y dos nuevas producciones, Fuera de Campo (2013) y Sangre Cita (2015).

A una semana de su primera presentación en Ecuador, conversamos con Milton sobre la escena musical independiente latinoamericana, las bandas chilenas que debemos de tomar en cuenta, el estado actual de Dënver y la evolución de su sonido.

Musicalmente, su actual y cuarta producción “Sangre Cita” cuenta con una evolución en el sonido de Dënver, presentando nuevos elementos musicales mucho más expuestos hacia el baile. ¿Cuáles fueron los principales motivos para que se de este cambio a nivel musical?

Milton: Creo que no concibo la música sin una evolución disco a disco, canción a canción. Todo es parte de la misma búsqueda que nos llevó a iniciar esta carrera. Componer y producir es siempre recorrer un camino conocido o desviarse para buscar nuevos caminos, ahí uno va buscando un balance. Creo que el Fuera de Campo nos permitió cerrar una etapa que nos abrió la senda a lo que iba a ser Sangre Cita. Cambiamos nuestros bancos de sonidos, buscamos en sonoridades que antes precisamente habíamos esquivado para ver qué pasaba con la composición e iban apareciendo cosas inesperadas pero muy interesantes para nosotros.

En el 2013 Denvër superó una crisis, que desembocó momentáneamente en una separación. Un problema que muchas bandas pueden sufrir en un determinado momento. ¿Cómo sobrellevaron estos impases? y ¿En qué afectó este hecho el proceso compositivo de la banda?

M: Por ahí quizás se haya filtrado en alguna letra esa ruptura, parte de nuestra composición ha sido siempre exponernos en algún grado, creo que no sabemos hacer canciones sin involucrarnos en cierto nivel, o no nos interesa no hacerlo. Más que eso no sé si afectó y lo sobrellevamos dialogando y asumiendo que las crisis son parte de procesos creativos.

En los últimos años, la escena musical chilena ha presentado un florecimiento llamativo que le ha permitido exportar sus bandas a toda Iberoamérica. ¿Cuáles crees que son los motivos para que Chile presente tantas propuestas sólidas y aclamadas en esta última década?

M: Aunque suene a cliché vivimos en el fin del mundo, creo que parte de ese aislamiento geográfico del que uno inevitablemente se siente parte, ya sea a nivel consciente o subconsciente, ha creado en esta generación una necesidad de pertenecer a algún lado, de salir de este aislamiento, de cruzar esa cordillera para ver qué es lo que hay afuera. Creo que eso le da mucha hambre a los músicos de acá y hace que encaminen sus proyectos, a pesar de la independencia, hacia niveles más cercanos a un pop de masas. Aún así esta explosión es aparente, en nuestro país aún no hay estructuras para hacer música masiva, todo se sigue haciendo muy a pulso, las bandas que están recién comenzando tienen los mismos problemas que habían hace 10 o 15 años, existen muchos prejuicios sobre cómo hacer música y sobre qué es el pop, todavía hay quienes no validan un proyecto si no tienes un bajo una guitarra y una batería.

¿Qué bandas chilenas actuales nos recomiendas?

M: Playa Gótica, Marineros, Mamacita, Juan Pablo Espinosa.

Con “Música, gramática, gimnasia” Dënver comenzó a girar por toda Hispanoamérica. De eso ya ha pasado cinco años. En todo este tiempo, ¿cómo has visto la evolución de la escena musical latinoamericana?

M: La música en Hispanoamérica es maravillosa. Es muy inquieta, de muchísimas texturas y sonoridades, con un montón de influencias. Es evidente que no existen las estructuras que tiene el mundo anglo pero eso para mi lo transforma en algo más marginal y lo marginal siempre es mucho más interesante que lo que dicta una norma. Da más espacio para experimentar, para crear una fantasía. Los últimos años sobre todo Centroamérica se ha posicionado con proyectos muy potentes, que traen todo ese sabor de la música del caribe que a nosotros tan lejano nos parece. Yo creo que sobre todo Latinoamérica se debería ir posicionando mucho en los próximos años por lo que nos ha tocado ver.

En estos tiempos de agitación política y crisis económica en Latinoamérica muchos músicos tienden a tomar un posicionamiento político en sus discursos y canciones. ¿Cuál es su postura sobre esto?

M: Nuestra imaginario siempre ha ido en una búsqueda más introspectiva. Canciones que tienen que ver con los dormitorios, o con los monstruos de salir a experimentar el mundo. A pesar de que todos somos agentes políticos, algunos pasivos otros activos, yo, que dedico prácticamente todo mi tiempo a hacer música, entraría en la línea de los pasivos. Mi revolución es interna, no tengo la energía ni las herramientas para cambiar este sistema político, para mí a la tierra no le quedan muchos años. La música política es parte de un negocio también, y con eso no quiero decir que no sea necesaria, cada uno sabe que necesita oír para salir de la alienación del mundo moderno. Aún así hay canciones que podrían ser más sociales en Dënver, pero que hemos cuidado de no caer en la propaganda política, tal es el caso de Mejor más allá, en que tratamos de narrar parte del asesinato del conscripto Pedro Soto Tapia, un caso muy bullado que nos tocó ver cuando éramos unos colegiales en nuestra ciudad, o podría citarte también Concentración de Campos, que buscaba la idea de cómo se puede sobrellevar una amistad en un escenario tan violento como un Campo de Concentración.

Finalmente, ¿Qué es lo que tienen preparado para su primer show en Ecuador?

M: Queremos llevar una fiesta a Ecuador, a pesar de que acabamos de sacar Sangre Cita y tenemos muchas ganas de tocarlo sabemos que querrán oír canciones más antiguas de nuestro repertorio y sin duda van a estar. Trataremos de no dejar nada en el tintero sobre todo porque es nuestra primera visita allá y tenemos muchas expectativas.

Por: Darío Granja | @darioxgranja

 

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Entrevista: Denver. El peligroso pop del fin del mundo

Esteban Albino es el protagonista del nuevo disco de Jodamassa

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Por: La Calavera

Es oscuro, denso y visceral. El tercer disco de la banda Jodamassa está en cocción. Se llamará Esteban Albino y contará nueve historias hechas canción acerca de este personaje ficticio.

Esta semana presentan un nuevo sencillo: Esos días para mí. El tema, cargado de letras punzantes que se decoran con intrigantes tonadas de piano, es la segunda probadita que los cuencanos dan a sus seguidores. La canción llega después del sencillo que le dio el nombre al disco.

PLAN ARTERIA conversó José Orellana (voz y guitarra) acerca de sus procesos de composición.

P.A: ¿Qué nos espera en Esteban Albino?

J.O: Un disco conceptual, el primero de la carrera. Hay varias canciones que se conectan y parten de lo mismo…

P.A: ¿De qué parten?

J.O: O sea, musicalmente las canciones se parecen intencionalmente.

P.A: ¿Cuál es el hilo conductor?

J.O: Esteban Albino, un personaje ficticio.

P.A: ¿De dónde viene él?

J.O: Primero compuse la música del disco. Y, para las letras, quería encontrar un nombre con peso para unificarlo y se me ocurrió ese: Esteban Albino. Eso como homenaje a Steve Albini, el productor estadounidense. También como un tributo a todos los que nos ha influenciado, como Pixies, PJ Harvey, Nirvana…

P.A: ¿Cómo es Esteban Albino?

J.O: Es existencial, jaja.

P.A: ¿Por qué?

J.O: Porque no puede recibir las cosas positivas. No puede recibir el sol por algo casi genético. Hay elementos como el sol, que es lo bueno y la condición de albino, que es la incapacidad para asumir esas cosas buenas. Pero esa es mi interpretación y lo que me guió a hacer las letras.

P.A: Hay mucha oscuridad en el disco ¿se encontrará matices de luz escondidas en algún lugar?

J.O: No tantas. Es oscurísimo. La idea de lo albino tiene que ver con las enfermedades típicas de familia, como desordenes bipolares, depresión y todo eso que estás predispuesto genéticamente. Es como nacer destinado a algo, a ser feliz o no. En el caso de Esteban Albino, es a no ser feliz.

P.A: ¿Y nos dejas así: oscuros?

J.O: Les dejo más confundidos creo.

P.A: Nombra algunos de los temas que forman parte del álbum.

J.O: Esteban Albino, Esos días para mí, Vuelo al sol. Del resto me faltan los títulos.

P.A: Su próximo lanzamiento es Esos días para mí ¿de qué va?

J.O: Es un tema un poco más alegre. Cuenta la historia del encuentro de Esteban Albino con su pareja.

P.A: Y que cada cual se identifique según su estado interno, ¿no?

J.O: Lo bonito del arte es que nada está ahí sino para las interpretaciones…

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Entrevista: Denver. El peligroso pop del fin del mundo

ENTREVISTA: El Columpio Asesino. Todo lo que brilla no es diamante

Elcolumpio0Como parte de Sonidos de la Nit, nuevo espacio de Plan Arteria, el cual hace eco de las propuestas musicales más interesantes de España y Cataluña, presentamos una entrevista a la banda española, El Columpio Asesino, realizada días después de su interrumpida presentación en Razzmatazz.

Como si se tratará de una postal turística enviada desde un sitio en crisis, El Columpio Asesino presentó este año su quinto y más oscuro trabajo de estudio: Ballenas Muertas en San Sebastián. Con la intención de conocer más sobre este álbum, la situación de la escena musical de España, así como la relación de El Columpio con Latinoamérica, conversamos con Álvaro Arizaleta, voz y batería de la agrupación de Pamplona.

¿Cuándo inició la relación de El Columpio Asesino con el público de Latinoamérica?

Empezamos a ir a México desde el 2005, ya que desde nuestro primer disco tuvimos la suerte de ser editados gracias a un abogado y escritor que vive en el DF que era muy fan de las bandas de nuestra anterior discográfica llamada Astro. Luego de eso, hemos ido de a poco, haciendo un trabajo de pequeños pasitos pero sólidos. A la final también hemos estado en otros países como Salvador y Argentina, pero nuestra trayectoria seria ha sido en DF, adonde hemos ido como 5 veces. La última vez ha sido con este disco (Ballenas Muertas en San Sebastián). Estuvimos tocando en Monterrey y DF, donde hicimos sold out.

¿Qué diferencias encuentras entre los públicos de España y México?

La gran diferencia que encuentro entre los dos públicos es que en México el público es más abierto en cuanto a gustos musicales, no es tan sectario. En España somos más de tribus, por decirlo de alguna manera. La gente que escucha indie no se acerca a otros tipos de música.

Para quienes no conozcan lo que pasa en España, ¿cuál sería tu diagnóstico de la escena independiente del país?

Es complicado realizar este tipo de análisis, pero siento que se está polarizando un poco la música, en el sentido que las bandas que se están consolidando les va muy bien. Y el resto de bandas lo tienen muy difícil por no decir imposible el poder vivir de la música. Creo que en la música está pasando lo que sucede ahora mismo en este país: que está desapareciendo la clase media. Mientras unos se están haciendo muy grandes, el resto se están haciendo más pequeños. Por otra parte entre la piratería, la situación del país y el aumento del IVA al 21%, nos ha hecho que tengamos que tocar más para ganar menos.

Empecemos a hablar sobre la banda, ¿cómo vivieron el período post Diamantes? ¿cómo asimilaron el éxito de la canción Toro?

Diamantes ya era nuestro cuarto disco y a la hora de grabarlo no teníamos la sensación de que estábamos haciendo nuestro trabajo más accesible, sino todo lo contrario. Estábamos expectantes de la respuesta del público porque a nuestra anterior discográfica no le gusto nada el disco, y por eso decidimos dejarla. En ese sentido fue una sorpresa ver como nuestro público se multiplicó por tres y por cuatro, sobre todo, gracias al fenómeno de Toro, una canción que no pensamos que iba a tener la repercusión que tuvo, porque si bien tiene gancho, no es una canción que responde al perfil de hit convencional.

Después de Diamantes éramos consientes que un fenómeno como Toro era muy difícil de repetir, ya que Toro no se lo buscó, fue una canción que apareció. Por ese motivo, no quisimos obsesionarnos con ese fenómeno y nos centramos en hacer el disco que queríamos, que era Ballenas Muertas en San Sebastián. Un trabajo totalmente condicionado por la situación que está atravesando el país. Pensábamos que nuestro deber como músicos y artistas era reflejar el momento que estábamos viviendo. Todo el disco gira en torno a esa idea. Nos centramos en hacer un disco duro, oscuro, aún sabiendo que mucho de nuestro público se iba a sorprender. Pero nosotros entendemos así a la música. Sin riesgo no tiene sentido.

Elcolumpio1En algunas declaraciones que han realizado se menciona que además de la crisis externa del país, también hubo un efecto interno dentro de la banda al momento de grabar Ballenas Muertas en San Sebastián…

Si, Ballenas muertas refleja dos niveles de crisis. La crisis del exterior, la crisis del sistema, del país y la crisis del interior. La que nosotros hemos pasado como banda y que seguimos pasando por nuestra relación que tenemos con la música. La crisis de replantearnos todo después de cada trabajo. Cada disco pensamos que es el último. Esos son los dos niveles de crisis en torno a los que gira el disco.

¿Qué tienen planeado para los próximos meses?

Ahora vamos a empezar la gira de invierno que es todo lo que está afuera de los festivales, tenemos un montón de conciertos por España. Lo que queremos es estirar la gira lo más que se pueda y una vez que se acabe nos daremos un tiempo más para pensar que haremos con nuestras vidas.

¿Tienen programada una futura fecha para Barcelona?

Volveremos a repetir un concierto en Razzmatazz porque la sala quedo en deuda tanto con el público como con nosotros. El problema que tuvimos ahí no fue un error humano sino un problema con un equipo. Pero volveremos a Razzmatazz y a otra sala. Yo creo que lo haremos a inicios del año que viene.

Por: Darío Granja | @darioxgranja / Fotos: elcolumpioasesino.com

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Daniel Merchan Pástor y “X” Lanzamiento de su album solista

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Por: El Musikologo, para Plan Arteria.

No es casual que la edición de un nuevo disco de Daniel Merchán Pastor nos genere expectativa, hace diez años que viene trabajando en diferentes propuestas, no solo como músico empedernido, también como productor vinculado a la nueva ola de bandas independientes que se vienen gestado en Guayaquil. Merced a esos diez años de trayectoria, acertadamente este nuevo álbum que acaba de editar se titula “X” y en Plan Arteria quisimos conversar con este gran cantautor para que nos cuente un poco más de él.

P.A. La grabación de un disco es como una especie de viaje, desde la concepción hasta el producto final. Cuéntanos un poco del proceso de grabación y producción, ¿cuanto duró este viaje desde la primera nota musical hasta la portada del álbum?

D.M. El disco contiene temas que han sido registrados durante casi diez años y al mismo tiempo celebra una década de andar haciendo “esto”, con Mantarraya Dúo (entre 2004 y 2006), con temas que jamás entraron el algún disco mientras estuve tocando con Sobras y Cenizas, Cactus Gamarra y Los Smokings (entre 2007 y 2012) y para un proyecto de folclor que tenía en mente (en 2013); pero al final decidí poner todo en este álbum llamado “X”.
Todos los temas fueron producidos, grabados, mezclados y masterizados en diferentes estudios y en diferentes años por mi gran amigo y compañero de siempre Hugo Vejar (Pasajero/Espacio Estudios) con quien también he trabajado y tocado en otras agrupaciones. El arte de “X” lo hizo mi esposa, quien ha manejado la imagen y gráfica de todos mis discos. La portada es un gran adhesivo, quien tenga el formato físico ya sabe qué hacer con ello.

P.A. Creemos que este es el trabajo más completo que has armado en tu carrera solista. ¿Es así?

D.M. Sí, es el más completo que jamás haya publicado, es un copilado de 16 temas. Me tomó un tiempo decidir su contenido, la mitad de temas son nuevos y la otra mitad ya los había publicado previamente. Diría que con éste larga duración empieza oficialmente mi carrera como solista. Cuando le presenté el primer formato del álbum al Sindicato nacional de músicos del Guayas, no creían que podía tener un disco de 16 temas de mi autoría, y les dije que no hacía covers.

P.A. Este álbum tiene una amalgama de sonidos “tradicionales” musicalmente hablando, con influencias directas del pasillo ecuatoriano, ¿cómo te llevas con este tipo de música y cómo ves el proceso musical de los jóvenes de Guayaquil a este respecto?

D.M. La influencia tradicional es inevitable; tuve la oportunidad de estudiar pasillos con Naldo Campos, quien fue requinto y guitarra de Julio Jaramillo, Los Diamantes, entre otras agrupaciones, eso me ayudó a conectarme un poco más con esta música tradicional y agregarle un poco de lo mío. Veo muy pocos compositores en la ciudad, y las nuevas bandas, músicos y propuestas, no creo estén interesados en recuperar o utilizar el pasillo como parte de su influencia directa más creo que la respetan mucho, no es cosa fácil meterse a hacerlo.

daniel1P.A. ¿Qué canción del álbum recomendarías para que alguien que nunca ha oído tu música la conozca?

D.M. “Cuando el sol se case con el mar” sería la indicada, aunque quizá todas lo serían, espero hacer pasar un buen momento a quien tenga la oportunidad de ver en vivo lo que hago, así como yo la paso cuando toco. De alguna manera se arma el mejor ambiente en cada show.

P.A. Muchos nos preguntamos ¿qué paso con tu banda Los Smokings? su carrera estaba en franco ascenso ¿en qué estado se encuentra ese proyecto?

D.M. Después de haber participado en Quitofest 2012, hicimos un show donde decidimos tomarnos un tiempo para dedicarnos a otros proyectos no necesariamente musicales, la banda se encuentra en un hiato indefinido el cual espero refresque las ideas para retomarla cuando sea el momento indicado. A diferencia de las pausas, no puedo ni quiero quedarme quieto, por eso publico este disco con el cual seguiré trabajando bajo mi nombre.

P.A. Los procesos musicales siempre generan anécdotas, ¿tienes alguna particular acerca de este álbum?

D.M. Si, en 2012 cuando intenté mostrarle mis primeras composiciones en pasillos a mi profesor, me dijo que no quería escucharlas, y me pidió que me concentre en interpretar y ejecutar temas de otros artistas tradicionales, ese día me retiré de la escuela del pasillo. Además te comento que el tema “Un dolor en el alma” ganó el segundo lugar en el concurso nacional “El nuevo pasillo ecuatoriano 2014” de SAYCE.

P.A. ¿Qué se viene ahora con Daniel Merchán? Giras promocionales…

D.M. Ya he realizado el lanzamiento del disco en Guayaquil, el 19 de Septiembre lo haré en Cuenca y espero antes de que acabe el 2014 poder hacerlo en Quito; en Noviembre sale un nuevo vídeo y sencillo promocional. Espero pronto agendar una gira que abarque la mayor cantidad de ciudades del país.

P.A. ¿Qué expectativas personales tienes con este lanzamiento?

D.M. Creo que después de haber publicado tres Ep’s como solista y otras producciones con otras bandas, recién empieza mi carrera oficialmente, ahora me lo creo, y con esto espero llegar hasta donde más pueda, ya tengo 10 años en esto y no creo poder parar.

El folk abre una especie de grieta atemporal y hace de “X” un delicioso coctel sosegado. El álbum en su entera construcción cuenta un historia de amplio espectro, ya que se sirve de todas la influencias que Daniel Merchán ha ido asimilando en sus años de carrera, y nos deja saborear desde un melancólico pasillo de vieja escuela hasta un indie folk, pasando por un guiño sonero a lo montuno. La hermosa construcción acústica hace de “X” un álbum intimista y lleno de matices lo-fi.
“X” el nuevo álbum de Daniel Merchán Pastor se puede encontrar por el momento en formato físico en todos los conciertos donde se presenta, pueden seguir sus presentaciones así como pedir a domicilio el álbum a través de la página www.diamanteguayaquil.com, a partir de Octubre el disco estará disponible en formato digital a través de Itunes.

Datos adicionales:

vídeo de cuando el sol
vídeo de plazma
blog

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Entrevista: Denver. El peligroso pop del fin del mundo

Entrevista a Clubz: minimalismo de alto contenido sonoro.

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En julio cumplen un año desde que lanzaron su primer sencillo Celebrando, tema que sigue sonando duro en los blogs de música independiente de varias partes del mundo, toman esta fecha como punto de partida de la carrera musical de una banda dueto de guitarristas que se preocupa fuertemente por las ‘texturas’.

Nacidos de la prolífica escena de Monterrey, Clubz es una propuesta electro post-punk que junta una variedad de sonidos con el eje de las cajas de ritmos, mismas que se han ido consolidando en el camino. No es simplemente omitir la batería para rellenarla con secuencias, es ir coleccionando máquinas que utilizaron grandes como New Order o Michael Jackson en su disco Thriller  para el beneficio de su sonido vanguardista.

Doblando las voces, ocupando muchos pedales de guitarra, reverbs, chorus, overdrives, flangers, etc. Clubz crea atmósferas para su placa Texturas, su primer EP concebido de manera independiente con el apoyo del sello Casete en la promoción. Son poseedores de un solido directo que se lo ha podido presenciar en festivales como el Vive Latino y Nrmal. Este último los trae a Ecuador para dos presentaciones especiales junto a Alkaloides.

“Las texturas básicamente están en un ritmo que lo puedes hacer con cualquier batería o sonido, nosotros acudimos a la nostalgia de músicos como Prince o Jackson que utilizaban cierto maquillaje en sus temas y los fuimos reproduciendo  a nuestro gusto”… nos comentan  Coco Santos y Orlando Fernández, miembros de la banda al conversar con nosotros en esta entrevista previa a sus shows.

Quito y Cuenca serán testigos de esta propuesta de música minimalista con alto contenido sonoro. Alakaloides la banda quiteña los acompañará y lanzará su disco homónimo.

Escucha la música de Clubz y la entrevista completa para Ultramotora a continuación:

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ENTREVISTA: Sustancia Oxidada (Ecuador Jazz 2013)

banner_superior sustanciaoxidadaEs un sonido extraño y difícil de asimilar. Para poder entenderla, es necesario asistir y admirarla en un teatro. No es una cuestión elitista, simplemente “es la música que estamos haciendo en estos momentos”, comenta José Julián Velasco, vibrafonista de Sustancia Oxidada. Cuatro años atrás, Julián tocaba con Yussif Barakat (contrabajo). En una de esas sesiones de Jam, Yussif le presentó unas composiciones para un trío con batería. Tiempo después, entraron al IMC y en enero del 2012 conocieron a José Hernández.

Los tres se juntaron en un momento clave. “Estábamos en la onda de buscar algún sonido propio. Es un proceso larguísimo, dicen que es lo último que te llega. Así que nos pusimos a tocar y salió Sustancia Oxidada”, recuerda Julián. El nombre nació a partir de un cuadro del artista Mark Rothko, llamado Rust & Blue (óxido y azul). Justamente una pintura de tres colores con la que se sintieron identificados.

Dices que su música es rara. ¿Cómo se la podría interpretar?
No tocamos jazz, no hacemos jazz. Es muy pretencioso decir que lo hacemos, pero definidamente, nos encanta y es una de nuestras influencias. En ciertas composiciones, en la improvisación, hay ciertas secciones y hay cosas estilísticas que se parecen al jazz.  Pero es música experimental, jugamos con la improvisación libre, los solos… simplemente tocamos sin saber lo que va a pasar.

Ustedes recurren al espacio. ¿Cómo funciona esto en su música?
Para nosotros es muy importante. Es música con mucho espacio y tratamos de no llenar tanto. Además, por el formato de tres instrumentos, es raro, casi no hay tríos de vibráfonos, es extraño.

Dices que ahora, la manera de estudiar la música académica es a través del jazz. ¿Crees que exista un mayor acercamiento de las masas y de lo académico mediante éste género?
Es muy chévere tocar jazz. Vas a Marruecos y encontrarás un trío de jazz que sabe de estos estándares. Es un estilo súper universal. Se sabe que en mucha música del mundo la improvisación estuvo presente. Creo que a través de ese estilo, hay una acercamiento con las masas.

¿Cómo es el proceso de creación o cómo surge este sonido raro y extraño de su música?
El más creativo es Yussif. Él tiene muchas composiciones y ha estudiado algo de eso, entonces tiene mucha producción. Desde que empecé a tocar, el trío también te impulsa a componer. A veces él trae una composición o yo lo hago… después la leemos y cuando tocamos en concierto, estamos experimentando con la improvisación.

También nos ha servido tocar con grandes músicos, por ejemplo con Rodrigo Becerra, el principal contrabajista de la Orquesta Sinfónica de acá. Con él trabajamos mucho impro libre.

Si su música no es jazz, ¿cuál crees que sea el efecto en la gente que irá a festival?
Definitivamente un shock, además porque somos desconocidos, jóvenes e inmaduros artísticamente. Va a ser un “trauma” para el público. Pero bacán, es una oportunidad para darles ese trauma.

*La banda es parte del cartel de Ecuador Jazz 2013 y tocarán el viernes 1 de marzo en el Teatro Nacional Sucre a las 19:30.

Por: Marcos Echeverría / Fotos: Carolina Velasco

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IGOR ICAZA: Sentimiento y respeto por las cuerdas

El músico ecuatoriano de larga trayectoria está a punto de sacar su nueva producción, se trata de Detrás de los Huesos, su disco en solitario. Una pieza que evoca las letras, las composiciones, la melancolía, el respeto por esos personajes que influenciaron su carrera como artista independiente.

Saludos Igor… ¿Cómo te sientes?

Estoy contento de tener estas buenas nuevas sobre mi carrera como solista y con mucha música bajo el brazo.

¿En qué estado se encuentra Sal y Mileto?

Bueno hemos decidimos parar, Luis Enríquez está radicado en Europa, estará un tiempo en Alemania y luego se va a Francia, así que decidimos pausar al grupo, no sabemos si volveremos a tocar, hemos dado un concierto de despedida y el grupo está prácticamente separado.

Estas preparando tu nuevo trabajo Detrás de los Huesos, háblanos de este disco.

Este es un proceso muy largo, tiene que ver mucho con mi trabajo con las cuerdas que comenzó desde la muerte de Paúl Segovia, mi compañero con el que formamos Sal y Mileto. Se remonta desde hace nueve años. En este tiempo he trabajado con las cuerdas con un sentimiento de completo respeto por lo que estas significan en la música, tomando en cuenta que mi carrera como percusionista ha sido con la que me he dado a conocer. Es bueno resaltar que en todos los discos de Sal y Mileto hay composiciones mías en la guitarra y también en mis otros proyectos me involucré mucho con las cuerdas. Como instrumentista en vivo comencé hace nueve años cuando forme el cuarteto Pléroma, con ellos saqué un disco y trabajé cuatro años. Y ahora, tengo este disco listo que voy a lanzar el 20 de diciembre en el Teatro del Colegio Benalcazar como un evento gratuito. Tengo la alegría de poder invitar a la gente que le interesa este proyecto gracias a la Dirección de Cultura del Municipio de Quito. El disco va a tener un costo muy bajo y el show será con muchos músicos e instrumentos en escena: chelos, guitarras, percusión andina, percusión árabe, teclados, vientos, es un montaje para un proyecto electro acústico.

¿Consideras este trabajo cómo íntimo en tu carrera?

Este disco tiene 10 tracks que son 9 de mi autoría completamente, el último tema es un pasillo de Paúl Segovia, mi compañero. Es un trabajo muy íntimo, tiene que ver con un montón de emociones mías. Además en este disco hago un acercamiento y un homenaje a muchos poetas latinoamericanos que me han acompañado en algunas etapas de mi vida. Al inicio fue un disco cantado y la mitad instrumental y luego se convirtió en un disco conceptual que tiene mucha simbiosis entre la música y la poesía. Tengo fragmentos de poemas musicalizados, así como poesía que luego se conecta con composiciones musicales y temas de mi total autoría. Este álbum me tiene muy contento por estos años de carrera, es un reflejo de lo que soy, un proceso que está entre el dolor y la melancolía. De esta forma me conecto con la poesía.

¿A qué poetas rindes homenaje en Detrás de los Huesos?

Entre los poetas que rindo homenaje están David Ledesma, un gran poeta guayaquileño, tengo un texto de Julio Cortázar, una letra de Pablo Neruda, un texto de Jorge Enrique Adoum, hay un texto introductorio fragmento de un poema de Vicente Huidobro. Para definir mi trabajo es un disco de poesía latinoamericana con música de mundo, obviamente hay un tinte miletero porque hay rock progresivo, hay atmosferas que conectan ese sentir del disco Cero y es obvio porque estoy involucrado con todo lo que es Sal y Mileto y en buena hora si hay semejanzas.
Es importante esto de regar la poesía por latinoamerica y que llegue a la gente que no conoce a David Ledesma o el trabajo de Paúl Segovia como compositor de música nacional.

¿Qué músicos te acompañarán en el concierto lanzamiento de esta producción?

He trabajado varios años como un trío: Grecia Alban en el Chelo, Daniel Vallejo en la guitarra eléctrica y yo en la guitarra acústica, con ellos grabé todo el disco. Además de eso tengo la suerte de contar con Daniel Mancero en los teclados, Rita María quien también grabó el nuevo disco de Sal y Mileto (que ya está grabado y espero que salga en marzo de 2013). Está Margarita Posada que hace coros y toca la percusión andina, Santiago Jiménez que hace algunos temas en el saxo, tengo como invitado especial a Bassem Ramadam que hace percusión egipcia, mi hijo Zack Icaza en la batería y Herman Mora, el último bajista de Sal y Mileto. Estamos trabajando para que sea una noche inolvidable y además puedan llevarse el disco por 5 usd, con la consigna de que están apoyando a un músico que ha dado mucha música al país.

El lanzamiento de Detrás de los Huesos de Igor Icaza será el 20 de diciembre a las 20H00 en el Teatro Colegio Benalcazar (6 de diciembre y Portugal), evento gratuito.

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Entrevista: Denver. El peligroso pop del fin del mundo

Sin Otoño, Sin Primavera: Andrés Troya (Martín)

 ANDRÉS TROYA (MARTÍN)

Artista guayaquileño, dedicado actualmente a la gastronomía.
Después de vivir su niñez en el Ecuador, viaja a Alemania a buscar fortuna, lugar donde se convierte en un adulto.
Sin Otoño, Sin Primavera es su primer largometraje como actor.

Una canción, un disco y una banda que te han marcado en la vida.
Son muchos, se me ocurren ahora: “La canción de tomar el té” de María Elena Walsh, el diasco “Viva Chile!” de Inti Illimani, y la banda los Ilegales, en fin, cosas que escuché desde bien pelado y que hasta ahora las escucho.

¿Cuál fue el último concierto al que has asistido?
Celso Piña

¿Cuál fue el primer disco que compraste?
Fueron tres,” Contágiame con tu Nueva Onda”, un mix del dj Miguel Ángel con éxitos del rock latino, “Flans” y “Entre el cielo y el suelo” de Mecano.

¿Cuál es la última gran película que has visto?
Luces de la gran ciudad.

¿Cuál fue el libro que más disfrutaste leer?
La historia Interminable.

¿Cuál es tu programa o serie de televisión preferido?
Los Simpsons, aunque nada en la tv me ha hecho emocionar tanto como Mazinger y Titanes en el ring.

¿Cuál es tu palabra favorita?
No tengo.

¿Cuál es la palabra que menos te gusta?
Creativo.

¿Qué es lo que más te causa placer?
Irme a acostar después de ser el aniftrión de una fiesta gloriosa.

¿Qué es lo que te desagrada?
Que mi mujer contravenga algún acuerdo o regla de la casa sobre todo en relación con los hijos.

¿Cuál es el sonido o ruido que más placer te produce?
El que se produce al golpear en el fondo de una botella cerrada de jugo de naranja sostenida boca abajo.

¿Cuál es el sonido o ruido que te aborrece escuchar?
Cuando los pelados de la escuela donde yo trabajo sirviendo el almuerzo golpean la bandeja con los cubiertos, y el despertador de mi mujer.

¿Cuál es tu grosería favorita?
IMBÉCIL!

Aparte de tu profesión ¿qué otra profesión te hubiese gustado ejercer?
Músico.

¿Qué profesión nunca ejercerías?
Policía.

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