Dario Granja

BLOG | Los mejores discos del 2012 / Por Darío Granja

BLOG | Los mejores discos del 2012 / Por Darío Granja

Revisa la selección de los mejores discos del 2012 según cada uno de los colaboradores de Plan Arteria y Ultramotora.

Por: Darío Granja | @darioxgranja

A un año lo recordamos por los hechos que sucedieron, desde eventos personales, pasando por sucesos políticos y sociales, hasta llegar al simulacro del fin del mundo. En todos esos casos, hay algo que no falta y es la música con su genial capacidad de acoplarse a cualquier instante.

Acá los discos que considero fueron la mejor banda sonora de lo que pasó en este 2012:

10 | MARLEY MUERTO / Pararmar

“Parar donde el rumbo pida, donde el sueño haga daño”

Pararmar va más allá de la música, es un verbo camuflado, una propuesta de acción. En ello radica el enorme valor artístico y conceptual de esta producción ideada por Daniel Pasquel (Can Can). Este álbum reúne 10 temas que cuentan con las colaboraciones de músicos de diferentes generaciones. Mientras el contexto de la música independiente se ve difuso y gris, Pararmar es una apuesta esperanzadora, que por su fuerza colaborativa trascenderá en el tiempo.

9 | FOBIA / Destruye Hogares

“La búsqueda de algo mejor”

Destruye Hogares representa la vigencia, y el regreso, de una leyenda. Paco Huidobro y Leonardo de Lozanne facturan un disco contundente que maneja una frescura inusual, para una agrupación de tan larga trayectoria, mientras conservan el clásico sonido desenfadado y lúdico que los hace aquella pieza clave dentro de la música en nuestro idioma.

8 | JAPANDROIDS / Celebration Rock

«We yell like hell to the heavens»

Si alguien me pregunta, la banda sonora del 2012 debe ser algo parecido a Celebration Rock de Japandroids: furioso, lleno de energía por ser expulsada, música que libera aquella presión que se vivió en un año crítico. Punk rock con un futuro sin caducidad. Una desenfrenada celebración de lo que nos queda por vivir.

7 | ALABAMA SHAKES / Boys and Girls

“Well, I traveled a long way ?and it took a long time to find you…”

Hay bandas que esperan años para consolidar su sonido. Alabama Shakes no es una de ellas. Su disco debut goza de una plenitud única. La voz con espíritu soul se desborda de forma estremecedora por los labios vibrantes de Brittany Howard en cada una de las canciones que compone Boys and Girls, mientras su música presume en el presente lo mejor del pasado.

6 | BOB DYLAN / Tempest

“How I made it back home, nobody knows / Or how I survived so many blows”

En un año donde se habló del fin del mundo, Bob Dylan presentó un álbum obscuro y de carácter eterno. A través de un viaje por la música popular norteamericana Dylan encuentra el entorno perfecto para dar nuevamente vida a aquellos relatos y poemas épicos que solo el puede edificar, con la voz de un superviviente del ocaso.

5 | GEPE / GP

“La manera más sencilla de llegar a la orilla es no dejar de nadar”

En esta producción Daniel Riveros alcanza un estado de gracia y libertad poco común en la música. GP es un colección de canciones pop con personalidad propia. Desde una energética “En la Naturaleza” donde coquetea con el moombahton, hasta composiciones más íntimas de piano y voz como “Campos Magnéticos”. Gepe no se repite en esta cuarta producción, en lugar de eso aumenta la apuesta y gana.

4 | PASSION PIT / Gossamer

«It’s Not My Fault, I’m Happy»

El optimismo resulta necesario cuando las cosas no van del todo bien. Eso lo sabe el líder de Passion Pit, Michael Angelakos, quién en esta segunda producción apuesta por un synth-pop más luminoso y alegre que su debut. Gossamer es una preciosa colección de inspiradoras canciones pop con estribillos potentes para cantarlos en los mejores y peores momentos.

3 | GRIZZLY BEAR / Shields

“I will put an end in all these brakes”

La música de Grizzly Bear es una experiencia visual basada en sonidos y silencios. Su capacidad de sobreponer delicadas capas sonoras te invitan a transitar por paisajes asombrosos. En Shields el cuarteto de Brooklyn saca partido de sus abundantes recursos sonoros para consolidar su trabajo más contundente hasta la fecha.

2 | ALT-J / An awesome wave

“Triangles are my favorite shape / Three points where two lines meet”

El mejor debut del año. Alt-J logra algo casi insospechado, sonar únicos en un época llena de copias y referencias pasadas. En este trabajo todo es transformación, desde una estructura rítmica en constante cambio, hasta la indescriptible ejecución vocal de Joe Newman. An Awesome wave, es un disco que sin abrumar por los diversos elementos sonoros expone un resultado épico.

1 | FRANK OCEAN / Channel Orange

“You got me so lost and I can’t lie”

Para Frank Ocean, la música es una confesión de relatos íntimos. Channel Orange posee la emotividad y tensión de los momentos que marcan la vida. Entre el mejor R&B y soul de nuestro época, hay suficientes espacios de silencio para escuchar la voz de una persona que conmueve, que muestra sus cicatrices y canta para sanar.

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DESCOMUNAL: Podrás ver a través de mí (Especial)

Han pasado 10 años del origen de una de las bandas más fundamentales del metal de nuestro país: Descomunal. A pocos meses de iniciar una gira por EEUU y editar un nuevo material discográfico, en formato split album con la banda francesa The Walking Dead Orchestra, en Plan Arteria rendimos un homenaje a esta agrupación capitalina y presentamos, uno de los textos más extensos y completos que se publicó en nuestro medio en el año 2008, a propósito del lanzamiento del primer disco de la banda: “Invalorable”.

 En la tarde, al norte de Quito, en un edificio aledaño al parque La Carolina, es el punto de encuentro de tres integrantes de Descomunal antes de dirigirse a su lugar de ensayo. Este será el primer repaso de la banda completa, luego de un receso de tres meses por la ausencia de su guitarrista. En el departamento de Miguel Vinueza bajista de la banda, el sitio de espera es su cuarto; sus paredes se encuentran forradas de afiches, fotos, un par de booklets de discos de A.N.I.M.A.L y recortes de revistas como Revolver o Hit Parader. La televisión esta prendida y muestra, en un canal local, como una locutora de radio se ha convertido importunamente en presentadora de videos, dando a conocer a una nueva “banda promesa ecuatoriana”, que practica uno de esos géneros inclasificables de cumbia, ska, reggae y lo que haya que mezclar para convertirse en la última propuesta bailable alternativa. De este modo la espera se aligera.

Creciendo en una ciudad donde la escena ‘under’ empezaba a consolidarse, cada miembro de Descomunal fue reconociendo su espacio, identificando gente con la cual compartirían música y pronto se relacionarían. “Cuando comenzabas a ir a conciertos te topabas con gente, te hacías pana, empezabas igual a cruzarte discos y ese tipo de cosas. Me acuerdo que en ese tiempo era muy preciado tener el material de ciertas bandas nacionales. Era como muy preciado tener cassettes como los de Notoken, o el demo de Muscaria antes de sacar su disco. Era complicado tenerlos, pero conseguirlo era bacán.”, recuerda Miguel Vinueza fundador de Descomunal. En otra época y bajo diferentes circunstancias se encontró Gustavo Dueñas, vocalista de la banda, que tras ir de intercambio a Nueva York en 1994, pudo identificarse y vivir el apogeo hardcore de esta ciudad, generó que lo marcaría de por vida, y que tras su regreso lograría dar vida y rumbo al sonido de Misil.

Repasando la historia antes de Descomunal.

En 1999, Miguel se encontraba en Resistencia, su primera agrupación a la que luego rebautizaría como Sumo Cannabis. Resistencia practicaba un género híbrido mezcla de hardcore, metal, funk… “Buscamos encontrar el hardcore a nuestro modo” comenta el bajista. La banda logró sacar un demo, darse a conocer en varias tocadas y rotar en los pocos medios alternativos que difundían su música. En la alineación de Resistencia también se encontraba Roberto Muñoz, vocalista y gran amigo de Miguel. Tras una discusión entre estos dos integrantes, Roberto se apartó de la agrupación justo en una época donde Miguel Vinueza se encontraba en busca de un nuevo guitarrista y baterista. Esos fueron los motivos para buscar a los próximos integrantes de su banda y con los que daría espontáneamente vida a Descomunal en el futuro. “Necesitábamos un baterista, por azar de destino llegamos con Juan Carlos Granda. Me acuerdo claro que fuimos con Jason De La Vega donde Juan Carlos para ver qué tal tocaba la batería. El brother no tocaba, pero ahí le conocía a Canguil. Le vi, un chiquito ahí con unos piercings. El man no decía nada, no hablaba. Pero luego Canguil cogió la guitarra y se toco temas de Metallica y Deftones, yo con Jason cachamos que, ¡oye este man si toca bien!”. Con esta impresión, Miguel contacto a Carlos para invitarle a tocar con él. “Yo le llame al Carlos y le dije «¡quieres tocar, te ahuevas!», el man de una aceptó. Canguil en ese tiempo tenía 16 años. Me acuerdo que él llego a mi casa, yo le estaba esperando abajo y él venía caminando con dos compañeros cargándole el uno la guitarra y el otro el amplificador, algo que siempre ha sido así, nunca carga sus cosas. Estaba ahí, sus compañeros le dejaron en la puerta de mi casa y les dijo, «ya… chao», y los manes se fueron. Subimos, yo tenía “Realidad”, el primer tema que hizo Descomunal. Le enseñe el tema, a él le gustó full, le sacamos, le organizamos, y nos vimos unas dos veces más. Ya lo le teníamos listo. Luego de eso él insistió mucho en que volviéramos donde Juan Carlos para seguir trabajando con él en la batería. Volvimos donde el Juan Carlos, y ahí ya se forma Descomunal”.

Con una alineación conformada por Miguel Vinueza en el bajo, Juan Carlos Granda en la batería y Carlos Rodríguez en la guitarra compusieron temas durante 8 meses. Cuando se encontraban en busca de vocalista, Roberto Muñoz se interesó por la banda. “No teníamos letras, estábamos buscando vocalista, probamos con muchos: el de Nadie, pero el man nos decía que estaba muy ocupado, también con el de Vaho tuvimos una reunión media chistosa. Nunca fue. A Roberto después de que los temas estaban hechos, yo le hablaba mucho de Descomunal, entonces el cómo que se arrepintió por haber salido. El tipo se prendió full, quería vernos y toda la huevada. Le invite a cantar y hubo química”.

La banda en el 2002 logró consolidar su sonido y ensamblarse fuertemente como un grupo. Sin embargo, la historia de Descomunal dio un nuevo giro que casi atentó con la continuidad de la agrupación. “Lo que sucedió fue que Juan Carlos se gano una beca para estudiar en Estados Unidos y Roberto se iba a casar, también se iba a ir para ese país. La banda estaba sonando bien, pasaba por buen tiempo. En esos momentos Alexa, la actual esposa de Roberto, nos dijo que debíamos de grabar, que confiaba en nosotros y que iba a poner la plata. Grabamos “Instinto” ya sabiendo que se iban a ir. Grabar el demo era súper indispensable, porque era la forma en que la banda existiese, y si se iban por lo menos otros músicos podrían ocupar su lugar. Entramos al estudio, grabamos esos ocho temas que tiene el demo y le mandamos a La Latina. En si la Radio Latina se enamoró un tiempo de Descomunal, los manes hacían sus cuñas con música de Descomunal, nos metieron al listado de las 21únicas, y ganamos. Estábamos participando con Rocola, Muscaria, Tanque, Mama Vudú, Pulpo 3… un montón de bandas grandes, y Descomunal ganó esa cuestión. Ese premio lo fuimos a retirar el Canguil y yo, cuando no había una banda realmente establecida, recibimos ese premio, y esa radio nos hizo existir durante ese tiempo.”

Instinto fue el demo que abrió el camino y dio a conocer a Descomunal, sin embargo la banda todavía carecía de autenticidad, tenían una clara influencia del metal de los 90 y su propuesta se apegaba mucho a otros grupos de ese tiempo. “El Instinto es un demo de full buen gusto, mas que de técnica, melodía o demás, es como que riffs chéveres pegados de una forma chévere. Eso es el Instinto”.

Pasaron alrededor de 10 meses paralizados luego de que Juan Carlos y Roberto partieron de la banda. Con Carlos y Miguel como únicos integrantes, los dos comenzaron a crecer musicalmente, abrirse, encontrar más influencias, llevar más allá el sonido de Descomunal. En la búsqueda de nuevos miembros, por un tiempo Andrés Ortiz los acompaño en la batería, pero después se desvinculo de Descomunal, ya que quería centrarse en su banda, Kangagua. Así se encontraron de nuevo los dos solos, en la tarea de buscar otros bateristas.

Cuando las propuestas para vocalistas también se consideraban, Miguel ya pensaba en Gustavo Dueñas como una de las mejores alternativas para conformar la nueva alineación. “Yo siempre había pensado que Gustavo era la persona indicada para la banda porque yo le vi cantar en Misil, lógicamente me encantaba Misil, pero también le vi cantar en Dentro de Helena que era otra cuestión, donde él hacia otras cosas que igual eran interesantes. Descomunal siempre tuvo una idea de no ser encasillado, sino siempre probar cosas, entonces me pareció que Gustavo podía encajar mucho en la cuestión. Era en el 2003 cuando fuimos a una tocada de Misil con su última formación, en la Cantina. Creo que fue la última tocada de Misil. Me acuerdo que Gustavo estaba saliendo del camerino, yo me acerque y le dije algo así como, «¿te acuerdas de mí?», no sé si se habrá acordado. Entonces íbamos caminando hacia fuera y le comente que tenía una banda, que se fue el vocalista y necesitábamos otro. Le propuse para ver si quería tocar, yo esperaba un: no puedo o algo así. Pero que cuchas, la peor gestión es la que no se hace. Le dije al man, él dijo que si, que le interesaba, me dio su teléfono y dijo que le llamé” recuerda Miguel. Por su parte Gustavo cuenta su versión de este primer encuentro “Yo estaba caminando y le dicte el teléfono, él se aprendió de memoria, pensé que tal vez no me iba a llamar. Sin embargo él me llamo a las 2 semanas de eso, teníamos que ensayar, pero recuerdo que sólo me invitaba y me llamaba porque había una tocada”.

Tras el ingreso de Gustavo, el cambio del sonido y la composición de la banda eran inminentes. “Gustavo llegó con un millón de música más que nos habría un panorama enorme, comenzó a cruzarnos discos que nosotros nunca hemos escuchado y que nunca íbamos a escuchar. Era imposible por nuestros panas conseguir la música que él tenia, gracias a que había vivido en Estados Unidos justo en esa época del auge hardcore. Conocía bandas que aquí nadie cachaba, que los medios no traían y que nadie te hacia escuchar, entonces él comenzó a darnos esa música y eso cambio totalmente la idea de composición de Canguil y mía, se hizo súper rico el sonido. En ese sentido crecimos totalmente”.

Sin baterista fijo, Descomunal encontró un fuerte apoyo en José Vergara (Alicia se tiro x el parabrisas), primo de Gustavo, quien los acompaño en varios conciertos. Se quedaron un tiempo tocando con José, quien los apoyó en varias tocadas. En esos días, Andrés volvió a contactarse con la banda, quería involucrarse de nuevo. Como las puertas de Descomunal estaban abiertas para bateristas, Andrés Ortiz volvió para consolidar una alineación estable, con la cual se mantienen hasta este momento trabajando.

Luego de varios conciertos, el cuarteto comenzó la producción de su segundo material, que llevaría el nombre ‘De obscuro final. Este EP de cuatro temas fue determinante para consolidar y dar firmeza a la banda dentro de la escena ecuatoriana, siendo invitados por dos años consecutivos al ‘QuitoFest’, el festival de música independiente más grande del país, al igual que para abrir a Fear Factory, una de sus principales influencias.

“De obscuro final tuvo una buena repercusión por su sonido, tiene un muy buen sonido, yo confié mucho en ellos. A pesar de que les llevo por más de 6 años de edad, cachaba mucho de lo que hacían, veía mucho compromiso y pude aportar con un poco de influencia mas que nada, tenia full confianza en lo que hacían, ellos tienen un muy buen gusto en lo que es la composición”, comenta Gustavo sobre el De obscuro Final, material que salió a finales del 2005, bajo la mezcla, grabación y masterización del “quinto integrante de Descomunal”, considerado así Juan Pablo Rivas por la banda.

En el camino hacia el lugar de ensayo (la casa del guitarrista Carlos Rodríguez que se encuentra ubicado en el valle), 7 personas nos subimos en un auto que por su estructura angosta se encuentra apto sólo para 4. En el volante, Gustavo Dueñas busca el lado positivo de la situación “entraron 9 personas una vez” comenta. A mi lado se encuentra Joel, el pequeño hijo de Gustavo, que mientras llena un álbum de cromos con la ayuda de Canguil, emite una visión única del metal y da unas opiniones invalorables. Enfoques demasiado puros y auténticos donde no hay cabida para ese metal prototipo de autodestrucción propio de algunos “verdaderos” y antiguos defensores de dicho genero; sino traduce ese estilo de vida, donde la familia y la camaradería son el diario vivir, conceptos hardcore por naturaleza; aunque él se declara abiertamente “blackero”, miembro único de su banda que practica el genero, llamada “Gorgojo” (en tributo a Gorgoroth), fan de Inmortal y de todo el “metal pintado” que le pongan en frente.

Seguimos en la ruta y Miguel habla sobre la escena hardcore, esa organización que nació con la finalidad de generar un espacio para su banda. Comparte varias anécdotas, una de ellas sobre una de las giras que más esfuerzo requirió, como fue la de los italianos The Orange Man Theory junto a Antón de México, gira en la cual tuvieron varios inconvenientes: empezando desde la frontera entre Ecuador y Colombia, donde la banda Antón estuvo detenida un tiempo; hasta terminar en Portoviejo, ante un organizador despreocupado que no supo manejar la presión de armar un concierto.

Ya dentro del cuarto de ensayo, y mientras se preparan todos los equipos, se conectan cables, y se modula adecuadamente el sonido, Miguel hace una observación “siempre estoy en desventaja en esta banda” mientras coloca su amplificador a lado del cabezal de Canguil, donde una desproporción obvia de tamaños resulta graciosa. Antes de empezar su repaso, Carlos coloca el disco de D-mente, la actual banda de Andrés Gimenez, el ex integrante de A.N.I.M.A.L, para hacerle escuchar a Gustavo Dueñas. Con todo listo, la banda empieza, cumple rigurosamente el orden del tracklist de su disco Invalorable, para luego pasar con los cuatro temas del De obscuro final. Cada cierto tiempo Gustavo comparte el micrófono con Joel, que al parecer, conoce perfectamente todas las letras de la banda y emite una voz gutural muy llamativa para su edad. Luego del repaso, mientras la banda descansa, nos sentamos en una pequeña sala para empezar un conversación extensa, dispersa e histórica.

Tratar de definir y dar un concepto a su nuevo disco, es difícil, pero logran concretarlo: “El invalorable tiene esa portada, porque nosotros estamos dando exactamente lo que nosotros somos. No estamos ni inventándonos nada, lo que oyes en el Invalorable es Descomunal. Creo que esa es la razón por la que ahora Descomunal suena a Descomunal, porque no intentamos parecernos a nadie, somos muy consecuentes con nuestras influencias y con las ideas que tenemos, siempre intentamos buscar nuestro sonido. En eso mucho tiene que ver la forma tan a lo bestia en la que Canguil compone y hace los temas. La exigencia que podemos tener con Andrés, que le hemos exigido un montón, hasta el cansancio y el tipo responde súper bien. En la creatividad de Gustavo, que tiene su estilo especial y tiene su sazón al momento de escribir, y al final también muchísimo la identidad que le ha dado Juan Pablo a nuestro sonido. Juan Pablo cacha muy bien a la banda, si hubiéramos trabajado con otra persona, no lograríamos el sonido que logramos”.


Al momento de desarrollar ‘Invalorable’, como su primer disco completo, la agrupación se planteó una exigencia interna: no sonar demasiado repetitivos ni esquematizados “En el momento de la composición si tuvimos mucho cuidado. Yo siempre pongo el ejemplo de As I Lay Dying, que es una bandota, es chévere y todo, pero vos oyes un disco de ellos, y la primera canción es como la onceava, usan la misma formula en todos los temas. Hay una formula establecida y durante todo sus temas juega con eso. Invalorable, tanto en sus riffs como en sus letras, muestran varias facetas. Es un disco que habla de muchas cosas, que tiene muchos riffs y que tiene muchos sentidos. Es un disco muy abierto” comenta el bajista. También la banda busco un sonido que sobresalga, proponiendo un estándar de trabajo dentro de la escena “Se que va a sonar un poco pretencioso, pero Descomunal, ahora, sí marco una línea de sonido, de composición, de trabajo. Seria bacán que empecemos a ver bandas, con ese tipo de esfuerzo, sonando bien, con un arte del putas, intentando mejorar su show, sonar mejor en vivo, intentando salir, haciendo contactos. Moviéndose”.

En este momento mientras la entrevista ya termina y faltan un par de horas para la media noche, la última pregunta surge: ¿Qué es lo que espera Descomunal después de lanzar ‘Invalorable’?

“Yo no espero absolutamente nada, que no lo pirateen mucho y que si compren el disco. Al decir esto de que no espero nada de nadie, ha sido lo bacán de Descomunal, porque por eso existe Alarma, y Descomunal a llegado a estar donde esta. Eso ha sido de las reales cosas que ha hecho que Descomunal tenga y vaya a tener un lugar relevante, ya que simplemente aplicamos la formula del hardcore, que no es nada del otro mundo, sino el do it yourself, hazlo tu mismo. Vende tu mismo tu música, produce tu mismo tus cosas. Mientras hay bandas que se han ido a gastar mucha plata afuera, nosotros trabajamos aquí, lo hicimos con Juan Pablo Rivas. Como productores estuvimos todos, haciendo los temas, cortando partes, poniendo partes, mejorando las tocadas, todos haciendo esa cuestión. Si de alguien puedo esperar algo, seria del público, que la goce, que el público sienta este Cd, sienta lo que nosotros sentimos cuando tocamos las canciones” responde Miguel. Gustavo concluye “Que sientan esa pasión que nosotros ponemos a lo que hacemos. Lo cual no ha sido fácil, esta época para nosotros ha sido bastante complicada, ya que implica full tiempo. Estos meses para mi sacar este disco ha sido bien duro, quedarse a altas horas de la noche, pedir favores, armar cosas…, no es nada fácil pero eso es lo que somos y tenemos. La pasión que emerge es combustible que arde eterno”.

Por: Darío Granja | @darioxgranja

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PACHAMAMA CREW & GUANACO: La unión hace la fuerza

Lejos de acá, un colectivo nació para cambiar la imagen de lo latino en el viejo continente. Es un grupo de artistas que comparte una misma historia, edificada dentro de los vaivenes de la inmigración. El barrio 4 Caminos de Madrid fue su punto de partida, pero en la actualidad su punto de llegada es mundial. Son «Pachamama Crew creciendo de norte a sur».

En este año, el colectivo de hip hop compuesto por dominicanos, mexicanos, chilenos, ecuatorianos, españoles, y bolivianos prepara el lanzamiento del primer sencillo del nuevo trabajo del mc y fundador de Pachamama Crew: Héctor Guerra. El nombre de la canción es ‘De la misma olla’, y cuenta con la colaboración del artista ecuatoriano Guanaco y de la agrupación Secta Selecta.

En una entrevista con Plan Arteria, Adrián, de Secta Selecta, grupo de MCs ecuatorianos que forman parte de Pachamama Crew, junto con Guanaco, nos comentan sobre el video y la historia detrás del proyecto.

“Donde come uno, comen cuatro”

¿Cómo nace esta colaboración?

Adrián: La idea surge porque nosotros somos ecuatorianos que vivimos en Madrid y tenemos un colectivo artístico. Cuando Guanaco fue a España, se realizó la conexión como parte de los ecuatorianos que están fuera del país.

Guanaco: El tema habla mucho de esa unión latinoamericana. En el video participó gente de muchos lados. El video refleja que, cuando estamos en otras partes del mundo, estamos todos los latinoamericanos unidos y comiendo de la misma olla.

¿Cuándo se grabó este video?

Guanaco: Fue en junio del 2010. Justo cuando fui a realizar una gira por Europa, aprovechamos para filmar el video. Fue bacán porque lo hicimos en las torres Kyo, que son emblemáticas en Madrid. El clip cuanta la historia de un inmigrante, de un trabajador latino.

¿El tema trata de reflejar la realidad de un latino en España, la letra del tema la escribiste cuando estabas en Europa?

Guanaco: Se hizo una preproducción antes, me mandaron el track y ahí empecé a escribir un poco. Es un tema en el que nos reflejamos todos, porque ¿quién no tiene un familiar fuera del país? En mi parte de la letra, la enfoco mucho en la idea de ser recíprocos y de echarnos una mano unos con otros.

“Pachamama Crew sonando en tu barrio”

¿Cómo se gesta el movimiento de este colectivo de MC´s latinoamericanos en España?

Adrián: En Pachamama Crew, nuestra filosofía básica es que la unión hace la fuerza. Nosotros somos migrantes y nos empezamos a juntar entre todos para realizar eventos más grandes. También tenemos una red en varios países, que nos da la posibilidad de viajar y tocar en Paris, Caracas, en Colombia… aquí en Ecuador.

El primer objetivo grande que alcanzó Pachamama fue vender nuestras propias copias en el metro. En un mes vendimos tres mil copias, más de las que vendió Madonna ese mes.

¿Cuántas personas conforman Pachamama Crew?

Adrián: El grupo base somos 7, pero en Madrid estaremos como 50 o 60 activos, donde hay grafiteros, tatuadores, fotógrafos, pintores, gente que hace videos. Es una cosa más cultural a través del arte, que un simple grupo de rap.

¿Cuantas producciones ha sacado Pachamama Crew?

Adrián: Nosotros empezamos hace 6 años. En un inicio sacábamos mixtape cada mes, cosas independientes y auto producidas. Tenemos cuatro discos antes del álbum oficial que se llama Lágrimas, que salió bajo Warner Music, con el cual hemos ingresado en todo el mercado español. Este es el primer paso de esta nueva etapa a nivel profesional.

Ahora tenemos un contrato donde Warner nos da la posibilidad de que cada integrante, en solitario, presente su proyecto para sacar a través Warner. En este caso, Héctor Guerra tenía su disco ya adelantado; su álbum va a ser el primero en ser publicado después de Lagrimas.

¿Qué tan complicado es ser un MC latinoamericano en España?

Adrián: Estar en la música es difícil porque la gente piensa que es un hobby y a eso hay que sumarle emigrar de tu país. Además, la escena rap en España es un poco cerrada. Pero también lo que nos pasó es que no hay ninguna otra agrupación como nosotros (con siete integrantes y que todos sean de diferentes nacionalidades) ahora mismo en España. El esfuerzo es como un puente. Esto va a servir para que las nuevas generaciones se acostumbren a oír en Madrid otro rap. El rap en español, pero con otro acento. El proceso ha sido largo, pero al final gratificante, porque hemos alcanzado cosas que nadie ha hecho antes.

Por: Darío Granja | @darioxgranja / Fotos: cortersía Guanaco

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BLOG | Los mejores discos del 2011 según la redacción de Plan Arteria / Por Darío Granja

A pocos días de que termine el año, quienes conforman la redacción de Plan Arteria presentan de forma personal sus mejores discos 2011. 

Presentar un listado de los mejores discos del año es una actividad personal, íntima. De manera casi general, los discos que más me llegaron en este año responden a una cuestión emotiva, a momentos específicos en los cuales fue casi impulsivo encontrar ciertos sonidos y conectar con ellos.

Desde el rock alternativo de masas, hasta un nuevo proyecto subtropical proveniente del Río de la Plata, el 2011, para mí, sonó así:

 11 | SIDDHARTHA / Náufrago

Casi a manera de revelación de la música latinoamericana de este año, Siddhartha consolida un disco con canciones escritas desde la introspección, mientras suena como música de fondo una base rítmica pop, sutiles arreglos electrónicos y un espíritu britpop declarado.

Más información: siddhartha.com.mx





 

10 | TV ON THE RADIO / Nine Types of Light

TV on The radio siempre ha demostrado ser una banda con recursos sonoros casi inagotables. Una muestra es su quinta producción en estudio: Nine Types of Light en donde la agrupación de Brooklyn compone un disco luminoso que factura temas que pasan desde baladas de texturas electrónicas hasta un funk rock bailable.

Más información: tvontheradio.com





9 | GIRLS / Father, Son, Holy Ghost

 Trasladarse por un disco mediado por el estado emocional de sus autores muchas veces puede producir vértigo. En el caso de Father, Son, Holy Ghost, el segundo trabajo de la dupla de San Francisco, conformada por Christopher Owens y Chet «JR» White, es casi un deber que se lo asume con riesgo y que, al momento de sacar una conclusión, el resultado es sobresaliente.

Más información: girls





8 | CHRISTINA ROSENVINGE | La Joven Dolores

 La voz de Christina eriza, provoca un sentimiento placentero único en cada fraseo. Es algo de profundidad pop y nostalgia rock lo que se escucha. En La Joven Dolores, Christina presenta temas cargados de literatura llena de manifiestos femeninos provocadores.

Más información: christinarosenvinge.com





7 | CUT COPY / Zonoscope

En este trabajo la banda de Melbourne logra consolidar de forma coherente y sólida diferentes géneros de música bailable de distintas épocas, bajo una premisa pop permanente. Un álbum para despegar los pies del piso y recordar que el baile es uno de los principales propósitos que tiene la música en nuestra vida.

Más información: cutcopy.net





6 | THE BLACK KEYS / El camino

 ¿Qué pueden decir de nuevo dos músicos blancos de Ohio en el legendario idioma del blues-rock? La mejor respuesta que ha podido dar The Black Keys a esta pregunta es El Camino. En su séptimo álbum, la dupla de batería y guitarra fortalece su estructura sonora con puntuales arreglos de sintetizadores y órganos, logrando un trabajo con sabor a clásico.

Más información: theblackkeys.com





 5 | THE WEEKND / House of Balloons

 The Weeknd genera algo hipnótico y estimulante al escucharlo. Puede ser por la atmósfera sensual y provocadora, mezcla del R&B con el dubstep; la electrónica minimalista y una voz casi siempre al borde del dramatismo. House of Balloons, el primer larga duración de este proyecto del joven cantautor canadiense Abel Tesfaye,  es un trabajo adictivo que se consume en los oídos.

Más información: the-weeknd.com





4 | FOO FIGHTERS / Wasting Light

 En ciertos momentos es necesario estallar, subir el volumen y aumentar la velocidad. Presentándose como uno de los discos más completos de Foo Fighters, Wasting Light regresa la esperanza de que es posible facturar un gran disco de rock en esta nueva década, combinando lo mejor del pasado mientras se grita y agita al futuro.

Más información: foofighters.com





3 | JAMES BLAKE / James Blake

 En un juego premeditado y genuino de silencios, beats y una voz soul melancólica modificada por auto tune, James Blake, en su primer larga duración, nos hace comprender que canciones de atmosferas minimalistas y letras sencillas pueden convertirse en las grandes composiciones musicales de nuestra época.

Más información: jamesblakemusic.com





2 | BAJOFONDO / Campo

Desde hace mucho tiempo que la palabra Bajofondo garantiza un nivel de exigencia e innovación sonora de la música tradicional de Río de la Plata.

Por ello era casi seguro destacar el resultado de este nuevo trabajo individual de uno de los prolíficos integrantes de este colectivo de músicos. En Campo, Juan Campodónico nos presenta una obra sonora inquietante, amplia, que se plantea encontrar distintas formas de traducir los sonidos locales en himnos globales.

Más información: campomusic.net





1 | BON IVER / Bon Iver

¿En qué lugar se ubica la banda liderada por Justin Vernon en la música 2011? Seguramente muy lejos de las nacientes bandas indie bailables del momento y del desfigurado y caricaturesco pop industrializado. Bon Iver – Bon Iver es, sin duda, un disco muy alejado de todo el ruido cotidiano, tan alejado que resulta ser introspectivo y conmovedor. Un viaje sonoro en el cual fácilmente quedas expuesto, y en donde el itinerario y el equipaje no importan.

Más información: boniver.org

Por: Darío Granja@darioxgranja

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BLOG | Los mejores discos del 2012 / Por Darío Granja

BLOG: Los mejores discos del 2010 según la redacción de Plan Arteria / Por Darío Granja

En formato blog, abandonando la idea de armar un ranking colectivo, sin mucho cuidado en la forma ni estilo, la redacción de Plan Arteria selecciona sus mejores discos del 2010. Por separado, Adrián Balseca, Oscar Molina, Darío Granja y Vanessa Bonilla eligen.


Soy fanático de las revistas y los medios rock/pop especializados, refiérase a: Rolling Stone, Spin, NME, Pitchfork, Q… y un extenso: entre otros. Eso va a quedar muy claro en mi siguiente elección, producto de abundantes referencias y puntos de vista que me fueron atribuidos y que de paso, yo los seguiré representando. Mi biblioteca de iTunes solo registra cosas que para otros medios especializados, y de una línea definida, ya fueron destacados, así no tengo el apuro de perder esperanzas en proyectos que no van a trascender o se quedan en aquel opaco mundo de ser tan íntimos que se me complique en compartirlos. Al igual que para muchos, el pop me gano este año. Un año personalmente pop, del peligroso, de alta factura, del que me quise deshacer buscando rock, puro rock, pero lamento decirlo, el pop fue lo que primo, lo que más me llamó la atención y lo que claramente se destaca en esta elección.

Todas las listas caen en la subjetividad, estos discos reflejan sonidos que realmente me transmiten algo, que los considero claros, bien dirigidos, consecuentes y reales, y lo mejor, lejos de pretensiones, volatilidad, excesivo dramatismo y grandilocuencia, los grandes males que tienen muchas bandas de corte independiente actualmente, y del cual pocas bandas son capaces de salir bien libradas.

No voy a mezclar idiomas, se me complica hacerlo, me evocan sentimientos diferentes, y me parece que si lo hago traicionaría a mi verdadera elección. Así que mi lista de diez, la divido justo en la mitad, como diccionario de traducción: inglés/español

INGLÉS

broken025 | BROKEN BELLS / Broken Bells

Danger Mouse, es un grande. Productor entre los productores. Su material es de la mejor reserva. Este álbum tiene un sabor añejo, análogo. Es pop, pero no del común, más complejo de lo que parece, un coyote disfrazado de un tierno y suave cordero. Esta placa del proyecto que reúne a Danger Mouse con James Mercer (the Shins), es un viaje en donde la melodiosa voz introspectiva y nostálgica de Mercer navega en delicadas composiciones espaciales, llenas de perfectos arreglos de cuerda, piano y percusión.

Escúchalos en: myspace.com/brokenbells

lcd024 | LCD SOUNDSYSTEM / This is happening

Tiene un espíritu punk, ironía y humor “nosotros no hacemos hits”, gracias por eso. Lleno de capaz, matices, rock, funk y música electrónica. James Murphy delata nostalgia en sus letras. Está preocupado, pero quiere bailar. Lcd Soundsystem por tercera vez, no defrauda, “This is happening” lo componen nueve largos temas, que delatan a un productor que quiere vivir por siempre el under neoyorquino de su juventud.

Escúchalos en: myspace.com/lcdsoundsystem

theblack023 | THE BLACK KEYS / Brothers

Es rock. Gracias a Dios este disco es rock. En un año pop, llegas a extrañar los riffs bien logrados, y beats poderosos. “Brothers” es un disco vital, crudo, elegante, que no te cansa, con nuevas texturas, lleno de influencias de música negra, blues, soul, motown y claro rock. En una época llena de música hipersensible, volátil, asexuada y con poca actitud, la cura es The Black Keys, bro.

Escúchalos en: myspace.com/theblackkeys

arcade022 | ARCADE FIRE / The Suburbs

Mi álbum preferido de toda la discografía de Arcade Fire, “The Suburbs” suena menos pretencioso, lleno de una honestidad brutal y pasional inspirada en el barrio. Este es el mejor momento del septeto de Montreal, hora de que su ambición sonora, creada a base de una excelente multi-instrumentación, resuene en el mundo entero. «The Suburbs» es un trabajo que te emociona, y claramente te cuestiona.

Escúchalos en: myspace.com/arcadefireofficial

kanye021 | KANYE WEST / My Beautiful Dark Twisted Fantasy

Kanye West desafina en vivo, lo sabemos, su actitud a pesar de provocadora muchas veces cae en ser infame. Realmente no quería colocarlo en primer lugar, esperaba con todas mis esperanzas que los discos que lo anteceden en esta lista sean mejores, para no caer en lo que señala la gran mayoría de la prensa musical extranjera. Pero no pude, desde hace años soy fan declarado de las producciones de Kanye West, y “My Beautiful Dark Twisted Fantasy” es un obra maestra. Kanye es un gran productor, luego un gran narrador y seguido, alguien que sabe con quién juntarse para facturar himnos. En este trabajo regresa a su lado más hip hop, inspirado, deja el excesivo uso de vocoder y minimalismo electrónico de su anterior álbum y se preocupa, ahora, por hacer una obra épica seleccionando sonidos, sin importar lo disímiles que sean, con tal de cumplir con su propósito. Maldigo a Kanye, es un muthafucking Monster, y este es su mejor disco. Brindo por eso.

Escúchalo en: myspace.com/kanyewest

ESPAÑOL

denver025 | DËNVER / Música, gramática, gimnasia

El mejor año del pop chileno. Como fiel seguidor del movimiento rock/pop en nuestro idioma, jamás pensé que un país que no fuera México o Argentina iba a marcar tanto un año con su música. Chile lo hizo, y demuestra que se encuentra en su mejor estado. El dúo chileno, Dënver sorprende, y es grato. Tan pop que los negaría tres veces, para luego correr a confesarme con este álbum sonando en mis audífonos. “Música, gramática, gimnasia” es el pop más irresistible, adictivo, la droga de alto diseño de nuestro idioma.

Escúchalos en: myspace.com/duodenver

onda024 | ONDA VAGA / Espíritu Salvaje

Te los imaginas como un grupo de amigos que luego de una tarde de asado, prenden una fogata y cantan, todos, a una sola voz. El nuevo folklore argentina cruzado con ritmos de todo el mundo. El disco evoca alegría, diversión y desprolijidad. Rolling Stone Argentina los describió bien hace un año como “la revelación más adorable del rock argentino”, Onda Vaga lo son, y con esta segunda producción lo ratifican.

Escúchalos en: myspace.com/ondavaga

gepe023 | GEPE / Audiovisión

Gepe es un tipo simple pero de grandes canciones. Folk, pop, secuencias. Daniel Riveros (Gepe) representa, de la mejor manera, a la nueva generación de cantautores latinoamericanos más arriesgados, junto a Lisandro Aristimuño, Palo Pandolfo, Pedro Piedra o Mgue García. Audiovisión me evoca tranquilidad, un sentimiento de que la música de nuestra región está en buenas manos.

Escúchalo en: myspace.com/gepe

chetes022 | CHETES / Hipnosis

Creo que Chetes es uno de los grandes iconos del rock latinoamericano, no reconocidos, que ha aportado distintos matices y quien mejor tradujo al español junto a Zurdok, su banda de los noventa, la música popular que se realizaban en el Reino Unido. Si Chetes en sus dos producciones anteriores caía en una clara estela brit pop, en Hipnosis rompe con esa estructura, no se apoya en coros potentes, en lugar de eso, incluye orquestación, estructuras rítmicas más complejas, y una ambientación llena de sutiles ruidos, delays y ecos. El caos, la euforia y la tranquilidad se mezclan en una producción arriesgada, y consecuente con el estado anímico del autor.

Escúchalo en: myspace.com/chetes123

javiera021 | JAVIERA MENA / Mena

El lado más inteligente y dinámico del pop de todos los tiempos en nuestro idioma. Javiera Mena coquetea íntegramente con el pop, pero sin caer en clichés ni lugares comunes. Sus secuencias synth en conjunto con una excelente selección de beats, electrifican y te trasladan a una disco, así detestes bailar. Superando a su gran debut “Esquemas Juveniles”, “Mena” es un monumento de buen gusto, originalidad y cuidado en producción.

Escúchala en: myspace.com/javieramenamusica

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BLOG | Los mejores discos del 2012 / Por Darío Granja

ALIKA: “Yo no soy una artista, soy una sista”

alikaheader22En otra época, incendiaba todo, puteaba, se armaba de una coraza punk hardcore y escupía versos en base de un hip hop mestizo y guerrillero. Luego el camino cambio. Alicia Dal Monte, de Actitud María Marta, aquel grupo que Fito Páez lo definiría en 1995 como “dos nenitas glamurosas con cojones», se convirtió en Alika. El proceso: “La verdad fue bastante difícil, de mucho trabajo. Con Actitud María Marta, estábamos en una compañía discográfica multinacional, que te facilitaban todo: vos querías hacer un disco, y tenías tu estudio; querías hacer un video y venía alguien que te filmaba; querías tocar en un lugar y te ayudaban a conseguirlo. Fue una decisión mía abandonar todo eso para ser coherente con el mensaje. Al principio fue bastante duro. El primer disco lo hice en Chile, porque en Argentina el hip hop llegó después. Chile por el año 2000, era un país en donde había mucho hip hop, mucho reggae, y había muchos MC’s que a mí me gustaba lo que hacían y decían. Empecé a ensayar, ir a un estudio, a producir mis propias pistas, y grabe todo en un porta estudio chiquitito, que nos presto Quique Neira (Gondwana). Con eso edite un disco, y a pesar de que no era: ¡guau, el super disco!, me pareció que la lírica y todo el concepto era muy interesante, así que lo edite, todo autogestión, fui a la fábrica, hable con quien tenía que hablar, lleve todo y lo fabrique. Así empecé, el disco se llamo “No dejes que te paren”. ver más…

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