Cursor Podcast | Música Contemporánea de Bolsillo
Conducido por: Vanessa Bonilla (@isadorabo) y Darío Granja (@darioxgranja)
En este podcast sonará:
La Armada Cósmica
BNegão & Os Seletores De Frequência
Nine Inch Nails
Joe Crepusculo
Crew Peligrosos
Punto de Encaje
Kanye West
Jodamassa
Icona Pop
Vampire Weekend
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![Rossana Comelobos, el primer “grupo de chicas” [y un tipo que toca la batería] de Guayaquil](https://planarteria.com/wp-content/uploads/2013/07/rossana.jpg)
Fotos por Omar Sotomayor [¡lindo afro!]
—
OK, Rossana Comelobos no fue el primer «grupo de chicas» de mi ciudad [¿han visto el documental de Coctel?], pero fue el primero que yo vi.
El efecto en mí fue inmediato, y continúa. Aquel momento fue una epifanía, como cuando en 24 Hour Party People Dios le dice a Tony que debió haber firmado a The Smiths.
Soy una “fans” conversando con sus ídolos. Soy Pamela Cortés cuando conoció a Xuxa. Aunque no sea una entrevista en vivo sino un chat en facebook [y no estén todos los integrantes del grupo], es igual de valioso para mí.
No estoy llorando, se me metió una basura en el ojo.
—
¡Hola, chicas! ¡Bacansísimo, por fin!
Jolynn Vallejo: ¡Hola! ¡Abrazos virtuales!
Inés Collado: ¡Qué fue! Puntuales, ¡qué orgullo!
Quiero conocer un poco la historia de la banda. ¿Quién la empezó?
IC: Jolynn. Yo tocaba guitarra eléctrica y estudiaba en el Jefferson y Paola, una compañera mía, le contó a Jolynn que yo tocaba guitarra.
¿Y eso cuándo fue?
IC: 1996, 1997.
JV: Verás, yo creo que fue antes, en 1995, porque yo recién había tenido mi quinceañera, jajaja.
IC: Jajaja
JV: Yo estudiaba en el Jefferson primero, donde conocí a Inés, pero luego me cambié al [colegio] Americano…
IC: Nos conocimos antes.
JV: …y andaba con ganas de tener una banda solo de mujeres. No conocía a mujeres que toquen. Yo ya había tenido una banda que se llamaba Bajo La Ley, con Tito y Santi de Los Nietos, pero era una banda solo de covers. Cuando les presenté un tema que yo había compuesto, se burlaron, dijeron «vale verga«, y que eso no nos iba a dar tocadas. Tito y Santi sí apoyaron, pero el director del grupo, Raúl, me dijo esa huevada y me salí. Fue ahí que le conté a Paola que quería hacer una banda y me dijo de Inés.
Luego la vi a Inés tocar en un show en el Jefferson y fue ¡bacansísimo! Me quedé “wow!”, con la bocota abierta, porque full peladas me decían “yo sí toco guitarra” y no tocaban nada; en cambio, Inés cogió la guitarra y comenzó a “solear” de una.
IC: ¡Yaaaaa!
¡Posi! ¿Y qué tocaban?
JV: Era un cover… No me acuerdo. ¿Inés, qué era?
IC: Creo que tocamos una canción de Smashing Pumpkins, «The World is a Vampire«.
¿Leí arriba que hacían solos? No me las imagino tocando solos. Se me viene a la cabeza el cartel de NO STAIRWAY TO HEAVEN, de Wayne’s World.
JV: Eran solos chiquitos, no así grandotes. Bien «punkeritos«.
Entonces, Jolynn hizo la banda con Inés. ¿Y las otras?
IC: Paola también conocía a Vicky [Döbler, bajista], se conocían de las clases de alemán.
Pero Paola no tocó con ustedes, ¿no?
JV: No, Paola es solo una man bacán que asomó en la vida, jajaja. Sigo amiga de ella hasta ahora.
Ah, ya.
JV: Pues Vicky también vino por Paolita. En el cole llegué y le conte a Fabi [Fabiola Viteri, guitarra; perdón, segunda guitarra] «Loca, ya tengo guitarrista y bajista, solo me falta batería», y la man se puso toda triste y me dijo «ya pues, yo tengo lugar en tu banda». Y me cagué de risa y le dije «loca, ponte pilas: si aprendes a tocar, tocas la guitarra también». En ese entonces, era súper popular eso de primera guitarra y segunda guitarra, entonces le dije para que toque la segunda guitarra. La man, súper afanosa, se puso a aprender con Yiko, el vocalista de Emjayel, que era su pelado en ese entonces.
Inés de ley era primera, ella «soleaba« y todo, y como decían en ese tiempo, «primeaba«, jajaja.
En fin, así fue. Baterista fue otra locura y aunque probamos algunas, nunca conseguimos una que sea mujer… por eso entró Omar [Sotomayor, de Ultratumba].
IC: Tocábamos canciones de Pixies, L7, Lunachicks.
¡Lunachicks! En sexto año, yo quería hacer una banda como las manes. Se iba a llamar Narcochicks. No prosperó porque, básicamente, además del timbre de nuestras casas, nadie sabía tocar nada.
IC: Jaja
JV: ¡Jajaja! Yo las vi en vivo en NY y les dije, “yo tenía una banda con la que tocábamos sus canciones”. Ahí me enteré que la vocalista, aunque gringa, nació en Ecuador: sus papas de coincidencia estaban en Ecuador y ella nació en Quito o algo así.
Bacán, no sabía ese dato. Tiro Mike Judge.
JV: Sip.
Con nosotras fue igual. Inés era la única que sabía algo y, pues, Omar. De ahí, yo cantaba desde pequeña y tocaba piano, pero no sabía nada de guitarra. Vicky cogía clases pero muy lento como para avanzar. Bueno, también aprendí con mi pelado de ese entonces, Daniel Zambrano, vocalista de SK8 en ese tiempo [y luego de Camisa de Fuerza]. Daniel me enseñó a tocar guitarra e Inés y Vicky me enseñaban algo también. O sea, no es que aprendí mucha guitarra que digamos y lo único que sé de batería, me lo enseñó Inés también. Inés es el músico de todo esto: le dejabas un rondador y al mes ya sabía tocarlo bien.
IC: Jaja. Siempre me gustó la música. A los 13 ya tocaba una guitarra de palo que era de mi papá.
Chévere. [Él, Daniel, tenía el primer mohawk que yo vi en la ciudad. Claro, esto fue mucho después de Prema, de Descontrolados].
¿Cómo conocieron a Omar?
JV: A ver, A Omar lo conocí… chuta, ¿dónde habrá sido la primera vez? Por Fabiola, seguro, en alguna fiesta o algo.
Ese man por dónde es que no ha rodado.
¿Ustedes todavía hacen música?
IC: Yo sí. Improviso muchísimo con la guitarra y una batería virtual de fondo.
JV: Pues han habido intentos… ¿Dices juntas, o separadas?
Jolynn, ¿tú no estabas en L.O.B.A.?
JV: Sí, hasta los cinco meses de embarazo. De ahí ya no pude más. Hicimos una gira por todo Ecuador y al último ya no podía…
Inés, tú eras FISTIC, ¿no? Alguna vez escuché tu Myspace.
IC: Sí, hice algunas canciones con la computadora. Ahora improviso con la guitarra eléctrica y un amplificador. Estoy pensando en crear canciones y presentarme en algún lugar.
Esta es una canción que hicimos con Jolynn: http://youtu.be/quSCCBxq1Yc
Sería bacán.
JV: Deberías. Hay pocas “manes” como tú en ese sentido.
A mí como no me da, solo hago mixtapes [dizque].
Detesto esta pregunta, pero bueno: ¿hay algo que extrañan de esa época, de los años en los que ustedes tocaban? Había menos tecnología, por ejemplo.
IC: Tocar en tarima.
JV: Mmm… la inocencia. O sea, la inocencia de que no te das cuenta de que hay gente que tiene otros trips u otras agendas. Yo era muy inocente y acolitaba a cualquiera y creo que luego, en algunos aspectos, fui demasiado buena gente, como que no me daba cuenta que no todo el mundo quiere acolitar: si habían unos cuantos por ahí que sí quieren verte la cara…
¿Cómo te querían ver la cara?
JV: Uuuuy, no sé; eso es largo y no sé pues, no tan relevante al tema. Es más relevante a proyectos posteriores que tuve, solo que de la misma época.
¿Me parece que luego tocaste en Hoy Faneska?
JV: Jajaja, sí. En Hoy Faneska aprendí mucho.
Lo de que me vean la cara me refería a una disquera que tuve que se llamaba Desarme. ¡Uy, en Desarme aprendí más! ¡Jaja! Fue bacansísimo porque, al comienzo, todo se me dio; hubo mucho acolite. Pero ya pues, pasó la piratería y todo se fue a la verga. Era súper duro ver los discos que lancé en lugares piratas de la Marín [un barrio popular], en Quito.
¿Le metiste harta plata a Desarme?
JV: Sí, ese fue mi peor error. Nunca tuve una sola clase de negocios donde te dicen que lo primero que haces es no invertir tu propia plata, pero es lo que yo hice. Desarme se acabó luego de lanzar el segundo disco de CURARE, en 2005. Me quedé con una deuda de 12 lucas que, aunque no creas, sigo pagando. Es tenaz. Ya me faltan $2.300, más o menos.
Mierda. ¿Y a quién pagas eso?
JV: Al Bank of America, LOL. Lo de los intereses no es chiste; por eso es interminable, como la deuda externa del Ecuador.
¡Tenía tantas ganas de seguir haciendo cosas por la música ecuatoriana! Creo que nadie comprendía eso, tampoco. Pensaban que yo era una fan ultra loca, o algo así. El complejo del músico ecuatoriano -no todos-es tan tonto que no podían creer que alguien realmente se interesara por su música. Es como que le buscaban la quinta pata al gato.
¿Te topaste con muchas miradas raras?
JV: De ley, más que todo en Quito, donde no me conocían y decían “esta guayaca loca“, jajaja.
A la final, no me afectaba mucho, pero en retrospectiva creo que tal vez eso hizo que algunas personas no creyeron, en un principio, que lo que ofrecía era real.
Mira, hay algo súper importante de Guayaquil que yo no he oído en ningún otro lugar y yo soy media viajada, verás, jajaja. En Guayaquil, cuando Inés y yo éramos peladitas, me acuerdo que nos íbamos a los parques de Sauces [una ciudadela guayaquileña de clase media] a tocar. Alguien llevaba su guitarra de palo y “dale, ¿qué sugieres?”, o lo que sea, pero muy rápido. De repente, ya la gente no tocaba covers: ya nos pasábamos tocando las canciones de los demás. Por ejemplo, Daniel tocaba “Lola”, de Ultratumba, y Oscar [Sotomayor, hermano de Omar, también de Ultratumba] tocaba alguna de Los K-K y Omar alguna de Beso Negro.
Yo recuerdo que la escena de Sauces era bien unida.
JV: O sea, a lo que me voy es: no era solo unión, era una huevada de que no había dónde tocar, entonces, si alguien componía algo, lo tocabas al grupo, y si al grupo le gustaba, se lo aprendían, y así rotaban las canciones. De repente, Fabi venía, “¿has oído la nueva canción de Paolo [Thoret, de Vírgenes Violadoras]?”, y me la enseñaba. O sea, ni siquiera era el man el que me la enseñaba y de repente, la oías por primera vez en el parque y era ¡del putas!
Como siempre digo: aquí sé es indie a la fuerza, no por convicción.
¿Eran ustedes las únicas mujeres en todo esto?
IC: Parece.
JV: O sea, yo creo que sí. Con la excepción de Roxana, la pelada -ahora esposa- de Jairo [no sé quiénes son].
Me tenía que ir a escondidas porque mi mamá odiaba que vaya a Sauces.
¿Dónde vivías?
JV: En la nueva Kennedy, que ni era la gran cosa, pero mi mamá tenía mucho miedo a la chupadera, la droga, etcétera.
Cuando tocaban, ¿no les gritaban el ya clásico «¡mucha ropa!»?
JV: Sí, en algún concierto sí, y me «cabrié», LOL. La gente, por lo general, súper bacán: como que se quedaban fríos y ya no se burlaban. Yo tengo el video del Saustock [«Sauces» más «Woodstock»; un festival de la ciudadela] donde sale en audio algo sobre mis calzones, ¡y yo grité en el micrófono que tenía una licra bajo la falda y que no me iban a ver nada! ¡Jajaja! ¡Licra! ¡Qué nota!
¡Una licra! ¿No era fucsia? El típico color de las licras.
¿Por qué nunca grabaron audio?
IC: Porque no tuvimos la oportunidad.
JV: Por la ignorancia, no sabíamos. O sea, te lo pongo de esta manera: si mi hija a los 15 años tiene las huevas de componer algo y tocarlo, es más que seguro que yo le grabo lo que sea, pero en ese entonces, mis papás odiaban que yo toque. Creo que a Vicky tampoco la apoyaban mucho, no me acuerdo. Inés, tus papás eran más «acolitadores», ¿no?
IC: Sí, siempre me han apoyado.
JV: Pero en fin, nadie entendía lo que estaba pasando, y porsupuesto, si hubiera entendido, hubiera hecho lo imposible por grabar. Ahora, miro hacia atrás y digo «wow!»; o sea, no éramos la mejor banda del mundo, ni tampoco sabíamos lo que hacíamos, ¡pero que intento más bacán!
Exacto. Para mí, eso lo resume todo. Siempre han sido un referente personal por la actitud de «nos vale, vamos a salir y tocar».
Olvidé preguntarles algo: ¿por qué se llamaban Rossana Comelobos?
IC: Fabiola escribió una canción que se llamaba así.
JV: Cierto, esa nunca la llegamos a tocar tampoco -habían dos temas más que no se lograron tocar en vivo: «Elías», que lo escribió Vicky y yo le puse guitarra, y otro que Vicky le hizo a Inés cuando se fue a Londres al que le pusimos “Plaza Dañín”-. La racionalidad de ese nombre era que Fabiola quería que seamos mujeres que nos comiéramos a los lobos, en lugar de ser la Caperucita que es asustada y comida por el lobo. Eso era lo que decía. Si ella estuviera en esta conversación, podría explicar mejor.
[No es que Fabiola esté muerta, solo que no la pudimos contactar. Jolynn cree que está en Argentina. Vicky vive en Alemania, así que estuvo complicado que se conecte con nosotros. Y a Omar no le dije, pero le agradezco mucho por las fotos que acompañan esta entrada. Otro día te voy a dejar tus discos de Buzzcocks y Black Flag.
Si quieren ver más fotos de RCL, visiten el facebook tributo que hice en 2011. Además, acabo de subir el video del que habla arriba Jolynn].
Ideas musicales vanguardistas y evolución creativa desde el “Art Rock” hasta la “World Music”
Por: Santiago Endara
”La música muchas veces no necesita ser entendida, simplemente te afecta, sin saber por qué” – David Byrne
”Nosotros no hacemos música, la música nos hace” – David Byrne
Mejores Discos
Talking Heads: 77 (1977)
More Songs About Buildings and Food (1978)
Fear of Music (1979)
Remain in Light (1980)
Chico raro… adulto raro.
Cuando era niño, David Byrne casi no hablaba con otras personas y era tan retraído que sus conocidos lo describirían como un chico en los límites del autismo y definitivamente dueño de una personalidad bastante enigmática. Cuando tomaba una guitarra o cualquier otro instrumento se sumergía en él por horas y horas ajeno a lo que pasaba a su alrededor y años después, en una entrevista, David diría que al subir al escenario como líder de los Talking Heads, su timidez o cualquier tipo de incomodidad quedaban en el olvido, sea esta una crisis nerviosa o la peor de las gripes. Cuando vemos los conciertos de los Talking Heads, reparamos enseguida que, en efecto David Byrne nunca dejó de tener una personalidad bastante particular y eso fue un ingrediente adicional que dio incluso más atractivo a uno de los grupos trascendentales de la historia del rock.
Buscando “dejar una marca”
Justamente, ser uno de los grupos más trascendentes en la historia del rock, o “dejar una marca” es lo que Tina Weymouth, la bajista del grupo, mencionó en una de sus primeras entrevistas cuando le preguntaron qué quería alcanzar con los Talking Heads.
Hoy en día el grupo neoyorkino es en efecto considerado como uno de los más importantes de la historia, tanto por la calidad de sus discos como por la forma creativa y aventurada con la que elaboraron sus trabajos, especialmente aquellas obras que salieron al público entre 1977 y 1980.
La música de los Talking Heads creció de forma orgánica, igual que el grupo. En el excelente video documental “Chronology”, del año 2012, somos testigos de la evolución de la banda desde un trío con un sonido bastante minimalista hasta un combo de más de 12 integrantes frecuentemente con dos bajos, varios sintetizadores, batería, congas y demás instrumentos y coristas. Esta evolución fue principalmente fruto de los intereses personales de David Byrne, quien desde un inicio se vio crecientemente atraído por sonidos y ritmos ajenos a los estándares del rock, sean estos afro-americanos, africanos o afro-latinoamericanos, los mismos que encontraron un espacio cada vez más preponderante en los discos del grupo.
Estilo vanguardista y estética “arty”
Los Talking Heads surgieron en una época de explosión creativa en la ciudad de Nueva York. Desde sus inicios en 1973 hasta el lanzamiento de su primer disco en 1977, la banda vivió en una ciudad que albergó varias explosiones musicales de diferentes estilos. En el interesante libro de Will Hermes “Love Goes to Buildings on Fire: Five Years in New York That Changed Music Forever”, el autor hace una crónica de todo lo que pasó en varias escenas neoyorkinas, desde la época de oro de la salsa, pasando por el jazz, el disco y la escena del club CBGB. Los Talking Heads formaron parte precisamente de la camada de grupos que salieron del CBGB en la misma época que Patti Smith, Los Ramones y Television. A pesar de que los grupos antes mencionados tocaban en el mismo local, su música y estilo diferían mucho.
Debido a que compartían escenario en Nueva York, a alguien se le ocurrió la idea de que la banda liderada por David Byrne podría ser buena compañía de Los Ramones y los embarcaron en el mismo tour por Europa, lo cual solo sirvió para marcar más las diferencias entre ambas agrupaciones. Mientras los Ramones se sentían muy mal en Europa porque extrañaban la comida estadounidense, no había juegos de Baseball y no les gustaba ir a museos, los Talking Heads, como buenos estudiantes de arte, estaban apasionados por los museos e interesados en aprender y experimentar cosas nuevas que poco a poco también fueron incorporando a su música.
Desde un inicio Talking Heads se quiso presentar como un grupo diferente a la norma de su tiempo. Encerrados en una época donde el punk, el rock progresivo y la música bailable se dividían el mercado musical, la banda liderada por David Byrne se mantuvo alejada de cualquiera de estas escenas. De hecho, es interesante reparar en la ropa y cortes de pelo de sus integrantes, que resultan bastante inusuales para la época ya que ninguno adopta un look de “estrella de rock” sino que al contrario, se ven de lo más normal. Tanto así, que el look y la actitud en el escenario de David Byrne fue calificada como “es un tipo con una apariencia tan normal que incluso llega a parecernos un poco anormal” y si se mira en perspectiva, su actitud sobre el escenario nos recuerda a veces a un personaje que por ser totalmente promedio resulta también algo inquietante, más o menos al estilo Sam Lowry del film “Brazil” de Terry Gilliam
La voz de David Byrne fue siempre un punto a destacar, ya que la misma es muy particular y tiene una mezcla de falsete con un aire algo desesperado que no siempre mantiene el tono a la perfección y pone en evidencia que el dueño de la misma es un personaje bastante sui-géneris. Una mirada entre penetrante y extraviada termina de complementar esa personalidad “rara” que el artista proyectaba sobre el escenario o en los videos.
Los discos de los Talking Heads son todos un escalón evolutivo en una escalera que va desde un sonido mayoritariamente asociado al “art rock” hasta la adopción total de un sonido de combo bailable con influencias africanas y latinoamericanas.
“Talking Heads: 1977” y el inicio de sus grabaciones
El álbum debut “Talking Heads: 1977” empieza con “Uh-Oh, Love Comes To Town” una canción que mezcla un aire funk con la inusual voz de David Byrne y arreglos de xilófonos que nos dan a entender desde un inicio que el grupo desea abordar la nave de la experimentación musical. Sin embargo, si se puede calificar de alguna forma a este disco, sería un clásico ejemplo de “Art-Punk” o “Art-New Wave”, y definimos el prefijo “art” como un deseo por extender los límites del rock en base a composiciones que incorporen elementos de otros géneros, como en este caso el funk, algo de jazz y un primer asomo de lo que en nuestros días los angloparlantes llaman “World Music” para referirse a música tradicional o étnica.
Otro aspecto que ubica a los Talking Heads dentro del espectro de banda de rock “artística” son sus letras, las mismas, que por ejemplo en la conocida canción “Psycho Killer” incorporan versos en francés, o que por ejemplo en el caso de “I Zimbra” incorporan algunas líneas del poeta Dadaísta alemán Hugo Ball.
En 1978 fue lanzado el disco “More Songs About Buildings and Food” el mismo que empieza ya a adoptar ritmos inusuales e instrumentación y efectos poco ortodoxos para la escena rock. Este sonido particular se logra entre otras razones por el novedoso trabajo de producción ejecutado por Brian Eno. La fascinación de la banda por ritmos afroamericanos se demuestra entre otras cosas con la adición del cover “Take Me To The River” de Al Green.
Es interesante ver también como la personalidad de David Byrne tanto sobre el escenario como en los videos fue aplomándose para ir desde un inicio como un tipo tímido y retraído en el escenario hasta transformarse en un líder de banda que anima los conciertos con pasos de baile bastante inusuales pero muy divertidos al mismo tiempo.
“Fear of Music” y “Remain in Light”
1979 fue el año de lo que es para muchos, el mejor disco de Talking Heads, “Fear of Music” el mismo que en efecto es una obra maestra del rock contemporáneo. El disco abre ya de forma franca con una canción de claros tintes africanos y los primeros versos suenan como un canto tribal subsahariano, pero en efecto son, como se mencionó unas líneas atrás, extractos del poema dadaísta “Gadji Beri Bimba”. El disco “Fear of Music” ha sido analizado de forma muy completa e intensiva en el excelente libro del mismo nombre por el crítico Jonathan Lethem, dentro de la famosa colección de análisis de discos “33 1/3”
Con “Remain in Light” de 1980, los Talking Heads alcanzaron para muchos su cénit creativo y artístico. Este disco de apenas ocho canciones en efecto también se alza como uno de los mejores discos de los ochentas por la consistencia que demuestra en su propuesta artística. Las canciones se empalman perfectamente la una con la otra en un paisaje musical que nunca pierde ni interés ni frescura.
Ultimos discos y separación
Tras “Remain in Light” David Byrne se concentra por algún tiempo en colaboraciones con su productor, Brian Eno y juntos sacan un par de discos de contenido interesante. Entre 1983 y 1988, los Talking Heads sacan 4 discos que tienen una serie de altibajos y demuestran un poco el agotamiento del concepto del grupo, pero que sin duda son también trabajos interesantes, especialmente “Speaking in Tongues” de 1983,
Los Talking Heads influenciaron a muchos grupos en los ochentas y noventas, donde se destaca Radiohead, grupo que tomó su nombre de una de las canciones del disco “True Stories” (1986). Asimismo se puede ver a muchos grupos de la escena neoyorkina de principios del S. XXI con una estética muy similar a la de los Talking Heads.
Tras la separación oficial del grupo, David Byrne siguió su proceso de descubrimiento de la “World Music” donde se puede destacar su disco “Rey Momo” (1989) en el cual intenta ritmos como el merengue o la salsa con resultados novedosos pero a los que les falta ese “sabor” que debe tener la buena música caribeña. Otro proyecto interesante de Byrne es su papel de curador de varias colecciones de música brasileña, como “Brazil Classics”, una colección de canciones de artistas vanguardistas destacados, especialmente relacionados al movimiento “Tropicalia”. Estos discos son un aceptable punto de partida para un neófito mercado anglosajón interesado levemente en la música brasileña, pero podrían ser mejores con un poco más de conocimiento del músico sobre un mayor número de artistas de la escena del MPB (Música Popular Brasileña).
Los Talking Heads fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock en el año 2002 y si bien se reunieron para tocar unos cuantos temas, no hay reunión permanente ni tour en la mira inmediata. Por el momento Byrne sigue muy activo en el mundo de la música en colaboración con otros artistas y en el año 2012 saco el disco “Love This Giant” con la artista St. Vincent.
¿Cuál es la mejor canción de los Talking Heads, cuál es su mejor disco? Esas son preguntas difíciles de responder, pero no hay mejor forma de decidirlo que tomar sus discos y oírlos con atención. Sin duda será una actividad muy divertida y en el proceso descubriremos algunas de las mejores canciones de la historia.
Ultramotora Radionline está de aniversario, cumple dos años y medio de viajar por los aires de la red, llevando la música que realmente importa. Y, es un gran motivo para estar contentos y armar una fiesta. Una fiesta que tiene invitados especiales, quienes vienen con todo su contingente para festejar por todo lo alto.
Desde Portoviejo nos acompañarán Los Pescados, banda legendaria que presentó recientemente «Por la Boca Muere el Pez», un trabajo de gran factura que no ha sido visto mucho sobre las tablas. Recientemente realizaron una gira de regreso que los condujo por varias ciudades del país. Ese día vendrán exclusivamente para festejar nuestro aniversario con un concierto que promete ser la revancha para todos los fieles seguidores de los portovejenses.
El Extraño Comportamiento de Un Torso Animado está pasando por un gran momento en su carrera musical, lanzaron Mujer Pulpo, un bien logrado EP con una tremenda descarga de indie punk. Antes de subirse a los escenarios del Quitofest por primera vez, preparan un show especial para los seguidores de la radio en la noche del 3 de agosto.
Dj Crícrí es el AKA del director de Ultramotora, Christian Reyes, quien esa noche reproducirá aquellas sonoridades que suenan constantemente en la estación y que seguro nos harán bailar. Siniestro, el reconocido Dj de la escena nocturna promete su descarga de indie rock para aquellos melómanos fiesteros. Dj Patán, con su set de postpunk y new wave de seguro sorprenderá a los asistentes.
Además nos acompañará el Vj Wilmer Pozo con su Vj Set de visuales análogo-digitales para volarnos la cabeza.
Y como no también estará presente el staff de Ultramotora, más de 10 programa que se encuentran al aire: Madre Tierra, Radar Ultra, Toma Tú Playlist, El Ombligo de la Luna, Katharsis, dISCOGRAFÍA, El Titanic Inflable, Yendo a la Casa de PoloDamián, Escucha Esto, Lado B, Antena de Olla, Culto Al Vacío, Vinilo y Bits.
FIESTA CONCIERTO DE ANIVERSARIO ULTRAMOTORA
Lugar: La Estación (Pinto E7-38 entre Reina Victoria y Diego de Almagro)
Fecha: Sábado 03 de Agosto 2013
Bandas Invitadas: Los Pescados (Portoviejo) y El Extraño comportamiento de un torso animado (Quito). Sets de: Dj Siniestro, Dj Crí Crí y Dj Patán.
Hora: 20h00
Valor: 7 usd
www.planarteria.com/
El Music Alliance Pact regresa este mes con una selecta compilación de 29 canciones propuestas por blogs y medios online de los cinco continentes. Desde Ecuador presentamos a una banda que permanece activa, a pesar de los cientos de kilómetros de distancia que separan a sus integrantes. Luego de realizar una gira por seis de las ciudades más importantes de Ecuador, Los Pescados comparten para libre descarga su canción T-Rex.
Escucha a continuación cada canción del MAP individualmente. Si deseas descargar un tema en específico puedes dar click derecho en el título de la canción, o descarga un archivo zip con el compilado completo a través de Ge.tt aquí.
ECUADOR: Plan Arteria
Los Pescados – T-Rex
Los Pescados son dos y suenan a una mezcla, libre- fanática-propia, entre garage rock, blues, grunge. Los Pescados son manabitas, son Nelson Coral (guitarra y voz) y Juan Fernando Andrade (batería), y son, al igual que sus tres discos, ascendentes, potentes, rompedores.
ARGENTINA: Zonaindie
San Dimas – Generación Espontánea
San Dimas es una banda indie-rock instrumental de Rosario, una de las ciudades más grandes y culturales de la Argentina. Generación Espontánea es uno de los mejores tracks de su último álbum, La Música y Las Cosas, y formó parte de un compilado lanzado en 2012 por Planeta X, su sello.
AUSTRALIA: Who The Bloody Hell Are They?
Kins – Aimless
Originalmente un proyecto solista de su líder Thom Savage, Kins dio el gran paso hace dos años al mudarse de Melbourne a Brighton en el Reino Unido, y han estado trabajando duro en su arte desde entonces. El nuevo track de la banda, Aimless, es justo eso: a la vez un paseo de ensueño y un baile angular. La voz distintiva de Thom sigue siendo el héroe sutil de este tema, y si bien comparte el sonido no convencional de bandas como Local Natives, Alt-J, o incluso Dappled Cities en sus mejores momentos synth, las comparaciones no se aplican a Kins. Es una de las mejores exportaciones de Australia y una de sus bandas más subestimadas.
AUSTRIA: Walzerkönig
DAWA – Some Things Are Different
El cantante John Dawa y la banda que se formó alrededor de él se destacan por su honestidad y música folk sin pretensiones. Dos voces, cello, cajón y guitarra acústica son todos los ingredientes que necesitan. Sus frecuentes performances en vivo con un toque hippie (flores que adornan los pies de los micrófonos, ese tipo de cosas) les han ganado una base creciente de fans. Some Things Are Different es el primer track de su álbum debut, This Should Work.
BRASIL: Meio Desligado
Banda Uó – O Gosto Amargo Do Perfume
Banda Uó son como una gran broma kitsch, un sentido de la diversión que se manifiesta a través de su temerario uso de referencias pop con el technobrega (que puede traducirse como «tecno cursi») brasilero. En esta canción, usan el tema Something Good Can Work de Two Door Cinema Club como «inspiración» para armar desorden.
CANADÁ: Quick Before It Melts
Air Marshal Landing – Move With You
Air Marshal Landing son tres amigos haciendo música que suena más grande que la suma de sus partes. Juntos desde el 2009, hace poco dieron los toques finales a su primer larga duración, You Used To Be Me, lo suficientemente atrevido para mezclar géneros y sin remordimientos sobre lo pegadizo que suena.
CHILE: Super 45
Kinética – Halo
Emiliana Araya es Kinética y este año regresa con II, segundo álbum de la cantante que esta vez cuenta con la asistencia de Milton Mahan y Pablo Muñoz (De Janeiros) en labores de producción. A su habitual muestra de beats electrónicos, Kinética en esta oportunidad explora el pop y soul desde un prisma experimental, agregando nuevos elementos a sus íntimas canciones. «Halo» es un tema que se puede descargar de manera exclusiva en esta edición del MAP, y sirve de adelanto para un disco donde también colaboran Marcos Meza y Fakuta.
COLOMBIA: El Parlante Amarillo
El Ombligo – Trinidadla
El ensamble musical que les presentamos a continuación ha pasado casi desapercibido de la escena musical colombiana. Por eso queremos destacar a El Ombligo, la unión de muchos músicos, nacionales y extranjeros, desde Alemania hasta México, a las órdenes del contrabajista colombiano Santiago Botero. Ellos están haciendo lo que llaman un nuevo folklore: partiendo de la cumbia de Andrés Landero hasta el free jazz de los 60.
Del disco Canción Psicotrópica y Jaleo, editado por Festina Lente en 2012, les proponemos la canción Trinidadla, que nos trae fascinados.
COREA DEL SUR: Korean Indie
Telefly – Meddle
El trío de rock Telefly durante varios años ha cautivando audiencias en vivo en Seúl. Dos años después de su primer larga duración, la banda regresó con su EP Avalokiteśvara a inicios de este mes, presentando su propio estilo de música psicodélica. Su canción Meddle tiene un sonido duro con gran empuje y energía.
DINAMARCA: All Scandinavian
Bodebrixen – The Wave
Siguiendo con su aclamada tercera larga duración de 2012, Out Of Options, Bodebrixen aka Andreas Brixen y Aske Bode han lanzado un gran primer sencillo synthpop de su, aún sin título, EP que será lanzado a finales de este año. The Wave es una descarga veraniega exclusiva de MAP
ESCOCIA: The Pop Cop
Eilidh Hadden – Close To Home
Close To Home es en gran medida el sonido de ahora – cortar y pegar voces realizadas en ondas de melancólico pop electrónico y percusiones tribales. Es la producción colosal que lleva a Eilidh Hadden del adolescente proyectado como cantautor, a los reinos de un contendiente genuino. Las comparaciones con Ellie Goulding son inevitables, Todavía es pronto para Eilidh pero si sigue en este camino entonces su futuro podría ser deslumbrante.
ESPAÑA: Musikorner
Monki Valley – Tanzania
A Monki Valley no le gusta ser etiquetado, pero podemos decir que es originario de las Islas Canarias y tiene los ojos de la Red Bull Music Academy sobre él. Es algo más que electrónica tropical, y actualmente está explorando, musicalmente, los paisajes de países lejanos como Brasil y Perú.
ESTADOS UNIDOS: We Listen For You
Trails And Ways – Como Te Vas
Trails And Ways son de Oakland, pero se sienten menos Oakland y más Bilbao, Barcelona y Barranquilla, dependiendo de cómo su primer EP, bien llamado Trilingüe, llega. El punto culminante del disco para mí es Cómo te Vas, un himno de verano infeccioso, garantizado para sonar bien en Ibiza o en el BART.
ESTONIA: Rada7.ee
Barthol Lo Mejor – Patrol The Block
Barthol Lo Mejor comienza tu noche con trash electro. Este joven dios del dance suena tan arriba y crudo como Justice, Soulwax y Huoratron. Patrol The Block es tomado de su nuevo EP CitYearning, disponible de Bandcamp.
FINLANDIA: Glue
Matti Jasu And The Close Encounters – The New Year
Apenas unos meses después de su excelente debut como solista, el cantautor y compositor Matti Jasu reunió a la banda de nuevo y grabó un álbum seguiste, en el que se hicieron siete canciones en una intensa sesión de un día. The New Year es el primer sencillo de Pin On The Map, y es pura diversión, guitarra Americana con dulces melodías y armonías pop. Puedes escuchar el disco en línea o comprar el CD por un precio muy asequible en Bandcamp.
GRECIA: Mouxlaloulouda
Jim Ver – Until Dawn
Jim Ver es un músico y compositor de formación clásica que trabaja en proyectos instrumentales solistas, bandas sonoras y guiones de cine. Su segundo EP, Pictures, funciona como una colección de poemas sonoros ambientales y tranquilizadores. Queda claro que las palabras no son necesarias para contar una historia, y sus relatos se cuentan en acordes y cadencias. En gran parte, el depende mínimamente del piano pero el efecto, tanto tenue y majestuoso, crea un entorno mucho más abrumador, resultando difícil no ser arrastrado por él.
HOLANDA: Subbacultcha!
Those Foreign Kids – Get Eaten
Sólo hay que escuchar a Those Foreign Kids para darse cuenta que allí hay mucho más de Haarlem que de hermosos campos de tulipanes, su noise pop de vanguardia no es sólo un feroz asalto sonoro sino una bienvenida. El track recién publicado Get Eaten de su álbum debut Zero Gravity Somersaulting Craze incluye las voces de Merinde Verbeek de Mineral Beings. De el salto dentro de su universo ruidoso.
INDONESIA: Deathrockstar
Helmproyek – Vendetta
Inspirado por Nine Inch Nails, Ministry y Rob Zombie, Helmproyek suena como un demo por una banda oscura industrial que se ha bloqueado y enterrado durante un par de décadas y recientemente descubierto por un alma desafortunada.
IRLANDA: Harmless Noise
Major Grave – You Cannot Break My Heart (Major Grave Remix)
Al frente de la producción de grime en Irlanda, Major Grave es un punto brillante, habiendo construido una reputación sólida desde cero en este subrepresentado género y lanzando recientemente un track en la estimada compilación británica Big Dada. Aquí él toma la cancioncilla pop You Cannot Break My Heart de la prometedora Ms Hazel y, con su voz impecable, convierte su vibra bailable en un éxito con mucho bajo y dulces adornos electrónicos.
ITALIA: Polaroid
Wolther Goes Stranger – Sixteen
Originalmente, Wolther Goes Stranger era el proyecto solista de Luca Mazzieri de la banda A Classic Education; pero el proyecto ya se convirtió en un trio. El título de su álbum es Love Can’t Talk. Y quizá el amor no pueda hablar, pero Wolther Goes Stranger definitivamente sí puede, y su discurso está lleno de sexo y sintetizadores sepultados debajo de beats obsesivos. Música para desnudarse… este verano va a estar muy caliente.
JAPÓN: Make Believe Melodies
k■nie – Papapa
Vocaloid es un software sintético de voz popularmente asociado con la cantante de cabello verde Hatsune Miku. El Vocaloid ha tenido cada vez más uso experimental durante los últimos meses y este es uno de los mejores ejemplos hasta el momento, en el cual la voz digital de la personaje Sekka Yufu canta sólo sílabas que después se confunden con una plancha de sintetizadores conjuradas por el productor de Tokyo, k■nie. Aún sería hermoso sin los “vocaloides”, pero es más intrigante con el uso de éstos.
MALTA: Stagedive Malta
Peklectrick – Lamppost Boogie
Peklectrick es el proyecto solista de Patrick Galea, alguna vez guitarrista de Dripht. Es una ecléctica mezcla de música llevada por guitarra con abundantes dosis de reggae, algo de blues y un poco de funk. La música está envuelta en letras socialmente conscientes, un tanto de ethos de punk rock y mucho humor negro. Surrealmente hablando, éste es el sonido de The Clash encontrando a Beck en Jamaica para discutir sobre los aspectos tristes de la vida, con un Scotch en la mano. La música es a lo que el reconocido productor David Vella se refería con que es algo “tan cool que es casi ilegal”.
Peklectrick está actualmente en un hiatus indefinido, ocupándose de otros negocios y contemplando sus estrategias siguientes, mientras toma té.
MÉXICO: Red Bull Panamérika
Apache O’Raspi – Tarde Oscilante
Apache O’Raspi, proveniente del norte de México, es el bajista para una importante banda local llamada Suave As Hell. Con este muy madurado proyecto solista, sacó un par de sencillos en 2012 y ahora los ha compilado en el álbum Remedios Varios. Su poderosa música y letras emocionalmente ingenuas, se posan fuertemente en raíces, sabores y paisajes mexicanos. Tarde Oscilante es una de esas áridas y nostálgicas melodías.
PERÚ: SoTB
Gaia – Sobrepeso
Sus diez años de trayectoria y cuatro discos grabados, confirman a Gaia como una de las mejores bandas de rock del país, durante su prolífica carrera han colocado sus canciones en tops importantes dentro de MTV y la revista Roling Stone. Giroscopios, Coordenadas y la Fábrica de Nubes es el nombre de su cuarta producción, grabado en 2011, sus 12 temas demuestran una evolución musical y al mismo tiempo evidencian la madurez profesional de cada uno de sus integrantes. Sobrepeso es su más reciente sencillo, una canción con melodías profundas y enérgicas al igual que el resto de su álbum, disponible libremente desde su web.
POLONIA: Łukasz Kuśmierz Weblog
Crab Invasion – Dart
Cuando vives en un país donde el rockismo es aún fuerte, es difícil encontrar una banda como Crab Invasion. Irónicamente, comenzaron desde orígenes (indie) rockeros y aún usan guitarras, pero en maneras distintas. Progresiones sofisticadas de acordes, melodías pegajosas, armonías vocales – está todo contenido en las canciones de este joven grupo liderado por el joven de 22 años, Jakub Sikora. Y lo estará más aún con el lanzamiento próximo de su álbum debut.
PORTUGAL: Posso Ouvir Um Disco?
Noiserv – Today Is The Same As Yesterday, But Yesterday Is Not Today
El proyecto solista de David Santos, Noiserv, apareció por primera vez en el MAP en el 2009. Desde entonces, Noiserv ha conquistado su espacio en la escena musical portuguesa y es reconocido como uno de los artistas jóvenes más innovadores de su país. Tanto así que en el 2010 fue comisionado para crear la banda sonora para un documental sobre José Saramago, el ganador del Premio Nobel. Noiserv lanzará su nuevo álbum en octubre y Today Is The Same As Yesterday, But Yesterday Is Not Today (ver vídeo) será parte de éste.
PUERTO RICO: Puerto Rico Indie
Suturee – Skulls
Cuando Julian Brau y Rebecca Adorno se conocieron en el 2007, sus vidas tomaron un giro que les llevó directamente a Suturee. Ahora un cuarteto probando su suerte en la ciudad de Nueva York, Suturee aún trabaja arreglos pop delicados y orquestales que le hacen juego a las voces de Brau y Adorno. La banda acudió al “crowdfunding” el año pasado para financiar su segunda producción, Skim The Surface. Una de las recompensas ofrecidas a través de su exitosa campaña de Indiegogo consistía en cubrir una canción escogida por el donante – y es por esto que hoy pueden escuchar esta versión única por Suturee del clásico de The Misfits, Skulls.
REPÚBLICA DOMINICANA: La Casetera
El Trio – Canterbule Pt. III
El Trio es una banda de rock progresivo de Santiago que recientemente lanzó su tercer album titulado Las Manos. Toma sólo un minuto para apreciar realmente la magia de Canterbule Pt. III en la cual el jazz y el rock se combinan elegantemente. Puedes escuchar y escuchar sus temas en su página en Bandcamp.
RUMANIA: Babylon Noise
Environments – Fathom, Movement, Field
Environments son un acto experimental de Bucharest. Sus canciones están inspiradas en cosas bellas, como recuerdos de la infancia, libros y lugares tranquilos. Stefan Panea viene con los arreglos básicos, que luego son desfigurados, mejorado y vuelto a grabar en vivo con Alex ‘Para’ Ghita (batería) y Marius Costache (efectos y ruidos). Puedes entrar en su mundo a través de su Bandcamp .
Hace calor. Un vaso lleno con cerveza de 3 euros 50 se cae, se riega. Un hombre detrás de una consola está tenso. La rubia del vestido floreado habla por celular, levanta la mano, deja ver su axila depilada, le dice a alguien que la busca: Joder, que estoy aquí...
La Santa Fanesca es una gozada. Te mantiene prendido todo el tiempo, te lleva por caminos lo suficientemente profanos como para desear más y más, e ir por un poco más.
Pero no todo es baile. Y me van a decir aguafiestas, por, eso lo dejo para después.
Lo bueno: Casi todo. Es un disco al que es difícil encontrarle un clímax, porque está tirando hacia arriba todo el tiempo, te pone a bailar, y a bailar bien, a sudar con ganas y a dejarlo todo en una zapateada de esas que se recuerdan por años, especialmente cuando la fiesta escasea. Entonces si, podemos decir que el disco es un orgasmo largo, convulso, divertido y satisfactorio.
Más cosas buenas… Voces logradas con timbres frescos, letras que van del mantra caribeño al nacionalismo inteligente, suficientemente bien armadas, y ligeras a la vez. Punto a favor. Y claro, harto flow del bien jalado en el rapeadito masculino. Agrada.
La instrumentación es caliente, llena, y bastante rockera para un disco tan dance. Los arreglos son diversos, delicados y colocados en los momentos justos. Los vocales se complementan y llevan la estructura de las canciones impecablemente, lo que es novedad en la música nacional, que justamente se caracteriza por esa carencia vocal y melódica que ya es casi endémica. Aunque eso parece estar cambiando de a pocos.
No se si hay un tema sobre el que gira el asunto, diría que es «Grita Pregonero», pero no me consta. Podemos acordar que hay un equilibrio que mantiene el disco bastante más que a flote.
Un trabajo ambicioso que va por toda la festividad habida y por haber, Bomba, Marimba, Cumbia, Dancefloor y Rocksito, de hecho, a uno le hace sentirse alienado e ignorante y con deseos de aprender sobre todos esos ritmos latinos, nunca bien ponderados (por uno al menos), curiosidad que es un verdadero logro en mi caso, que he tendido a llevar mis gustos siempre a otros mares más grises y fríos.
Lo malo: que a pesar de todas sus virtudes, le falta algo de personalidad y convicción para ganarles la partida a ciertos referentes demasiado presentes en este trabajo, como Calle 13 o Bomba Estereo. Lo siento, pero estas influencias se dejan sentir demasiado fuerte y eso desvirtúa un poquito a esta bien fundamentado y barroca construcción sonora. Quizá su único punto de perdida. A veces uno se pregunta si este tipo de influencias son las que van a generar bandas que remplazen al anacrónico y dominante ska andino… Si es así, tal vez no sea tan malo, si tienen la misma calidad de los Monks, hasta sería de agradecer. Pero ya es necesario despegar y armarse discursos propios de una forma un poco más categórica.
Por mi lado, lo malo, es haberme perdido el desarrollo de esta banda… Solo les he podido ver cancheros, buenos y sabiendo lo que hacen. Quisiera haberles visto evolucionar y crecer, asumo que hubiera bailado y farreado bastante más. Solo no fue.
Nada más que decir, de un disco que me ha dado ganas de poner ya en un par de pachangas caseras.