Opinión

El rock no te paga con rock si eres mujer

El rock no te paga con rock si eres mujer

janisDías antes de darse a conocer el caso de Polina Cold y Efraaín Granizo (Van Fan Culo), reflexionando sobre el caso Aldana (El Otro Yo), se terminó de escribir esta columna de Vanessa Bonilla sobre cómo el machismo y la violencia de género existen incluso en espacios tan progresistas como el rock. Hoy, hablar de este tema resulta más que necesario #yanonoscallamosmas

Por: Vanessa Bonilla / @isadorabo

Soy bastante ecléctica con la música. Mi vida misma es como un soundtrack amplio, cada acto, cada recuerdo, cada amor, cada amigo, cada decepción, cada locura, todo tiene su canción. Esta semana un amigo me preguntó cuál es mi artista o banda favorita y no pude responderle. En cambio, empecé a contarle cómo la música ha atravesado mi vida: de niña mi casa se llenaba de Jefferson Airplane, Chico Buarque, Joan Manuel Serrat, Mercedes Sosa, Fleetwood Mac, Led Zeppelin y más. Luego, en el intento por encontrar (me) coquetee con el rock, el punk, el hip hop, el hardcore, la música alternativa. La búsqueda vino acompañada de decenas de conciertos, programas de radio, y mi paso por la universidad.

Le di varias vueltas al asunto y le respondí «mi favorita de todas: La Janis, y «Summertime”», esa canción me ahoga en lágrimas de emoción desde siempre, aunque su traducción la supe en la pubertad. Entonces mi curioso amigo me recomendó ver el documental Janis: Little Girl Blue (2015), así que corrí a verlo y me perturbó tanto. Amy Berg se adentra en los recuerdos de Janis usando la voz de Cat Power, habla con su familia, sus amigos, sus bandas, recupera cartas que la cantante intercambiaba con sus padres, conversa con sus amores y desamores. Pero sobre todo, hay una frase que me desconcertó, y que al mismo tiempo explicaba cómo era ser mujer en el escenario musical de los años 60, además de formar parte del movimiento de paz y amor, enganchada a las drogas y en un permanente búsqueda de libertad: “¿Por qué los chicos de la banda se van a casa con esas chicas y yo me voy a casa sola?”, decía Janis.

Más tarde leía en el diario El País que, Charlie, Felicitas y Ariell acusaron de abuso sexual, corrupción de menores y transmisión de enfermedades a Cristian Aldana, de la banda argentina El Otro Yo, vi el desgarrador video de #yanonoscallamosmas y supe que la Cámara Nacional rechazó el pedido de excarcelación que había presentado la defensa de Aldana, quien está detenido desde el 23 de diciembre y que se ordenó su procesamiento con prisión preventiva y embargo de sus bienes. En ese momento recordé los conocidos casos y declaraciones misóginas de los argentinos Juanse, Pappo, Ciro Pertusi, Gustavo Cordera, Miguel Del Pópolo, entre otros.

Y en este caminó rememoré mi propia historia: ser mujer en el rock. A lo largo de este viaje hice amigos, ya que la mayoría de quienes componían el mundo del rock eran hombres, la relación con las mujeres era de 10 a 1. Creo que he ido a conciertos desde los 13 años, sola o acompaña, pagando entrada o retaqueando, ganándome entradas en la radio y más tarde como personal de prensa, realmente nunca me dio miedo estar sola o ser fan de alguna banda, pronto lograba hacer amigos que me quisieron y me cuidaron siempre. Pero también recordé que en el mosh había algún chico que te agarraba las nalgas (para mostrar quién manda ahí) o intentaba algún movimiento cuando ibas al baño. Digamos que casi siempre salí ilesa, aunque un par de veces fui acosada, me intentaron besar sin mi consentimiento; unos personajes del rock (promotores, locutores, músicos) aprovechaban la cercanía y te cercaban, afortunadamente puede manejarlo, pero al mismo tiempo, escuchando estos testimonios sobre Aldana, pienso que alguna no logró zafarse del asunto, que por ahí hay un violento y varias violentadas. Así que este texto también termina siendo un descargo de culpa.

Y sí, el espacio del rock a pesar de ser “liberador – alternativo – contracultural” también reproduce el machismo, el hombre cree que es dueño del cuerpo de la mujer y de sus decisiones, sólo porque es hombre. Cree que al ser un rockstar puede imponer reglas, y si no te gusta, se autocomplace pensando que hay una fila de niñas que están dispuestas a lo que tú te niegas. También hay un intento por construir a la niña débil que necesita un rockero salvador o la femme fatal que decide sobre su cuerpo, que tiene sexo cuándo quiere, con quién quiere y cómo quiere. Después de todo algo me queda muy claro: el sistema patriarcal se come todo, está por encima de todo, que nosotras podemos estar en permanente resistencia, pero las violencias físicas y emocionales permean a cuenta gotas o violentamente, esas resistencias.

Por años imaginé que estas violencias eran aisladas, que me pasaba a mí porque yo lo había provocado, tal vez había dado mucha confianza o enviaba señales confusas, culpándome de algo que descubrí es un fenómeno estructural y que se multiplica en muchos cuerpos femeninos juveniles. Janis en los 60’s construyó un “ser masculino” para poder encajar y destacar con fuerza en un espacio liderado por hombres. Charlie, Felicitas y Ariell se llenaron de fortaleza y lograron romper el círculo de violencia y silencio; y yo, me fortalezco cada día con mujeres como ellas, como mis amigas – hermanas que día a día resisten y rompen el silencio; y también por las mujeres y niñas que mueren víctimas de violencia de género, que son violentadas física, sexual, emocional, psicológica o económicamente, porque sus historias nos han permitido a muchas decir ¡BASTA, NO MÁS!

No quiero caer en la figura de la mujer víctima, incapaz de decidir sobre su cuerpo, o despojado de valentía; pero quiero dejar claro que hay una vulnerabilidad de género, que el hombre rockstar ostenta un lugar de enunciación que le permite dictaminar reglas y abusar del poder que permite este lugar privilegiado, así como también puede construir solidaridades, ser compañero, tener conciencia de género y ser consecuente desde su discurso hasta sus actos, conozco a muchos. Es solo cuestión de romper y ser realmente rebeldes, contraculturales y libres.

Empecé esta historia justificando mi pasión por la música desde mi niñez. Porque en mis 33 años siempre he tenido que demostrar y probar mi palabra, porque soy mujer y lo que digo está en tela de juicio, porque si hice radio, si tenía pases de cortesía para conciertos, si un profesor destacaba mi trabajo académico, si mis amigos eran tal o cual, siempre, siempre recaía sobre mí la duda de los favores sexuales o un interés sexual escondido por parte de quienes estaban a mí alrededor; o simplemente porque soy mujer y lo que digo, escribo o hablo debe ser verificado. Así transito aún mi vida por el rock y cotidianidad, pero ahora soy menos ingenua y más fuerte.

leer más
Finalmente, alguien le hizo una canción a Jodie Sweetin

Finalmente, alguien le hizo una canción a Jodie Sweetin

JCalavera

Después de formar los Dwarves guayacos [Potato Head Punks] y una prestigiosa agrupación llamada Semen de Pavo, ¿cuáles serían las siguientes aventuras de Juan José «Cheche» Palacios? [sí, luego de esas bandas vino Stereo Salado, pero esa no cuenta]. Esta vez, luego de algunos meses de inactividad, converso con «Cheche» acerca de su más reciente encarnación: J. Calavera. Sigan leyendo. 

M: «Math rock», «shoegaze» y «lo-fi»: otra etiqueta para música que no entiendo [antes de escuchar tu nuevo proyecto, J. Calavera, por el nombre y el arte, pensé que iba a ser algo como Social Distortion u Oingo Boingo]. Has definido a J. Calavera como lo-fi. ¿Por qué? ¿Haces música con pocos recursos? ¿Do it yourself hasta la muerte? ¿Actitud «We jam econo»

J: En realidad, la ética DIY la he aplicado desde que «aprendí» a hacer música, más que nada inspirado en el punk, que ha sido una ideología con la que me he sentido identificado desde el momento en que la conocí. El lo-fi, lo que estoy haciendo actualmente, está basado en los escasos recursos con los que tuve que trabajar para sacar este material.

Cuando empecé con Potato Head Punks en 1998, fue: «Hey, hagamos una banda… ¿quién sabe tocar algo? Eh… pues entonces cantaré», y sin saber tocar nada, empecé a plasmar mis ideas en una guitarra acústica que tenía en casa desde los 8 años agarrando polvo, haciendo ritmos y luego enseñándoselos al guitarrista, diciéndole «la canción es así», y él la interpretaba tocándola con acordes. Desde siempre fue así la manera de componer, en todas las bandas en las que toqué. Entonces ahora, con J. Calavera, fueron esas ganas de seguir haciendo música las que me llevaron a componer y grabar con lo que tenía a la mano: una guitarra acústica, una eléctrica, tambores de juguete, una radiograbadora y así por el estilo. De ahí la poca fidelidad [low fidelity: lo-fi] que tiene la calidad del producto final.

¿Qué tan diferente eres, es J. Calavera, de las bandas en las que tocabas? 

Potato Head Punks, al igual que Semen de Pavo, fueron nombres que salieron sobre la marcha, básicamente chistes internos. Eran punk y hardcore, más basadas en joda y lo que pensaba en ese momento, por eso las letras no deben ser tomadas muy en serio. De eso, a lo que hago ahora, hubo un gran proceso. Al regreso de vivir en Argentina, formé Stereo Salado. Pasé del punk al post punk revival o algo así, pero seguí con ganas de seguir haciendo música, así sin saber grabar ni nada. Me puse a experimentar con lo que tenía a la mano, y de ahí nace J. Calavera.

No le paré mucha bola a Stereo Salado porque aún seguía esperando el regreso de Potato Head Punks, pero pienso que ese fue el punto de inflexión del punk/hardcore a lo que estás haciendo ahora.

El DIY siempre ha estado presente, y si no lo haces tú mismo, no deberías quedarte cruzado de brazos a que alguien lo haga por ti. Es eso lo que todas mis bandas han tenido en común. La libertad de poder hacer cualquier tipo de música, ya que ahora no estoy encasillado, es increíble. Si un día quiero hacer algo más pesado, va; si sale algo más suave, va. Si va algo hasta spoken word, va. No hay limitantes, excepto lo que solito me quiera imponer.

Habla, Henry Rollins. 

Exactamente. Pero no tanto por ahí, sino por algo más a lo Boyd Rice, aunque ese man está bastante demente y va más por predicar el satanismo, pero igual sus experimentos musicales y con la audiencia son increíbles.

Escuchando J. Calavera, hay algunas canciones que son oscuras, sombrías, como que estuvieras manejando de noche a Quito con Jeffrey Lee Pierce. 

Entonces la entendiste bien. Me gustan ese tipo de bandas que tienen algo oculto, que te hace analizarlas más de lo que te dejan en pequeñas pistas por aquí y por allá. Te mentiría si eso no me ha influenciado. Titán, Jeffrey Lee… «You’re a ghost on the highway!». Lo escucho cuando toca manejar en carreteras oscuras.

Por otro lado, tienes una canción que se llama «Jodie Sweetin». Lo digo porque es lo opuesto: canciones oscuras y otra que tiene el nombre de una actriz infantil. Aunque es una actriz que se hizo verga, entonces todo tiene sentido. 
Exacto. Lo que sucede con «Jodie Sweetin», sucede con muchas otras canciones. La cosa es que la que saqué ahorita es una versión instrumental, cuando saque la versión completa se revelará el secreto aún más; obvio, sin explicarlo todo. Que lo descifren o saquen sus interpretaciones.

Todo tiene algún sentido oculto: desde los títulos, hasta las emociones que tratan de provocar. Te pongo un ejemplo, también hay una canción spoken word, que se llama «Tony Ridge Blues». El mensaje que cuenta, el título de la canción y el precio del disco tienen relación. Hasta ahí te puedo revelar. La gente quiere todo mascado y eso me molesta mucho.

Todo esto que me dices suena a que has pensado bastante el concepto de J. Calavera. ¿Crees que la gente entienda todo esto? ¿Hay una escena en Guayaquil para tu música? ¿Está el Ecuador preparado para ti? 

De verdad sí, me lo he pensado bastante. Me gusta escribir mucho; tengo historias, letras de canciones que nunca compuse y que todas representan algo, algún momento en el tiempo, entre otras cosas. No están puestos así por ponerlos. ¿Hay una escena? Pues no sabría qué decirte. Puede que sí, puede que no. Actualmente, cuando voy a conciertos y festivales de arte, siempre me topo con lo mismo. Con esto no quiero insultar a nadie, que cada uno escuche lo que quiera escuchar, pero hay muy poco que me deslumbre. Obvio, la gente ha de decir lo mismo de lo que estoy haciendo yo, así que el tiempo lo dirá.

Ahora, hay algunas bandas que tienen la misma idea que yo de sacar todo el material que puedan, sin perder el tiempo, sin decir «…estamos componiendo un álbum que saldrá el próximo año», sino que son más inmediatos. Con ellos me siento muy identificado, porque están en la misma corriente que lo que quiero hacer. Todo esto comenzó inspirado en un documental que vi de Jay Reatard, en el que él compartía su filosofía de hacer música, más por amor a la música que por amor a los fans, el reconocimiento o que perciban su música como algo cool. Era el hacer todo lo que puedas con lo que tienes en el momento, no esperar a la oportunidad de crear algo y plasmarlo, sino simplemente hacerlo. Eso me gustó mucho y me inspiró a retomar lo que estaba dejando que se cubra de polvo.

¿Tienes ese documental? Préstamelo. Lo he querido ver hace tiempo. 
Me lo compré, porque lo busqué para verlo en todos lados y nunca lo encontré. Es inspirador, no te voy a mentir. En un momento dice algo así como «algunas personas piensan que es un cierto número de canciones buenas que uno tiene para componer y que luego te quedas sin gasolina. Para mí, tiene algo que ver más con el tiempo: me tiraron a este planeta y seguramente me botarán en cualquier momento. Lo que creas en ese tiempo es lo que vale». Fui a la juguetería a comprar tambores, saqué la guitarra de palo y empecé a componer. A quién le importa cómo suene, necesitaba volver a crear y eso es lo que estoy haciendo. Sí, va a sonar como el culo, pero eso es mejor que nada [mensaje: así se llama el primer disco]

Hasta me metí en clases de guitarra para poder componer más y crear de otra forma a la que estaba acostumbrado, a ver qué nuevas cosas se le pueden aportar al proyecto. Y la idea es componer de todo, así que quién sabe, mañana sale un disco country de J. Calavera, basado en desamores, al mejor estilo Requiem for an Almost Lady, de Lee Hazlewood. Espero para entonces ya saber tocar bien, y sino, pues lo haré mal, pero lo haré.

Y de verdad lo botaron en cualquier momento. RIP Jay.

Bandcamp: http://jcalavera.bandcamp.com/

leer más
GUANACO / Blasfemia

GUANACO / Blasfemia

guanacoblasfemiaLos años han pasado y Juan Pablo Cobo lleva más de la mitad de su vida siendo Guanaco. El tipo de Ambato que, con voz nasal, desarrolló un estilo que empezó como hardcore rap, ahora presenta su cuarta placa con requinto en primera línea y un mestizaje entre el rap y la música rockolera.

Luego de Raíz, álbum que incluyó dos temas de alta rotación radial que encandilaron a un público masivo que encontró en el dancehall, moombahton y rap con dejos reggae a un artista fresco, bailable y digerible, para muchos el camino a tomar para su próxima producción parecía predeterminado por la tentación mediática, las fiestas, las marcas, los halagos genéricos o la fama. Pero en un juego de honestidad artística, Blasfemia es la otra cara de esa posible realidad.

Guanaco presenta 6 temas que se alejan de la radio fórmula. La fiesta callejera con sound system se convirtió en una suerte de monólogo autorreferencial, honesto y crudo que busca un desahogo en una lúgubre taberna. Un disco de un artista que llega a la madurez y que en un acto sincero decide relatar su estado actual, reflexionar sobre sus anhelos y culpas, ahondando en la historia de su familia, sus relaciones personales y la música como ese camino de vida que demanda una entrega absoluta.

Las letras de esta producción mantienen aquella impronta inconfundible de Guanaco: una voz propia al rapear que se distingue al primer fraseo. Pero en ocasiones, justamente esta característica que muchos Mc’s ansían y que únicamente se gana con los años, genera un agotamiento de estilo. Canciones como ‘El original’ o ‘Soledad’ manejan un despliegue de versos efectivos, pero que pierden fuerza por la falta de novedad y experimentación, tanto en su temática como en la composición de sus rimas. Por su contraparte hay momento de lucidez en los cuales Guanaco juega con su propia narrativa. Tal es el caso de ‘Lejos’ y de forma más destacada en ‘Canción para Juan’, uno de los mejores temas del disco y que, de forma ágil, nos sumerge en un entorno, para luego retratar de forma íntima la vida de Juan Cobo, su padre.

A nivel musical, Guanaco logra llevar a otro nivel el rap rockolero, aquel subgénero que agrupaciones como 38 que no juega y miembros de La Quito Mafia supieron traducir y filtrar en los oídos de muchos seguidores del hip hop local varios años atrás. Blasfemia es una producción sobresaliente, con cuidado en los detalles y que desde el rap logra una inmersión sincera en la música popular de este país, vinculando a voces tan potentes como la de Roberto Calero y Marylu Muylema. Un cruce de caminos cuyo resultado final es un viaje sonoro con canciones que se sostienen la una a la otra. Un disco que por la crudeza de sus letras en ocasiones funciona como un espejo tan poderoso que llega a ratos a incomodar. La producción más honesto y visceral que ha presentado Guanaco.  7.5

Por: Darío Granja | @darioxgranja

leer más
Las siete cadencias de Bowie: ‘La número cinco te hará llorar’

Las siete cadencias de Bowie: ‘La número cinco te hará llorar’

David Bowie Major Tom

Lo primero que pensé a horas de la muerte de David Bowie fue: ‘Hay siete momentos en los que él me impactó en la vida’. Seguramente hay más, pero quise dejarlo en siete por ser un número vendedor.

No quiero hacer una de esas enumeraciones clásicas de página web contemporánea (‘la número cinco te hará llorar’), me basta con decir que ‘Modern Love’ ocupa ese primer momento en el que escuché al ‘extranjerito’ aquel de cabello súper rubio y pasito ochentero de moda.

Es la canción más popular de Bowie, por más de que se rasguen las vestiduras los ultrafanáticos; así como ‘Creep’ siempre será la más famosa de Radiohead o ‘Another brick in the Wall part 2’ la de Pink Floyd. Y claro, Bowie lo hizo todo, hasta tener una de esas ‘cheesy songs’ ultra pop.

Ah, casi lo olvido, yo era un niño de cinco años y la melodía me hacía delirar de la alegría; cuando busco un referente de baile ochentero no puedo pensar más que en aquellas imágenes del video. ‘Modern Love’ es canción obligatoria de todo ‘playlist’ arcaico de radio ecuatoriana que se respete.

Pasaron los años y MTV se volvió un canal ‘gratis’ en el espectro televisivo nacional. En plena adolescencia mía asoma David luego de tantos años y se pone a cantar ‘Little Wonder’, en un video de la genial Floria Sigismondi (la misma que le hizo a Marilyn Manson ‘The Beautiful People’).

Recuerdo claramente que Bowie decía en una entrevista “es música ‘jungle’, algo que escuché en las discos europeas, bla, bla, bla…”. ¿Qué cosita? ¿Jungle, qué diablos es eso y por qué me fascina tanto? Mientras todos hacían grunge, post grunge o brit pop, este tipo sale con ‘jungle’. Maldito genio, me hice fan instantáneamente.

Recuerdo otro día, ya había salido casi de la adolescencia, cuando mi hermana mayor me regala un disco ‘quemado’ por ella misma (costumbre hoy en día casi extinta), ahí dentro se encontraba ‘Space Oddity’. La escuché y me volví a enamorar del británico aquel de cabello perfecto. Esa guitarra acústica y la voz, que parecía despedirse melancólica y solemnemente, hicieron que no deje de repetir el tema por días, fue la primera vez que lo escuché a conciencia, pero debo confesar que la parte del saxo nunca me cuadró mucho, igual no me importó. Aquella ‘rareza espacial’ para mí es una de las mejores cosas que se han escrito a finales de los 60’.

Una noche, hace muchos años, me di cuenta de que ‘Under Pressure’ también la cantaba Bowie. El tema es de Queen pero la colaboración del ‘Duque blanco’ siempre me da escalofríos. Sobre todo ese coro final que es indescriptible, donde se escucha la parte en la que, por tomar aire, se retrasa una milésima de segundo del compás. “Cause love’s such an old-fashioned word… and…”

Soy fan de Arcade Fire y sucede que casualmente una tarde me entero, gracias a mi amigo Roberto Ramírez Paredes (el tipo más fan de Bowie que conozco y que le gusta que lo nombren por los dos apellidos), que en la canción ‘Reflektor’, de la banda canadiense antes mencionada, hay una pequeña colaboración del fallecido héroe de esta crónica. “Thought you were praying to the resurrector. Turns out it was just a reflector”. Ese tema nunca más me sonó igual, siempre espero aquella estrofa impaciente y emocionado.

En 2013 se publica ‘The Next Day’, un disco que -luego de una década de creer que Bowie nunca más iba a grabar álbumes de estudio- nos sorprendió a todos. La canción, que lleva el mismo nombre del CD, tan solo me envuelve en una especie de ganas de bailar y mover la cabeza mientras en el videoclip veo a un Bowie que emula a Jesucristo y su ‘ascensión’ a los cielos, terminando con la frase “thank you everybody”.

Finalmente ‘Blackstar’, su última producción de estudio, puso a circular en las redes sociales ‘Lazarus’, el video donde nadie se dio cuenta de que el ícono musical se estaba despidiendo. Todos estábamos embelesados de ver y escuchar algo nuevo del ‘camaleón’ y, en nuestra ‘borrachera auditiva’, no percibimos el adiós que se materializaría tres días después.

Claro, letra e imágenes luego tomaron sentido, un sentido macabro, artístico y hermoso, propios de una leyenda que no supo hacer otra cosa de su vida que un extendido performance, hasta después de su muerte.

Hoy, me acabo de enterar de que Bowie lanzará progresivamente en el futuro cinco canciones nuevas, la primera en 2017. El tipo sabe que aún no puede irse de este mundo, no del todo.

leer más
El rock no te paga con rock si eres mujer

Los mejores discos ecuatorianos del 2015

LM2015-DiscosEC-nuComo parte del especial de Lo Mejor del 2015 presentamos los discos nacionales más destacados e importantes del año según la redacción de Plan Arteria. Este listado contó con el aporte y las votaciones de: Carla Vera, Pánico Films, Darío Granja, Raúl Arias, Carlo Celi, Vanessa Bonilla, Pablo Rodriguez y Hernán Guerrero. 

MEJORES DISCOS ECUATORIANOS 2015

paolanavarrete5 | PAOLA NAVARRETE / Ficción

Cantante guayaquileña y una de las revelaciones de la música independiente local. Con un estilo versátil y poseedora de una envolvente voz, Paola, entra en la escena independiente con un contundente contenido de temas que nos invita a un viaje por las esferas barrocas de una música para volar.
‘Los ojazos de mi negra’ se puede describir como una sorpresa cargada de talento. Una canción que se conecta con quien la escucha. Los arreglos de cuerdas son destacables (Hernán Guerrero)


jodamassa4 | JODAMASSA / Esteban Albino

Este disco recorre 9 historias del ficticio personaje Esteban Albino. Tonalidades y un piano que va hilando un disco indispensable desde su portada, con una sonoridad particularmente andina en muchos de sus temas, que gracias al rock experimental y el folk, usados de manera adecuada, y junto a unas letras bien trabajadas, permiten descubrir (nos) a este obscuro personaje, sus desvaríos y demencias. Este trio cuencano, luego de dos trabajos previos, han logrado consolidarse. Mostrando que se puede lograr un gran sonido, pulir las liricas y trabajar en un concepto complejo y completo que permiten explotar y dar una fuerza extraordinaria al trabajo final. Si no han escuchado a Jodamassa, disfrute de: Ya todo está planeado, Charanga, Para subir y Esteban Albino. (Vanessa Bonilla)


escenaindec3 | VARIOS ARTISTAS / Escena Independiente Ecuador

Es un disco necesario, sobre todo para una época en que la escena nacional está en constante y vertiginoso crecimiento. Hacer un repaso por 13 temas que han marcado la historia de la música independiente de las últimas dos décadas, siendo interpretadas, en su mayoría, por una nueva generación de músicos ecuatorianos, es un regalo que hace de puente y fusión entre el ayer y el ahora de la producción nacional. Hay varias perlas en este álbum, que supieron tomar la esencia de canciones icónicas y llevarlas a otro nivel más íntimo, fusionándolas con más de un estilo musical, propio de los artistas a quienes fueron encomendadas para crear estas reversiones. (Carlo Celi)


colapso1852 | COLAPSO / Portales

Portales es un disco inmenso. Tiene un sonido grande, como un cuerpo entero de artillería. Esto se debe a la solidez de los temas, de las ejecuciones y al trabajo maestro de Juan Pablo Rivas en la mezcla y masterización del disco.
Portales se atreve a ir más allá del género y podemos encontrar mucha experimentación sonora, pero no de la que solo genera ruido de fondo, más bien se logra un juego de niveles y capas delicioso y definido. Dentro de esta experimentación se cuenta con una participación de lujo como es la de Daniel Mancero, el niño (ya no tan niño) prodigio del piano. No importa si eres metalero o no, este es un discaso por donde se le mire. (Raúl Arias)


nicolacruz

1 | NICOLA CRUZ / Prender el Alma

Prender el alma es un disco que transforma, que transmite, que transporta, que sana. Es un álbum sentido, importante por el amor con el que se construyó… La meticulosa investigación sonora del productor Nicolá Cruz lleva a un colorido viaje por volcanes, montañas, lagunas y playas. Las 10 canciones que lo conforman emocionan, conmueven. En ellas se pintan paisajes color tierra decorados con cantos, rituales, ritmos guiados por una percusión magnífica… Prender el alma es un disco significativo, además, por la notoriedad que le regaló a la música ecuatoriana este año. Por eso, es el lanzamiento más importante, conceptual y prolijo de este año.  (Carla Vera)

Una obra que explora el interior, que navega de forma cuidadosa por sonidos andinos para reubicarlos en un lenguaje contemporáneo y global. En un país que precisa de referentes que le permitan fortalecer su identidad de cara al mundo, el trabajo de Nicola Cruz resulta, por decir lo menos, necesario. Un disco para cruzar fronteras, revelar instantáneas culturales, buscar la calma, prender el alma. (Darío Granja)

2-Franja

 

leer más
El rock no te paga con rock si eres mujer

Los mejores discos del 2015 / Por Pablo Rodriguez (Distrito Rock)

LM2015-DiscosEn Plan Arteria nos complace presentar nuestra selección de lo mejor del 2015. Revisa este listado con los discos de rock y metal nacional más destacados según Pablo Rodriguez,  gestor cultural, investigador y locutor del programa de metal Distrito Rock.

Discos Nacionales de Rock y Metal 2015 por Pablo Rodriguez (Distrito Rock)

aztra10 | AZTRA / Guerreros

Esta ves la banda deja la crítica social que los caracteriza, para adentrarse en letras personales, que cuenten vivencias que los han marcado en sus diversas giras internacionales y su sentir sobre determinados momentos vividos en su día a día.


oponente9 | OPONENTE INTERNO / Tomando el control

Hardcore de la vieja escuela es lo que predomina en este interesante debut de los quiteños Oponente Interno, una característica que le da un sello de identidad a este trabajo son los coros punk que aparecen en diversas partes de este trabajo, y que obtienen un resultado apreciable junto con los riffs de las guitarras.


spectrum8 | SPECTRUM / Line

Los guayaquileños Spectrum, uno de los iniciadores del metal en Ecuador, vuelve con disco nuevo después de una década de silencio. Es un disco donde la corriente progresiva se mantiene intacta, y sus líricas son una declaración de principios, acorde con el sentir de la banda, que a pesar de no haber editado nada, se ha mantenido en cierta actividad durante este tiempo.


blaze7 | BLAZE / Antología

18 canciones que dan cuenta de una historia sonora del metal en Ecuador, como la liderada por Dennis Mancero en Blaze, a través de este compilado donde se rescatan las grabaciones originales de estos temas, sometidas a un tratamiento digital a fin de mejorar su calidad y dejarnos un importante documento sonoro.


chriss6 | CHRISS GUEVARA / Dark days

Una destacada labor del solista quiteño Chriss Guevara en esta, su primera producción discográfica, donde refleja su carrera con las seis cuerdas de forma solvente, con temas como Masters of Universe y Andalucía, que reflejan destreza y la capacidad de matizar el metal con sonidos distintos.


igoricaza5 | IGOR ICAZA / Espinas

Nueva entrega solista del músico latacungueño, de reconocida trayectoria, quien en gran parte de estos últimos años ha dedicado su tiempo a desarrollar este proyecto, donde los matices son una característica fundamental de un disco inclasificable, con ocho temas cercanos al rock y a la fusión, y en donde destaca el legado generacional, manifiesto en el buen trabajo que hace su hijo Zak tras los tambores.


basca4 | BASCA / Siniestro

Un disco muy esperado que cubrió las expectativas tras su lanzamiento, justificadas en un contenido sólido, que muestra a unos Basca introspectivos, que acentúan su propuesta en el thrash, y decantan sus letras por la autocrítica y la visión interna sobre ciertas cosas. Musicalmente demuestran un gran momento, fruto de varios años de formación estable, recorriendo gran parte del país.


animainside3 | ANIMA INSIDE / Duality

Disco doble que refleja una pródiga etapa compositiva, que se divide en el disco “White”, destacado por temas de corte melódico, como Dream Enough, y el disco “Black”, con temas en una onda más hard rock. Con este disco la banda demuestra una solidez plena, en la que confluyen alineados los actuales miembros del grupo, presentando un disco muy bien trabajado.


colapso1852 | COLAPSO /  Portales

Contundente muestra de metal matizado con elementos sonoros que hacen de este un disco vital, que dota de un sonido bastante único al metal nacional, y demuestra niveles compositivos de alta valía, justos como para una proyección internacional. Este trabajo rompe algunos cánones de la banda, al experimentar con otro tipo de elementos como el piano, cuyo resultado es un tema fresco y original, que nos ubica ante otras formas de tocar metal en el medio.


totaldeath1 | TOTAL DEATH / Inmerso en la sangre

Más de dos décadas de trayectoria se reflejan en un trabajo de inmensa valía tanto en lo compositivo como en sus novedosas formas de promoción. Inmerso en la sangre explora campos en los que la solidez sonora del metal se conjuga con guitarras rítmicas que desarrollan expectantes campos, donde la música genera paisajes sonoros que se debaten entre la virulencia y la armonía, con momentos sublimes como Nuna y Tu Funeral.

3-Franja

leer más
El rock no te paga con rock si eres mujer

Los mejores discos del 2015 / Por Hernán Guerrero (Ecuasónika)

LM2015-Discos

En Plan Arteria nos complace presentar nuestra selección de lo mejor del 2015. Revisa este listado con los discos nacionales más destacados según Hernán Guerrero, melómano, gestor cultural, locutor y productor del programa especializado en música nacional, Ecuasónika.

Discos Nacionales 2015 por Hernán Guerrero (Ecuasónika)

paolanavarretePAOLA NAVARRETE / Ficción

Cantante guayaquileña y una de las revelaciones de la música independiente local.
Con un estilo versátil y poseedora de una envolvente voz, Paola, entra en la escena independiente con un contundente contenido de temas que nos invita a un viaje por las esferas barrocas de una música para volar.
‘Los ojazos de mi negra’ se puede describir como una sorpresa cargada de talento. Una canción que se conecta con quien la escucha. Los arreglos de cuerdas son destacables.


inayuINAYU / Inayu

La voz de Juan Francisco Jijón, la batería de José Luis Vergara y el bajo de Fernando Vásconez, conforman la banda ecuatoriana de rock que acaba de lanzar su primer disco homónimo.
El álbum mantiene los sonidos de la ‘vieja escuela’ del rock, agudas guitarras que rodean cada uno de los temas evocan un estilo noventero donde la grabación en vivo del disco hace que se muestre más orgánico y sincero.
La defensa del medio ambiente es un tema muy importante para la banda, Juan Francisco también es abogado especialista en derecho ambiental, esto se refleja en algunas letras de sus canciones.


tripulacionTRIPULACIÓN DE OSOS / Robormiga 

Formada a principios del 2013, es una banda de rock que propone una nueva alternativa energética a la escena local quiteña.
Con matices de punk, melodías indie y riffs grungeros, nos brinda un despliegue de emociones en escena que les hará saltar de sus asientos.
Su música, y letra, reflejan desde lo cotidiano a lo surreal, oscilan entre la luz y la oscuridad sin complicaciones y siempre con un toque satírico e impredecible.


piesenlatierraPIES EN LA TIERRA / Sinergia 

Grupo de jazz-fusión, conformado por Cayo Iturralde, Raimon Rovira y Carlos Albán, se ha convertido en un referente musical en nuestro país gracias a sus 12 años de experiencia en producciones como “Pies en la tierra”, “Parte de”, “Shungo” y “Anomalía”.
Su quinto trabajo discográfico, titulado “Sinergia


jodamassaJODAMASSA  / Esteban Albino

Jodamassa se está convirtiendo en un referente de la música bien hecha en Cuenca y en el país, son jóvenes músicos que hacen música por convicción y amor.
Su tercer álbum Esteban Albino es un disco que demuestra el estado de madurez a la que ha llegado la banda, es un disco que maneja un concepto un tanto oscuro o depresivo, pero eso es parte del concepto mismo del álbum.


lespetitLES PETIT BATARDS / Inconcluso

Joven banda ecuatoriana integrada por jóvenes músicos que tienen entre 17 a 19 años, Lanzó su primer single Ficción.
Ellos forjan el paso de transición a una nueva generación musical en Quito
El grupo está integrado por Daniel Sorzano (vocalista), Tomás Villafuerte (guitarra/bajo), Esteban Ricaurte (guitarra y bajo), David Tapia (teclados) y José Miguel Fabre (batería).


totaldeathTOTAL DEATH / Inmerso en la sangre

Es sin duda la banda ecuatoriana de metal con mayor proyección internacional, con 24 años de permanencia.
Un álbum lleno de adrenalina y astucia que explora sonidos progresivos, metal, rock progresivo, doom (ya característico en la banda y un aderezo de shoegaze.
Emotivo, cautivante con matices certeros inolvidables


evhaEVHA / El Viejo Hombre de los Andes

Un disco que refleja nuestra forma de entender la música desde los elementos que nos componen: raíces ecuatorianas e influencias del resto del mundo.
El proceso de grabación, edición, mezcla y masterización del disco EVHA se encuentra desarrollado, contando con trece canciones inéditas terminadas y en un empaque acorde al concepto.


ElkarmasoEL KARMASO / El Karmaso

Este grupo ecuatoriano-italiano, que su música la definen como “tropical metal, ron’n’nbass”.
En realidad es una potente fusión con géneros musicales tan variados que se entrelazan creando un hipnótico cockttail sonoro entre metal, drum and bass, rap, electrónica y sonoridades latinas.
12 temas de disfrute total acompañan esta placa para oídos ávidos de sonidos diferentes.


mateokingmanMATEO KINGMAN / Respira 

Compositor y performer de la amazonía ecuatoriana que fusiona música tradicional latinoamericana con hip hop, rock y pop, buscando un equilibrio entre texturas orgánicas y electrónicas. Explora las nuevas sonoridades del mundo, pero también le gusta lo “viejo”. Experimenta con elementos latinoamericanos, tradicionales. Es un buscador entre lo que fue y lo que será.
Su álbum “Respira”, incluye 11 canciones que generan tres momentos con distintas sensaciones. El primero es más cósmico y shamánico. Expresa el lado más amazónico del cantautor. El segundo es más roquero y experimenta con ‘beats’ más fuertes y guitarras. Al final, los elementos de la cumbia amazónica y la bomba generan un ambiente más fiestero.

3-Franja

leer más
El rock no te paga con rock si eres mujer

Los mejores discos del 2015 / Por Vanessa Bonilla

LM2015-DiscosEn Plan Arteria nos complace presentar nuestra selección de lo mejor del 2015. Este especial  lo iniciamos con el listado individual de los mejores discos  del año según nuestros colaboradores. Durante las próximas semanas también compartiremos el listado de discos y canciones más destacadas de Ecuador.

LOS MEJORES DISCOS DEL 2015 por Vanessa Bonilla / @isadorabo

tripulacion10 | TRIPULACIÓN DE OSOS / Robormiga

Este disco lo compré en la feria de diseño de El Carpazo y luego lo circulé en el entorno de los amigos. Es uno de los discos del año, porque si bien aún le falta trabajo en sus letras, suena increíble. Es la compañía perfecta mientras se recorre la ciudad, tiene coros pegadizos y unos riffs que le dan una gran fortaleza sonora. Hay temas que no terminan de convencer o a los que les falta explotar, pero yo le tengo harta fe a esta banda. Escuchen: Cavernícolas Dando a Luz, En un espejo, Cumpleaños y Chinas hacen una pirámide en una bicicleta.


boogarins9 | BOOGARINS / Manual

Acercarse a la música de Brasil es siempre complicado, es como si fuese un país ubicado lejos de Latinoamérica, de nosotros, de los andinos. Retomar su literatura, su academia y sus sonidos debería ser una tarea pendiente desde este lado de la región. Boogarins es una banda que se destaca en vivo, sus riffs fuertes y ritmos post-bossa hacen que esta mezcla de fusión-psych pop y una composición más compleja cierre el círculo de una gran producción. Recomendación: Tempo, 6000 dias, Benzin y Falsa Folha de Rosto.


thechamans8 | LAS CHAMANAS / Once Once

La música fronteriza viene de la mano de Las Chamanas. Su mezcla musical es una muestra de lo que se cocina en la frontera mexicana, de la posibilidad de escuchar desde Los Ángeles Negros a The Flaming Lips (lectura recomendada: Paso del Nortec: this is Tijuana de José Manuel Valenzuela). Esta agrupación logra mezclar los ritmos latinos, algo de pop mexicano de los 70´s, la ranchera, el huapango y la música electrónica. No dejen de mirar los videos: Alas de Hierro y Purple Yellow Red and Blue.


sotomayor7 | SOTOMAYOR / Salvaje

Si hay algo que agradecerle este año a Spotify es que me presentó Cielo, de los hermanos Sotomayor. Estos mexicanos experimentan la fusión de sonidos primitivos con sintetizadores y una voz aguda y clara que le da un mágico brillo a cada pieza musical. Un pop atrevido mezclado con ritmos folklóricos y latinos te va llevando cadenciosamente por Salvaje. Su presencia en el Vive Latino no fue casualidad. Escuchen: Morenita, Sur, Selva y Poema


bombaestereo6 | BOMBA ESTÉREO / Amanecer

Manteniendo la fórmula de los sonidos caribeños fusionados con música contemporánea, Bomba Estéreo presenta Amanecer. Si en este 2015 no te enamoraste con Somos Dos y no bailaste con Fiesta, ponle play a este disco. Es un álbum alegre, que emana amor por todas partes, listo para bailarlo y mirar en la vida una oportunidad de felicidad. Parece un discurso un poco cursi, pero en el fondo es, más bien, un baño de sinceridad.


denver5 | DËNVER / Sangre Cita

Cuando escuchas el “Música, Gramática y Gimnasia”, no puedes más que amar a estos chilenos a los que, gracias a Bookthem, pudimos ver en este 2015. Sangre cita mantiene esas historias adolescentes, pero que luego de 10 años ahora los infiernos son más complejos, hay más fantasmas con los que hay que lidiar. La maldad de los beats techno-pop de los años ochenta, la intensidad de las letras que hablan de revivir de las crisis y levantarse, creer en la posibilidad de enamorarse intensamente, eso me deja Sangre Cita. Escucho una y otra vez el disco, sobre todo: El Fondo del Barro, Mai Lov, Noche Profunda, Los Vampiros, Sangrecita y Yo Para Ti No Soy Nadie.


nicolacruz4 | NICOLÁ CRUZ / Prender el alma

Es el primer artista ecuatoriano en firmar con el sello independiente ZZK Records, lo que muestra que Nicola está trabajando articuladamente en un proyecto de larga data, que se ha consolidado en este disco. Los sonidos de los paisajes andinos se insertan uno a uno mientras caminas por Prender el Alma. Lo más valioso y rescatable es que Nicolá no entra en la dinámica de folclorizar la experimentación sonora, sino que hay un cuidado por exaltar vivencias, reinventando eso que llaman “fusión” y darle un toque de originalidad, sin mayores pretensiones. Te encantará: La Cosecha, Colibria, La Mirada, Equinoccio.


diamante3 | DIAMANTE ELÉCTRICO / B

Esta banda bogotana se llevó el Grammy Latino como Mejor Disco de Rock en este 2015. Su rock & roll energético, lleno de psicodelia, melancolía y con algo de rabia produce un coctel explosivo. Hay que valorar que, apenas en su segundo disco, ya logran marcar un sonido propio. Escuchen: Todo va a arder, Kamikaze, Duele Como Yo y Olvidar es Divino.


natalia2 | NATALIA LAFOURCADE / Hasta la Raíz

Crecer junto a Natalia es recordar “Amarte Duele” y “Te Quiero Dar”. Con su quinta placa nos acompaña nuevamente en ese vaivén que es la vida, entre el dolor, el desamor, en levantarse, volver a amar y volver a amarse. Sus letras son cercanas y te conducen por el camino del llanto y también te ayudan a decir adiós a través de un pop-balada-folk hermoso que cautiva a medios mainstream y a la escena alternativa. Las canciones: Ya no te puedo querer, Hasta la raíz, Para que sufrir, Nunca es suficiente y Lo que construimos.


escenaindec1 | VARIOS ARISTAS / Escena independiente Ecuador

Uno de los productores más creativos y prolíficos de la escena ecuatoriana es Daniel Pasquel. Este 2015 presentó este experimento musical que reconoce a las bandas sonoras de una generación y las pone en la voz de otros grandes músicos, como un ejercicio de memoria histórica, de mirar al pasado y forjar un futuro. Un absoluto reconocimiento a la autogestión en la que esta escena se ha construido desde hace décadas. No dejen de escuchar: Camina Lento, Santita, El Viaje, Síndrome de Uppsala y Fin de Milenio.

3-Franja

leer más

Pin It on Pinterest