Hablamos con la banda colombiana para entender por qué hacer un bolero y confundir a todos sus seguidores sin morirse en el intento. Texto: Adrián Gusqui Les digo que es “una sopa”, pero se la juegan por ser específicos y quedan con que “es un sancocho”. De...
Por: Darío Granja | | @dxgranja
Todo comenzó como un ejercicio artístico de la universidad. De forma repentina se convirtió en un fenómeno viral gracias a un video. Los años pasaron, recorrió la región y grabó canciones con algunos de los exponentes más importantes del pop y rock en nuestro idioma. Ahora, busca en medio del caos, ser una de las voces más auténticas y frescas de América Latina.
En esta entrevista Esteban Matheus Williamson nos revela la identidad de Esteman, aquel antihéroe pop que de forma lúdica y con un puñado de hits busca reformular algunos estándares de la música latina y combatir los estereotipos que gobiernan el universo pop.
En muchas entrevistas has comentado que Esteman es tú álter ego. En ese sentido me encantaría saber ¿Qué diría Esteman sobre quién es Esteban Williamson?
Diría que es una persona muy perfeccionista y extremadamente sensible, algo que creo que se ve en las canciones. Que soy terco, muy obsesivo y adicto al trabajo, afortunadamente la música es algo que me ayuda a sacar esa parte racional y llevarla a través del arte en general. Y definitivamente diría que Esteban está influenciado por Esteman, y que Esteman está influenciado por Esteban.
Vienes a Ecuador a presentar tu segundo disco Caótica Belleza. De acuerdo a tus notas de prensa, este disco lo dedicas a Latinoamérica ¿Cómo fue tu acercamiento a la música latinoamericana para esta producción?
Fue un proceso muy bonito que viene desde Primer Acto, aunque en ese disco no estaba tan claro esta influencia, pero fue este trabajo el que nos llevó a viajar a festivales en México, Argentina y sobretodo a diferentes lugares de Colombia. Fue la música la que me dió ese acercamiento a diferentes culturas, al tema de compartir con otros cantantes de diferentes lugares de Latinoamérica y a untarme mucho más de géneros latinoamericanos que siempre me han llamado la atención pero que yo como músico no lo había experimentado. Por darte un ejemplo me influenció mucho el hacer música con Andrea Echeverri de Aterciopelados, que es una banda que a mi modo de ver logró integrar muy bien los ritmos y los sonidos propios de Latinoamérica con una propuesta rock. O también ver a Café Tacvba. Ese tipo de bandas me comenzaron a llamar mucho la atención y comencé a ser mucho más consciente de eso. Digamos que aunque sea un artista pop, estoy haciendo un pop alternativo que busca romper barreras, fórmulas establecidas, romper ese camino de lo calculado y de lo que es debido. Eso también me dejó Latinoamérica. Nosotros como latinoamericanos somos así, somos caóticos y fue esa caótica belleza lo que me hizo escribir el disco. Y no solamente hablando de la caótica belleza latinoamericana como esa identidad, sino también de una caótica belleza que a mi me define como artista, ya que soy un artista que nunca me ha gustado casarme con un solo género o influencia sino que me gusta deambular entre el negro y el blanco. Me gusta ser muy camaleónico.
En tus letras y declaraciones manifiestas una posición muy clara sobre la idea de ser un cantante pop masculino que está por fuera de los estándares prefabricados que en muchos casos maneja la industria musical. Si me gustaría que nos compartas un poco más sobre esta idea.
Digamos que ese siempre ha sido un tema importante para mi porque desde niño nunca me ha gustado seguir ese estándar. Siempre he sido el flaco que me ven en todos los videos y me encanta bailar libremente en diferentes canciones. Me impresiona que cantantes así sean muy pocos comunes en Latinoamérica. Entonces si es algo que me gusta resaltar. Y lo digo en mis canciones. No tengo la pinta de macho cabrón y nunca me interesará tenerla. Incluso dentro del mundo alternativo pasa, que siempre caemos en que los hombres tienen que ponerse a levantar chicas y demás. Obviamente yo juego con eso también pero lo hago desde un personaje, como lo hace Miguel Bosé, Adanowsky, Miranda o los mismos Babasónicos.
Sientes que esta idea de ser un cantante de pop atípico ha generado un efecto positivo en el público.
Si y mucho. Los que son muy seguidores de Esteman les gusta precisamente esa parte, porque hay canciones que hablan de aceptarse como uno es. Creo que es muy necesario porque vivimos todo el día mirando la televisión colombiana, la cual es terrible. Por ejemplo las telenovelas manejan un estereotipo de belleza que siempre es el mismo, los mismos videos de reggaeton son así. Incluso antiguamente en la industria de la música siempre se hablaba que cuando un cantante llegaba a cierto punto debía de verse y hacer algo de una forma específica. Creo que hoy en día las cosas han cambiado mucho, pero sin embargo en Latinoamérica o en el caso de Colombia estamos muy atrasados. Entonces no es que me quiera abanderar de ese tema, pero es una cuestión que me gusta aprovecharla, porque hay mucho para hablar al respecto y hay que hacerlo constantemente porque la televisión y muchos medios lo esconden, entonces está bien como sacarlo sin volverlo algo ridículo, sino hacerlo algo muy natural y espontáneo.
Pensaba que para muchas personas eres un artistas que tiene una postura bastante alternativa para ser pop, y quizás muy pop para ser alternativa. Quizás para mucha gente puede ser muy contradictorio esto.
Me ha pasado, esta pregunta me la han hecho porque la gente mismo lo siente. Hay canciones mías que en realidad son muy pegajosas, pero es porque me nacen de esa forma, no tengo más como explicarlo, es como que me fluye como artistas. Soy muy minucioso con las melodías, siempre voy a tratar de sacarle el máximo provecho a una melodía para que se me quede en la cabeza. Encuentro esa dinámica de pasar de un verso a un pre-coro que luego explote con el coro. Entonces ese carácter pop está clarísimos. Pero también me gusta tomar esa idea y desbaratarlo de alguna forma. A la final eso se ve en los show que hacemos. Yo tengo un grupo que me encanta que es Talking Heads, que me ha ayudado a integrarme con mi banda en el sentido que son grupos que por una parte son digeribles pero a la vez hay todo un concepto y una puesta de escena detrás. Admiro mucho la idea de juntar una propuesta escénica en particular, un personaje teatral con una gran voz. Eso me llama mucho la atención.
Por el éxito que tuvo ‘No te metas a mi Facebook’ me imagino que muchas personas simplemente te encasillan como aquel tipo del video viral. ¿Cómo fue superar ese fenómeno tan fuerte?
Pues yo creo que para mucha gente yo seguiré siendo el tipo de ‘No te metas a mi Facebook’ porque no han conocido más de mi música. Realmente esa canción nació con la misma idea y el mismo objetivo que salieron muchas otras canciones de ese momento. Lo que pasa es que era una canción que tenía ese doble filo. En mi cabeza era cómo “voy a hacer una parodia, me voy a burlar, voy a tomar a Esteman, que es mi antihéroe del pop para convertirlo en objeto de burla y burlarme de este tema”. Era puro sarcasmo. A mi no me importa que nadie se meta a mi Facebook y nunca me ha importado. De hecho lo que me preocupa mucho más es cómo hoy en día las generaciones cambiaron la forma de comunicarse. De pasar de algo tan real a algo que está completamente subido en una nube. Es una parodia de las nuevas generaciones, así de sencillo, ni siquiera es sobre Facebook. Lo que pasa claramente es que no deja de ser una sátira y es super pegajosa. Comprendo que haya gente que no lo entienda, nadie ha dicho que el sarcasmo es siempre claro. El buen sarcasmo es el que confunde un poco a la gente. Hay gente que definitivamente o no le interesa o no le gusto, y lo respeto. Pero para mi no dejó de ser una canción más que formaba parte de un repertorio que lo estaba construyendo en ese momento. Y también pasaba que en ese momento yo no hacía música que hablaba sobre mi, porque me daba miedo a nivel artístico. Ese fue un proceso que yo tuve que hacer. Esteman nació como un personaje desde que yo estudiaba arte en la Universidad de Los Andes en Bogotá y era una cosa que estaba atada a un proyecto de arte, música y performance. Así nacieron cuatro canciones de un demo. Todas tenían mucho humor y letras arriesgadas. Pero ‘No te metas a mi Facebook’ se comió todo. Fue como una bola de nieve gigante que creció. En ese momento yo estaba empezando. Pero después decidí ser muy fiel a lo que soy como artista y la misma música me lo fue demostrando. Yo empecé hablando desde lo colectivo y a medida que fue pasando el tiempo me fui quitando las diferentes capas de la cebolla hasta hablar de mi mismo y sacar esa parte que tengo, que soy muy sensible y muy romántico. Antes que ‘No te metas a mi Facebook’ ya existían muchas canciones que me han dado a conocer como: ‘Aquí estoy yo’, que canto junto a Andrea Echeverri o ‘Adelante’ que cuenta con la colaboración de Carla Morrison. Todas esas canciones ya existían, pero no hacían parte de lo que yo quería sacar en ese momento. Estaban guardadas en el baúl y todo fue saliendo poco a poco. Fue un proceso muy sincero de dejarme llevar a nivel artístico y no forzar las cosas.
Me gusta la imagen de un antihéroe del pop. ¿Qué piensa este héroe atípico sobre los vicios de una industria musical?
Es un asunto del cual me gusta hablar porque yo creo que para la gente que conoce la industria de la música no es secreto que tiene cosas muy dañadas y que están mal. Y yo trato de hablar sobre ello. El tema de cómo funciona la radio, que toca pagar para que a uno lo suenen o de lo que estábamos hablando, la idea de que algunas disqueras o empresarios exigen que un cantante se comporte de una forma para que se adapte a las necesidades del mercado. Pero la realidad es que vivimos en un mundo donde vemos que cuando una rompe esos esquemas a veces las cosas se dan mucho más. Porque la gente ya no traga un entero, la gente está un poco cansada de lo que siempre le ha vendido la televisión. Obviamente no todo el mundo. Seguimos viviendo en países que consumen lo que se venda en la novela. Pero llegó el internet y rompió un poco eso, rompió fronteras y la gente puede ver artistas que son humanos. Hoy en día estamos viendo como artistas pueden perfectamente llegar a grandes públicos siendo ellos mismos, con su físico y como son, dejando esa idea de que debo de vender la idea del Latín Macho romántico que siempre tiene que decir lo correcto. Pero es algo que lo estoy cuestionando constantemente. Afortunadamente he hecho muchos amigos en la música que piensan igual y uno encuentra ese escudo, esa unión entre los artistas que creemos en esto.
Vienes de una escuela que combina mucho una propuesta estética con lo musical, me imagino que eso se manifestará en tus conciertos en Ecuador…
Si, se va a manifestar la propuesta artística. Con mi banda tenemos un show preparado que es muy particular. Al inicio del show aparecemos todos bailando con unas máscaras. Hay un tema que está unido a las luces. En general es como un viaje a través de diferentes épocas y diferentes sentimientos. Hay canciones que son íntimas, otras que son de desamor, otras muy teatrales y otras muy sociales. A mi siempre me ha gustado la actuación. En general todos participan mucho moviéndose. Hay baile. La verdad no me queda más que decir que vayan al show en vivo. Creo que lo que más define a un artista es su concierto en vivo definitivamente.
A través de las redes sociales y la página de la legendaria banda The Rolling Stones se ha confirmado oficialmente las fechas y ciudades de su próxima gira latinoamericana que iniciará el próximo mes de febrero del 2016.
La banda londinense liderada por Keith Richards y Mick Jagger visitarán durante todo el mes de febrero e inicio de marzo los siguientes países: Chile, Argentina, Uruguay, Brasil, Colombia y México, en la gira que lleva por nombre América Latina Olé Tour 2016.
De acuerdo a la información publicada, los tickets para este tour estarán a la venta a partir del 9 de noviembre en: www.rollingstones.com
Revisa a continuación las fechas de The Rolling Stones en Latinoamérica:
03/02 – Santiago – Estadio Nacional
07/02 – Buenos Aires – Estadio Único de La Plata
10/02 – Buenos Aires – Estadio Único de La Plata
13/02 – Buenos Aires – Estadio Único de La Plata
17/02 – Montevideo – Estadio Centenario
20/02 – Rio de Janeiro – Estadio de Maracanã
24/02 – São Paulo – Morumbi
27/02 – São Paulo – Morumbi
02/03 – Porto Alegre – Estadio Beira Rio
06/03 – Lima – Estadio Monumental
10/03 – Bogotá – Estadio El Campin
14/03 – México DF – Foro Sol
Más información sobre América Latina Olé Tour en:
Por: Luisa Seif
Dos fueron las cosas que me sucedieron en cuanto entré al Teatro Colsubsidio de la ciudad de Bogotá lista para ver y escuchar la Marathon Masada para la que me venía preparando desde el 2014, cuando supe que sucedería. Lo primero que pasó fue la sensación de que estaba a punto de presenciar algo gigante, una emoción automática y lo segundo fue fijarme en la pulcritud del escenario, parecía de primerazo que había sido armado de manera muy meticulosa. Lo que presenciaría después solo confirmó que estaba en lo cierto.
He admirado a John Zorn profundamente desde que me lo presentó un amigo músico allá por el 2004 y casi simultáneamente pude verlo con él en el emblemático Tonic de Nueva York en su formato de Masada Cuarteto. Desde entonces, he seguido sus composiciones que llegan escasamente al Youtube y que no son precisamente fáciles de conseguir por otro medio.
Gracias a mi trabajo como productora tuve la oportunidad de conocer a este grande en 2012 cuando lo disfrutamos en el mismo formato que había visto ocho años atrás. Para mí, uno de los mejores conciertos que he tenido la oportunidad de producir.
Como era de esperarse, mis expectativas de la Marathon Masada eran las más altas pero definitivamente no estaba preparada para lo que se vino; momentos de emoción y euforia absoluta, de una perfección casi matemática. La manera en la que Zorn armó el repertorio no fue al azar y eso era evidente, los espectadores pasamos de un estado a otro con los distintos formatos y géneros, emocionándonos de diferentes maneras con la delicia de un trío de cuerdas o las voces a capella de Mycala para terminar con un Electric Masada a dos baterías. Una locura.
Cada formato que Zorn no dirigía tenía su propio director «encargado», alguien que yo imaginaba era el niñito de oro de este personaje, puesto ahí por puro mérito y confianza mientras Zorn esperaba en una de las patas del escenario, vigilante, atento, concentrado. Y poco a poco, quienes estábamos encantados con lo que estaba pasando, nos íbamos dando cuenta de cuánto sentido tenía todo: el orden, cada uno de sus formatos, el enfoque de todos los músicos que a veces se adelantaban al deseo del director, causándole una risa de satisfacción.
No creo que exista nadie que componga de la manera que John Zorn lo hace, no se lo puede encasillar en ningún género, su música te puede llevar a ver imágenes de una película inexistente o transportarte a una pista imaginaria de baile en la que todos saltan y se mueven en círculos, extasiados por los gritos potentes de un cantante de rock progresivo.
Mis sentidos jamás habían percibido algo tan profundo y es ahí cuando todo cobra sentido, vale la pena, cuando la vida y la música te transportan a lugares que desconocías de ti porque te mueven fibras que se asemejan a las cuerdas del cello de Erik Friedlander, del violín de Mark Feldman, a las notas absurdas de la pianista Sylvie Courvoisier, a la tremenda conexión entre el baterista Joey Baron y el percusionista Cyro Baptista o a la voz angelical de Sara Serpa y al canto trabajado de Sofia Rei.
Treinta enormes músicos en escena, unos naturalmente virtuosos y otros que han trabajado probablemente cientos de horas para llegar a la perfección. Imposible no salir con una enorme sonrisa, imposible no tararear la música del concierto días después de éste, sacarse las sensaciones provocadas toma tiempo y es mejor así, se siente bien porque encaja perfectamente con la cotidianidad.
Que dure unos días más, que no se vaya aún, quiero seguir sintiendo las cuatro horas que duró. No quiero moverme de ese estado de soundtrack de película. No hace falta cerrar los ojos para sentir porque quieres ver a los músicos, necesitas sentirlos reales, talvez si cierras los ojos desaparezcan y no quieres que desaparezcan. Vivirlo como una alucinación, como un sueño. Es mejor así…
Le espero para la entrevista, no llega. Felipe Andrés ‘María’ Lizarzaburu, vocalista de La Máquina Camaleón, parece ser de esos que piensan que el reloj solo es una aplicación obsoleta de los celulares que pasó de moda en los noventas. El camarógrafo con el que fui le quiere asesinar, se desespera y se va súper cabreado a sus otras coberturas y me hace prometer que le mande al diablo por demorarse. Nunca lo hice.
Felipe entra a la oficina, saluda y se sienta como si no hubiera pasado nada. Yo estoy al frente pensando en aquel dólar con 75 centavos que me cobró el taxista y que me hubiera ahorrado de no haber pensado que ya me atrasaba.
Empezamos a conversar, mi duda del peculiar nombre de la banda se despeja. “Al inicio íbamos a ser Camaleón -cuenta Felipe- pero luego vi que estábamos tan metidos entre máquinas que…”, claramente este detalle se complementó con la primera idea. La Máquina Camaleón usa muchos ‘aparatejos’, pedaleras, distorsiones y qué se yo que otras cosas más.
Lizarzaburu me explica que todo comenzó hace un par de años, cuando estaba estudiando música en Argentina, desde allí ya compuso la mayor parte de su primer disco: ‘Roja’. Luego vino a Ecuador y lo grabó en un estudio por Guápulo en poco tiempo y de forma un tanto casera.
La horda de chamos que La Máquina convoca es impresionante, talvez se deba a que algunos integrantes son mucho más jóvenes, Felipe me corrobora esta hipótesis ya que Martín Flies, el menor de la banda, solo tiene 16 años.
Los Camaleones están ‘pegando’ bastante y no se han dormido en aquella ‘famita local’ que suele destruir a las bandas antes de que salgan de su zona de confort; la semana pasada estuvieron en Bogotá y Cali, en otros festivales, luego de ‘graduarse’ del Quitofest. Vi las fotos en Facebook y parece que les fue de lujo.
El ‘frontman’ camaleónico también me contó que el próximo disco se llamará ‘Amarilla’, el espectro de la luz que va del rojo al ultravioleta será el determinante para los nombres de los siguientes discos de este quinteto, me asegura Felipe. Por deducción, supongo que un posible tercer álbum tendrá tonalidades verdes aunque, paradójicamente, pienso que será un trabajo más maduro…
Rock al Parque, uno de los festivales gratuitos más importantes de Latinoamérica, ha dado a conocer el cartel completo de su edición 2015 a realizarse el 15, 16 y 17 de Agosto en el Parque Simón Bolivar y la Media Torta, Bogotá.
Algunos de los actos internacionales más destacados para esta edición serán: Café Tacvba, Nortec Collective, Vetusta Morla, el regreso a los escenarios del power-trio A.N.I.M.A.L, Behemoth, Atari Teenage Riot, Nekromantix, Los Cafres, Sum 41 y Soziedad Alkohólika.
Entre el listado de bandas colombianas invitadas para esta edición se encuentran actos tan representativos como: Koyi K Utho, Providencia, Che Sudaka, Ataque en Contra, Dub de Gaita, entre otros.
Conoce más sobre la edición 2015 de Rock al Parque en: www.rockalparque.gov.co
Este 7 de Diciembre se celebrará la primera edición del Sónar en el continente latinoamericano. Este importante festival donde convergen la música, el arte y la tecnología llega a Bogotá con algunos de los actos más emblemáticos de la electrónica mundial.
Este sábado 20 de junio se ha dado a conocer la primera parte del line-up oficial del festival en su edición colombiana el cual incluye a dos referentes de primer orden de la electrónica mundial: The Chemical Brothers y Hot Chip. Adicionalmente, se han revelado las actuaciones de Bomba Estéreo, Brodinsky, Recondite, Evian Christ y Pional.
Más información sobre el festival en: www.sonarbogota.com
Este 28 de Febrero se realizará la primera edición del Festival Anaranjado Converse 2015, que se caracteriza por estrechar los lazos de las bandas de rock alternativo más representativas de la capital colombiana, acercando la música a públicos diferentes, y asumiendo el reto de tocar en un circuito de cuatro locaciones, en un lapso de 12 horas y en simultánea, como si de una carrera de relevos se tratara.
El evento parte de la necesidad de promocionar la música, no solo a través de un concierto, sino creando un circuito que se saliera de las estructuras tradicionales de la música en el país, al ser una iniciativa propia de las bandas participantes, que ahora deberán trabajar juntas, generando comunidad a través de la música.
Bandas en escena:
Para Andrés Toro, guitarrista de Oh’laville: “Todas son bandas amigas que han compartido tarima” y que “a pesar de la diversidad que existe, tenemos un tiempo presente muy parecido, partiendo de la música, el momento que atravesamos en nuestras respectivas carreras, y claro, la amistad y afinidad que existe”.
FESTIVAL ANARANJADO CONVERSE 2015
Fecha: sábado 28 de febrero
Hora: de 2 de la tarde a 2 de la mañana
Lugar: en 3 bares de la ciudad (Ozzy Bar, La Ventana, Smoking Molly) Bogotá