Opinión

Los mejores discos del 2015 / Por Raúl Arias

Los mejores discos del 2015 / Por Raúl Arias

LM2015-DiscosEn Plan Arteria nos complace presentar nuestra selección de lo mejor del 2015. Este especial  lo iniciamos con el listado individual de los mejores discos  del año según nuestros colaboradores. Durante las próximas semanas también compartiremos el listado de discos y canciones más destacadas de Ecuador.

LOS MEJORES DISCOS DEL 2015 por Raúl Arias / @bluepanik

La lista con más retornos que he escrito en mi vida. ¿Será que el mundo está empezando a sentir nostalgia?

chvrches10 | CHVRCHES / Every Eye Opened

Synthpop y más synthpop energetic y con encanto al mando de Mayberry y amigos. Nada mejor para alegrarnos.


jeanmichel9 | JEAN MICHEL JARRE /  Electronica 1 The Time Machine

No sabía de este disco hasta diciembre del 2015 en que un buen amigo me lo presentó. Un disco colaborativo en el sentido anticuado de la palabra, el de meterte al estudio con otra gente y no transferirte tracks vía internet. Con un crew de lujo, como Pete Townshend (The Who), Del Naja (Massive Attack), M83, entre otros pesos pesados. Este disco no le gustó nada a Pitchfork y a otros gurús de lo “hype”. A mi me pareció un discazo probablemente subvalorado de aquí en adelante.


escenaindec8 | VARIOS ARTISTAS / Escena Independiente Ecuador

Disco que nos sirve de puente entre los músicos independientes clásicos y los actuales. Reversiones interesantes. Quizá no se haga justicia a todo lo que ha pasado en 20 años, pero tampoco sería posible. Un esfuerzo notable sin duda. Lástima que su distribución sea limitada.


thearcs7 | THE ARCS / Yours Dreamily

Proyecto paralelo de Dan Auerbach de The Black Keys, grabado en algunos estudios legendarios como Electric Lady y Sound Factory y con una inusual y gran orquestación que incluye mariachis femeninos. Definitivamente recomendable.


Bjork6 | BJORK / Vulnicura

Un disco como los que hicieron que Björk sea Björk. Se lo podría colocar tranquilamente después del Homogenic en la cronología de la obra de la islandesa, no por sonar poco actual, sino por el tipo de melodías atrayentes e impredecibles de las que careció su material entre estas dos etapas. Gran regreso.


blurthe5 | BLUR / The Magic Whip

Última incorporación a esta lista, pero para mi de las más sólidas. Un discazo de regreso. Maduro, muy urbano (no en el sentido reguetonero sin duda) y directo. El helado chino de neón en la portada no puede estar equivocado.


slaves4 | SLAVES / Are You Satisfied

Fuerte, veloz, visceral y un llamado a tomar acción ciudadana, política, personal, acción en fin. Mejor imposible en mi perspectiva.


leonbridges3 | LEON BRIDGES / Coming Home

Tal vez demasiado mainstream para algunos, pero para mi un disco sentido, con soul y buen gusto, cantado y tocado impecablemente.


neworder2 | NEW ORDER / Music Complete

Nada especialmente novedoso, pero para qué, New Order tiene que sonar a New Order y este es el disco que más cumple en ese aspecto en años. Con canciones memorables y sonido entre melancólico y bailable. Lo vale.


faithnomore1 | FAITH NO MORE / Sol Invictus

Un regreso gigante, digno de una banda enorme. Su sonido es el mismo, pero con ideas mejor desarrolladas y más claras que en Album of the Year, claro, han tenido años para pensárselo. No es una vuelta de tuerca, no es una búsqueda de encajar en lo que suena ahora, es solo Faith No More, y eso es mucho.

3-Franja

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Los mejores discos del 2015 / Por Raúl Arias

Los mejores discos del 2015 / Por Pánico Films

LM2015-DiscosEn Plan Arteria nos complace presentar nuestra selección de lo mejor del 2015. Este especial lo iniciamos con el listado individual de los mejores discos del año según nuestros colaboradores. Durante las próximas semanas también compartiremos el listado de discos y canciones más destacadas de Ecuador.

LOS MEJORES DISCOS DEL 2015 por Kitty Endara y Alejandro Villavicencio / @panicofilms

nataliaNATALIA LAFOURCADE / Hasta la Raíz

Todos escribimos del y al amor, Natalia no es una excepción, ella escribe y pareciera que este se le sale por las puntas de los dedos. Hasta la raíz, explota la capacidad de hacer sentir al oyente, se puede tocar a la música y bailar con ella. Letras honestas, música ecléctica, que parece que se ha hecho recogiendo pedazos de corazones rotos. Además la producción va de la mano con las nuevas formas que tiene Lafourcade de mostrar audiovisualmente su producto. Sin duda el mejor disco en español.


alabamaALABAMA SHAKES / Sound & Color

Reviviendo el soul, llega Sound & Color, que desde el primer instante se siente un picazón en la pelvis, ganas de bailar y tener sexo casual en lugares prohibidos. Nuevamente Brittany Howard te acaricia suavemente, parece retrocer en el tiempo y juntar a miles de leyendas del blues en tres músicos, que trasmiten demasiada pasión.


ibeyiIBEYI / Ibeyi

Una mezcla intercontinental logra crear música maravillosa, la presencia de ritmos cubanos, letras en inglés, loops, un piano y dos hermosas voces que se han educado juntas desde el vientre materno. Franco-cubanas, las gemelas Díaz sorprendieron con un video transgresor (River), enganchan con composiciones muy viscerales y directas. Totalmente la revelación del año, pues llevan su música más allá de la producción y trasmiten transparentemente sus raíces.


tameimpalaTAME IMPALA / Currents

Currents explota el cerebro a cualquiera. Un disco lleno de baladas pop psicodélicas, cargadas de vocoder y arreglos brutales entre las teclas y las cuerdas. Sonidos sacados de un baúl lleno de fotos borrosas, mucho más relajado que sus anteriores trabajos, este disco deja en claro que Tame Impala seguirá entrando en nuestras cabezas con éxitos como ‘Let It Happen’ o ‘Cause I’m a man’ y darán de que hablar durante largo rato.


wilcoWILCO / Star Wars

Poderosos golpes de redoblante y la voz muy presente. Música que se escapa de aquel ‘folk’ que está de moda; ya con algún recorrido Jeff Tweedy consigue un una mezcla brutal de aquellas guitarras que recuerdan al primer álbum de la banda con algunos toques modernos.
Esa voz desgarradora que parece que nos cuenta historias fantásticas, consigue llevarnos durante 11 hermosas canciones.


escenaindecVARIOS ARTISTAS / Escena Independiente Ecuador

No puedo excluir este disco de esta lista simplemente porque me parece un trabajo maravilloso, la producción, la imagen, incluso la difusión es algo que ya no sucede muy a menudo. Un trabajo que se aplaude a leguas.
El motor de esta producción es la excelente y profesional interpretación de canciones iconos de la música alternativa ecuatoriana por nuevas (y no tan nuevas) caras de la ‘escena’ actual.


jodamassaJODAMASSA / Esteban Albino

‘Me entregue como se entregan los ratones al queso’ escuchaba la tercera canción de esta gran disco ecuatoriano del 2015, Esteban Albino. Se nota muchísima evolución en la música de Jodamassa; el sonido es uno, contundente y eso es lo que tanto gusta de este disco, logra atraparte pues es una riel de montaña rusa de la que no te puedes bajar, sonidos románticos a veces y rudos otras. Gran trabajo desde Cuenca, algo que se debe escuchar y procesar.


miamihMIAMI HORROR / All the possible futures

Debo admitir que es uno de mis favoritos, si bien no está en las listas estrella, el ritmo pegajoso comienza desde la primera canción, deliciosas voces en coro, samples y campanitas.
Música para bailar, Benjamin Plant y su banda logran mezclar con un toque original influencias como New Order y la electrónica de los 70s a la perfección.
Baladas electrónicas que se meten en los huesos, despacio y luego explotan.


battlesBATTLES / La di da di  

Suena como debería saber esa portada si es que la tuviéramos servida en un plato. El math rock es difícil de escuchar y digerir, pero una vez más este trio de locos logra como plastilina molder el cerebro. Helmet, Tomahawk y Don Caballero a su manera crean sonidos que se van fuera del entendimiento.
Han usado La di da di para evolucionar, unas cuantas escuchadas a este disco para poder entender que siempre menos es más.


sufjanSUFJAN STEVENS / Carrie & Lowell

Para escuchar solo, es buena la soledad y Sufjan Stevens nos da un discazo para disfrutarla. Melancolía total, recuerdos y ese nuevo folk que logra derramar unas cuantas gotas de esperanza en la música actual.
Entre claro y obscuro se debaten las canciones de Carrie & Lowell, bastante instrumental y con al acompañamiento de coros y voces suaves, sin duda un disco lleno de emociones.

3-Franja

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Los mejores discos del 2015 / Por Raúl Arias

Los mejores discos del 2015 / Por Carlo Ruiz

LM2015-DiscosEn Plan Arteria nos complace presentar nuestra selección de lo mejor del 2015. Este especial  lo iniciamos con el listado individual de los mejores discos  del año según nuestros colaboradores. Durante las próximas semanas también compartiremos el listado de discos y canciones más destacadas de Ecuador.

LOS MEJORES DISCOS DEL 2015 por Carlo Ruiz / @escuchaestoec

camilaCAMILA MORENO / Mala Madre

Una sugerencia de un servicio de streaming me lanzó el tema Tu Mamá te Mató, que me enganchó inmediatamente. Mala Madre es un gran disco, en donde ronda una constante melancolía que se rodea de sonidos muy atmosféricos, con algunos guiños a la música de Radiohead. Da la impresión que Moreno tiene la urgencia de cantarnos sus canciones, y aunque suene contradictorio, su dinámica administra inteligentemente el progreso de un trabajo muy interesante y lleno de calidad. Sus letras, a excepción de la melcochosa Sin Mí, son muy inteligentes y trabajadas. Escúchenlo tranquilos, que no hallarán en él arengas anticolonialistas.


christianCHRISTIAN SCOTT / Strech Music

Luego de todo lo que dejó Miles Davis, uno puede pensar que pasará mucho tiempo hasta que alguien más llegue a la escena del jazz con sonidos innovadores. Sin embargo, Christian Scott desafía estas predicciones desde hace algún rato, y nos entrega Strech Music, al que describe como un intento de “estirar” al jazz tal como lo conocemos, para que en él puedan caber otros ritmos y melodías. Este disco ha sido un descubrimiento maravilloso, un experimento exitoso a más no poder. Escucharlo es interesante y divertido. Sin duda logrará enganchar inmediatamente a oídos expertos y novatos con un sonido amigable, cosa que en este género con la reputación de complicado, se aprecia. No dejen pasar la oportunidad de escuchar uno de los discos más interesantes que han salido este año. A los escépticos y curiosos, recomiendo en especial los temas West of the West (que nos recuerda a Miles Davis), The Corner y The Horizon.


kamasiKAMASI WASHINGTON / The Epic

El relativamente desconocido Kamasi Washington entregó durante el 2015 un disco muy importante para el jazz. El disco (dividido en tres partes con casi tres horas de duración) es impresionante de principio a fin. El trabajo se sustenta solo, con mucho dinamismo y variedad en los temas que Washington presenta, y en donde mezcla algunos estilos de jazz, canciones propias y y uno que otro standard. Esa variedad hace que The Epic sea una maravilla que de seguro los amantes del jazz escucharán de un tirón (y varias veces), y que de seguro interesará a los no tan iniciados en un género complejo y no siempre muy amigable. Creo que este trabajo será de lo mejor de la década, y se convertirá en un clásico, en uno de los géneros más complejos y difíciles de la música.


kendrickKENDRICK LAMAR / To Pimp a Butterfly

Este disco es una catedral, construido sobre las geniales líricas que en su conjunto representan todo un manifiesto de muchas de las cosas que ocurren en Estados Unidos: su sociedad y el racismo, sus miedos, inseguridades, historias personales difíciles (como lo demuestran los temas u y I). Lamar deja todo su corazón y entrañas en un álbum donde la música es extraordinaria, sus ritmos llevan al escucha por una montaña rusa donde un prodigioso rapeo, el jazz y el rythm n’ blues encantan minuto tras minuto. Este disco dio mucho de qué hablar a lo largo del año, tanto por su contenido social y político así como por su calidad musical, en donde no se puede separar la trayectoria de Lamar y su contexto (la ciudad de Compton en Los Angeles), que se extrapolan a la situación de un país y un artista. Sin duda uno de los mejores discos de este año y probablemente de la historia del género, que de seguro interesará incluso a quienes no le han dado un chance al hip hop y el rap.


legsLEGS / Altitud

Financiado colectivamente mediante una exitosa campaña de Kickstarter, nos traen su primer larga duración grabado a mediados del año pasado en la ciudad de Quito. Altitud mantiene la alta vara de calidad, originalidad y groove que su EP antecesor. La música de LEGS es muy energética, moderna y pegajosa gracias a su capacidad para escribir ingeniosas melodías, las cuales sumadas a la peculiar y cuidada voz de su vocalista Tito Ramsey, generan canciones que inyectan el ritmo del disco, el pop y el funk directo a la vena. El disco arranca con temas bailables y energéticos como el primer sencillo Top of the World, para volverse más introspectivo a medida que avanza con temas como East River Dance y Let’ em Go, en donde incluso encontraremos unos guiños al math rock en el tema que cierra al disco You Are.


nataliaNATALIA LAFOURCADE / Hasta la Raíz

Siempre da gusto rencontrarse con los ya usuales arreglos de vientos que acompañan la dulce voz de Lafourcade. Su permanente inquietud la ha llevado a producir discos muy interesantes a lo largo de su carrera. Este talento suyo para la música se reafirma en este disco que transita por el pop y el folk con un gusto impecable, letras bien trabajadas y arreglos de excelente calidad. Las canciones abarcan un espectro muy variado, lo cual hace que escucharlo sea entretenidísimo. Todo esto, configura un pop de gran calidad y originalidad, en donde ronda una onda setentera como de banda sonora de película vintage con imágenes sobreexpuestas. No se pierdan este gran disco que trae variedad y calidad en la voz de la mano de una de las artistas más talentosas que existen en la escena actual. Destacan las canciones No Mas Llorar, Hasta la Raíz, Mi Lugar Favorito, Nunca es Suficiente y Te Quiero Ver.


sufjanSUFJAN STEVENS / Carrie and Lowell

Escuchar este trabajo de folk produce una mezcla de tristeza y melancolía muy fuerte, que sólo se apacigua con la música que conforta y acompaña la catarsis del autor. Stevens nos cuenta sobre su vida, su madre ausente y su propio proceso para sobreponerse y seguir. El resultado: una obra maestra que muestra a un hombre que ha logrado estar en paz consigo mismo y con su historia, y en el camino, nos regala un álbum delicadamente compuesto en donde las letras llenas de historias dolorosas han sido puestas en perspectiva para evitar así caer en el cliché emo. La música es dulce, mínima y acogedora, casi difícil de asociarla con las historias duras a las que acompañan. Espero de corazón que este monumental disco de Stevens no haya drenado todo su talento y genio para componer música y letras tan definitivas y completas. Destacan Death with Dignity, Should Have Known Better,Fourth of July y John My Beloved.


tameimpalaTAME IMPALA / Currents

Debo confesar que cuando escuché el anterior disco Tame Impala, Lonerism (2012), no entendí mucho el revuelo que causaba y el éxito que tuvo en el círculo melómano. Cuando vi que Kevin Parker, líder de esta banda, había lanzado su nuevo trabajo titulado Currents, me dio curiosidad. Lo escuché y me enganché inmediatamente. Se trata de un disco genial, que rescata algo que siempre se agradece encontrar: constante reinvención y búsqueda de sonidos nuevos. Tame Impala muta sensiblemente el sonido de sus anteriores trabajos, alejándose del sonido indie (el medio empieza a saturarse de propuestas en este género, haciéndolo sonar genérico) para acercarse al synth pop y al disco. Casi nos hacen olvidar la naturaleza introspectiva y fuerte de sus letras que hablan de cambios y rupturas.


wilcoWILCO / Star Wars

La banda Wilco es una de las bandas más sagaces que conozco. Con cada disco que sacan, se sacuden de encima cualquier etiqueta de género musical que la crítica quiera imponerles. Star Wars, que puede engañar con una de las portadas más feas que he visto en mi vida, incluye música que demuestra todo lo contrario. Me atrevo a decir que en esta ocasión, han creado el disco que hubiera resultado de un encuentro entre la Velvet Underground y Los Beatles. Star Wars es un gran disco: divertido, inteligente, con la dosis precisa de sonido indie, rock y folk en partes iguales que hacen que uno se dé cuenta que es corto (un poco más de treinta minutos), pero suficiente para querer darle repeat. No se pierdan este gran trabajo, en el cual los mejores temas son More, Random Name Generator, PIckled Ginger y You Satellite.

3-Franja

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Los mejores discos del 2015 / Por Raúl Arias

Los mejores discos del 2015 / Por Carla Vera

LM2015-DiscosEn Plan Arteria nos complace presentar nuestra selección de lo mejor del 2015. Este especial  lo iniciamos con el listado individual de los mejores discos  del año según nuestros colaboradores. Durante las próximas semanas también compartiremos el listado de discos y canciones más destacadas de Ecuador.

LOS MEJORES DISCOS DEL 2015 por Carla Vera

Corazones rotos. Raíces y folclor mezclados con bases electrónicas. Chicas que rockean y rompen todo. Regresos y debuts. Este año estuvo lleno de contrastes musicales, de magia y de colores. Esta no-tan-meticulosa selección es como un camino, una metamorfosis, pasa del capullo del desamor hasta las alas del baile…

pascuala10 | PASCUALA ILABACA & FAUNA / Rey Loj

Solos de piano, violines, acordeones… Folclor latinoamericano con un toque místico y seductor fusionado con jazz, rock y música de La India (Ilabaca estudió canto con Pandith Pashupatinath Mishra), todo eso marca la personalidad de Rey Loj, un disco dinámico, lleno de sorpresas. Las influencias de la chilena Pascuala Ilabaca son amplias, variadas y eso se refleja en un álbum que pasó desapercibido este año pero que es una verdadera joyita para los sentidos.


 tameimpala9 | TAME IMPALA / Currents

Kevin Parker tiene una fórmula infalible para hacer hits pegajosos: riffs repetitivos mezclados con melodías simples. La evolución sonora de Tame Impala en Currents no es drástica, pero funciona. Let It Happen –por ejemplo- es un tema que se acerca mucho al terreno musical que Tame Impala pisó en Lonerism (su mejor disco hasta la fecha) e InnerSpeaker. La –ahora- trilogía musical tiene a la soledad y al corazón roto de Parker como hilo conductor en cuanto a las letras, a los falsetes como insignia vocal y a los espirales psicodélicos como un camino sonoro que se recorre una y otra vez, una y otra vez y que, por alguna extraña razón, sigue pegando, sigue teniendo éxito, aún no marea.


jamiexx8 | JAMIE XX  / In Colour

“Good times, good times” promete una de las mejores canciones del disco y –desde la tapa- pinta atmósferas coloridas y un mood up-tempo para irse de fiesta y olvidarse de todo. In Colour es una obra maestra electrónica que fusiona el house de la vieja escuela con samples perfectamente colocados y colaboraciones exitosas que solo pueden dar resultados que vuelan la teja.


natalia7 | NATALIA LAFOURCADE / Hasta la Raíz

Natalia recoge los pedacitos de su corazón roto en Hasta la Raíz. En él acaricia las cicatrices que le dejó el desamor y sana a través de la música. Su disco se construye sobre una base pop-balada que lo hace sumamente nostálgico, a ratos oscuro. Pero también hay matices de color. Haber repasado y estudiado la carrera musical de Agustín Lara la influenció para componer y escribir letras profundas. Hasta la Raíz es una metamorfosis de amor, desde los momentos rosas y felices hasta cuando todo se rompe, se deshace, muere y renace. Con su disco, Natalia de seguro ayudó a reconstruir más de un corazón…


evha6 | EVHA / El Viejo Hombre de los Andes

Pasado en el presente. Sonidos ancestrales con un toque de modernidad. Un viaje mágico a las regiones de Ecuador a través de la música. Eso es el disco homónimo de EVHA. El Viejo Hombre de los Andes desempolva sonidos enterrados en las montañas, moderniza lo tradicional con un toque nostálgico, pero lleno de colores. En el disco hay samples de sanjuanitos, pasillos y boleros. Hay influencias musicales de la bomba contrastada con beats pegajosos. La percusión es el punto alto del disco en todas sus canciones. Caminar a donde sea, Llevo en el pecho flores y Uiuí son magia pura.


kendrick5 | KENDRICK LAMAR /  To Pimp a Butterfly

Teatral, dramático, visceral… En To Pimp a Butterfly hay contrastes sonoros. Hay hip-hop, rap y tonadas jazzeras. Líricamente, bombas estallan a través de palabras, de versos que elevan una protesta social evidente, un llamado a vivir con un propósito claro. Este es uno de los mejores productos musicales que Kendrick Lamar ha lanzado y, por esa honestidad desgarradora, uno de los mejores lanzamientos de este año.


courtneybarret4 | COURTNEY BARNETT / Sometimes I Sit and Think, and Sometimes I Just Sit

¿Quién dijo que a los 28 una chica debe tener su vida completamente encaminada? El debut discográfico de la australiana Courney Barnett es un relato cantado de situaciones cotidianas que pasan una o varias veces en la vida (como pensar en la persona amada, a la que obviamente aún no se puede superar, mirando al techo, observando a luna ¿a quién no le ha pasado?). Con poderosos riffs y una voz monótona, Barnett hace que las contradicciones de la vida moderna sean poderosas, estéticas y atractivas. Pedestrian at Best es una de las mejores canciones del disco y un grito que le dice “jódete” a la crítica, a las expectativas que la sociedad deposita en una mujer super passive aggressive a la que es imposible no amar. ¡Courtney rockea!


Bjork3 | BJORK /  Vulnicura

Incomoda, rasguña cicatrices, engancha, envuelve… Vulnicura es una poética y estética oda al desamor. Bjork presentó este año uno de sus discos más catárticos. Vulnicura es extremadamente crudo y visceral. Habla de las heridas que le dejó una separación y las combina con melodías que no se alejan mucho de su emblemático sonido. Stonemilker y Lionsong son las canciones imperdibles que conquistan con su honestidad.


alabama2 | ALABAMA SHAKES / Sound & Color

Brittany Howard lidera una banda en la que su voz es la protagonista indiscutible. Tiene aires de R&B a ratos, de blues, de góspel… Está cargada de energía y de feeling, es versátil y seductora; es rockera y desgarradora. Alabama Shakes salió de su zona de confort con Sound & Color y explora rumbos sonoros con solos eléctricos más arriesgados, letras más furiosas y canciones más potentes. Las perlas: Give Me All Your Love, Gemini, Future People y Sound & Color.


nicolacruz1 | NICOLÁ CRUZ / Prender el alma

Prender el alma es un disco que transforma, que transmite, que transporta, que sana. Es un álbum sentido, importante por el amor con el que se construyó… La meticulosa investigación sonora del productor Nicolá Cruz lleva a un colorido viaje por volcanes, montañas, lagunas y playas. Las 10 canciones que lo conforman emocionan, conmueven. En ellas se pintan paisajes color tierra decorados con cantos, rituales, ritmos guiados por una percusión magnífica… Prender el alma es un disco significativo, además, por la notoriedad que le regaló a la música ecuatoriana este año. Por eso, es el lanzamiento más importante, conceptual y prolijo de este año. ¿Las mejores canciones? Sanación, Colibria, La Cosecha y Puente Roto.

3-Franja

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Tripulación de Osos | Robormiga

Tripulación de Osos | Robormiga

Por: Raúl Arias, Carlo Celi y Darío Granja

robormiga-02El primer disco de Tripulación de Osos tiene un bonito quehacer sonoro detrás, suena agradable y disfrutable a priori, sin embargo colocar sonidos chéveres y arreglos con musicalidad uno detrás de otro, combinados con palabras no hacen una canción y difícilmente un disco. No uno importante al menos.

“Esta banda se iba a llamar Robormiga” es la frase que abre el primer tema que da nombre al álbum y marca el nivel de las letras a lo largo del mismo.

Robormiga da la sensación de empezar fuerte, el poder de la distorsión es aparentemente generoso con guitarras que emulan a ratos (casi siempre, vaya) el estilo de varias bandas conocidas. Se podría decir que los tres primeros temas; ‘Robormiga’, ‘En un espejo’ y ‘Fantasma’, son los hijos perdidos entre Foals, y alguno de los guitarristas de Arctic Monkeys. Mientras que sus voces recuerdan a esos ya viejos Strokes, lo que nos hace pensar que musicalmente, Tripulación de Osos tiene una cercanía demasiado grande y boquiabierta con los referentes cool de la escena “indie-pop” contemporánea mundial, y esto le incapacita de entrada a articular un sonido propio.

Habría que ver que tan complaciente e indulgente resulta su fanaticada, ya que la banda obviamente lo fue. Esta falta de identidad y constante tránsito entre sus influencias de manera poco propositiva nos parece más propio de una banda de covers, una muy eficiente y sólida, eso si.

Luego de la triple intro llega un poco la calma, ‘Corriente aparente’ se toma un momento para reflexionar sobre calles y existencialismos. Tiene un sonido que destaca de los otros temas y vocalmente busca su propio espacio. La voz de Mauro Samaniego trata de acoplarse a las distorsiones y escapar de la tranquilidad de ‘Da Pawn’, aunque sin dejar su estilo de vocalización ‘arrastrada’ tan indie, tan cool y tan impostada, en que se siente que, a pesar de tener una de las mejores voces masculinas de las bandas ecuatorianas contemporáneas, y de ser muy capaz de crear melodías coherentes e interesantes con ella, aún no se ve confortable ante un micrófono.

Ya casi en la mitad del disco asoma acertadamente ‘Cumpleaños’, que tiene la capacidad de transportarnos por varios momentos emocionales reales. Es una de las mejores del álbum; composición lenta y melodiosa con punteados esporádicamente distorsionados, lo que le da una interesante fuerza que no se apura y calma. Los cambios a séptimas le dan un aire nostálgico e irónico. Definitivamente es un sencillo para repetirse. “Abrazo al enemigo”, nos gusta esa frase.

No hay duda de que hay canciones con potencial, pero en conjunto el disco nos transmite vacío, falta de contenido real, como si no hubiera algo más allá que su apuesta estética, lo que le quita una relevancia que la supuesta “escena independiente” debería aprender a buscar o al menos entender y no huir de ella. Que hay un universo más allá de uno mismo, de los amigos y del viciado, autorreferente, suburbano y bucólico entorno, sería el mensaje posible.  Así mismo hay canciones que un productor / editor serio no pondría ni en broma, como ‘Consumidor Final’, que no dice nada por ningún frente.

El ritmo general del disco decae, pierde el efecto novedad y empieza a entrar peligrosamente en el terreno de ruido de fondo, más o menos a la altura de ‘Chinas hacen una pirámide en una bicicleta’. Aunque no hay que negar que el título del tema es bueno.  Sin embargo, hay partes que con un poco más de riesgo y menos complacencia y miedo al público, hubieran podido llegar a ser verdaderos clásicos. Faltó volumen y valor. Atención en este apartado a ‘Cavernícolas Dando a Luz.’

El outro del disco comienza con ‘Cavaletti’, al fin una lírica que cuenta algo. ‘El piloto comprometió la integridad física de la caja negra’ cierra decentemente el disco, y aunque no funcionan los fundidos instrumentales, el posterior coro armónico de voces ayuda mucho. Al final el tema encuentra algo de la originalidad diluida entre tanta influencia.

El disco tiene tres momentos; “energético” bailable al inicio, una mitad más tranquila y la tercera parte donde se desenganchan de la propuesta inicial, es como una microevolución en encontrar el sonido de la banda que no logra cuajar, pero que al menos tiene la virtud del intento.

Robormiga, sin problema pudo dividirse en tres “EP” razonablemente buenos. La voz es el hilo conductor del álbum y también, su “novedad” sonora que a estas alturas tiene mucho de lugar común. Las enganches: ‘Cumpleaños’, ‘Cavaletti’ y ‘En un espejo’.

En Robormiga hay un clima descomplicado, libre. Música para no ser tan serios. Sonidos que nos aporta velocidad y algo de furor. Efervescencia para llenar nuestros oídos y producir placer. Espuma que ocupa todo el espacio y que nos divierte, pero que con el paso del tiempo va perdiendo cuerpo y deja un extraño vacío, alejado de la esencia de un rock urgente y necesario en un momento-mundo Huxleyano, en que no faltan los placebos y alternativas de evasión, alejado también del concierto de antro y de todo lo que implica tomar posición ante la vida, un disco que tal vez representa una escena, no una comunidad.

De forma general el primer disco de Tripulación de Osos es un álbum de fácil escucha, con todo lo que ello significa. Música para olvidarnos del entorno, sumergirnos en 11 temas efectivos de rock dispuesto para entretener. Canciones con capacidad de agitar el cuerpo, pero que no pasa de eso. Por más alto que subas el volumen, por más ruido que genere…

Tripulación de Osos es:
Juan Andrés Bustamante (Guitarra & Voz,), Luis Alberto Cisneros (Bajo), Sebastián Jaramillo (Bateria), Mauro Samaniego (Guitarra & Voz)

Robormiga:

Producido por Tripulación de Osos
Ingeniero de Grabación: Marcelo Suárez
Asistente de grabación: José Gabriel Villamar
Mezclado por Miguel Ángel Espinoza de los Monteros
Masterizado por Xavier Muller en Graba Estudio
Fotografía por Xavier Muller
Diseño por José Vergelin

Quito, Ecuador
2015

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Nicolá Cruz | Prender el Alma

Nicolá Cruz | Prender el Alma

nicola_cruz-01Prender el Alma, es el primer disco de Nicolá Cruz y, para quienes no conocen a este músico / productor y piensen en la electrónica como algo fácil y cerrado en sí mismo, se equivocaron. Este disco tiene la virtud de reinventar y desmarcarse de un montón de malos entendidos de género al darle un aire reflexivo y local que sin caer (al menos no de forma notoria o poco honesta) en un estandarte de “étnico” o “de exportación” fusiona sonidos primordialmente andinos con síntesis bien lograda y para nada invasiva.

Este proceso empezó en el 2013 y aparentemente ha sido producido de a poco, yendo para atrás y para delante de nuevo, buscando un lugar para cada elemento, sin forzar ese sentido ecuatoriano y sudamericano, que es todo un reto, ya que caer en el folclorismo o en la apropiación indebida o irrespetuosa siempre es un riesgo que, a mi juicio, Nicolá Cruz ha evitado elegantemente.

“Así fue el proceso de Prender el Alma: muy inocente, sincero, sin vicios exteriores ni pretensiones. Aproveché para trabajar con mucha gente que siempre he admirado. Me gusta la idea de colaborar porque dejas el egoísmo de componer algo tú solo y lo compartes con alguien más, como con el caso de todos estos colaboradores.” Dice Cruz, antes de contarnos que su disco está filtrado principalmente por la música de Imbabura, a la que él considera una de las que mayor personalidad y color musical tienen en el continente.

Disco con múltiples posibles escuchas de acuerdo al momento personal y que ha sido trabajado con esmero, investigación y respeto, con gran influencia de Enrique Males, músico compositor originario de Imbabura, que a sus 71 años fue no solo fuente de inspiración, sino de fragmentos del mismo, músico por el que Cruz siente gratitud y que este disco es una forma de expresarla.

Podemos hablar de dos ambientes y dos momentos de producción, partes un poco más crudas que otras especialmente donde predominan los sonidos andinos, sin sobreproducción, de forma natural. Y otro acercamiento un poco más electrónico y bailable sin llegar jamás a un tempo apresurado. Al apreciar el disco, todo depende de los gustos personales, pero a mi me resulta refrescante una música electrónica no rebuscada, simple, que amplifica sus posibilidades expresivas más allá de las convenciones de género.

En lo complicado que es entender los elementos multiculturales que nos constituyen, “experimentar rituales y ceremonias que nos lleven a lugares un poco más allá que los mundanos, simplificar las cosas”, requiere de una sensibilidad especial, y este disco transmite eso justamente.

Entonces, a pesar de ser una propuesta que no viene desde dentro de esas raíces, sino desde un observador, no pierde validez como ejercicio de exploración. Creo que este disco no va por el lado del folclorismo fácil y rentable en mercados externos sino que hace una búsqueda informada de sonidos regionales.

No se si es casual que algunos de los mejores discos de los últimos dos años sean concebidos desde un poco de tradición bien mezclada con nuestra realidad contemporánea y urbana, pero desde una perspectiva de compartir y no de banalizar estos relatos. Iniciativas así nos llevan a descubrir una porción de música independiente dispuesta, por lo menos en intención, a huir de lo fácil y del cliché. No solo porque tenga sonidos tradicionales ni apele a raíces que históricamente hemos estado más afines de negar o excluir, sino por lo complejo de su apuesta en un “mercado” local en que este tipo de música es visto desde una perspectiva alienada y lejana.

Una evolución no tan esperada pero muy agradecida en la electrónica local, algo disfrutable y bailable si uno puede moverse en tiempo lento. No se que tan pensado para afuera, pero elaborado desde acá.

Toda la música compuesta y producida por Nicola Cruz, grabado en Envlp Studios.  Con las colaboraciones de Victor Murillo, guitarra y vientos en ‘Puente Roto’ y vientos en ‘Prender el Alma’.  Charango y Vocal samples en ‘La Mirada’ por Teodoro Monsalve.  Guitarra en ‘Cumbia del Olvido’ por Rodrigo Capello.  Voz y letra en ‘Colibria’ por Huaira, guitarras por Teodoro Monsalve, bajo por Nicolas Davila.  Voz y letra en ‘Equinoccio’ por Huaira, guitarras por Rodrigo Capello, bajo por Sebastian Rubiano.  Voz y letra en ‘Cocha Runa’ por Tanya Sanchez.  Masterización por Sebastian Cordovés.

Fotografía: Gabriel Pérez MoraBowen

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Los mejores discos del 2015 / Por Raúl Arias

El derecho a poner reggaetón

lunesexyheader«Aquí ‘estar down’ significa irse ‘hasta abajo'». Y ahí tienen una de las mejores líneas de marketing de un grupo guayaco. Lunes Sexy [Jaime Nuñez del Arco y Eduardo Vélez] mezcla «El gato volador», Pulp, imágenes de Magneto [el grupo], videos de aeróbicos de los 80 y tiene el nombre de banda nacional más bacán que he escuchado desde Noise de Ginatta. Aunque terminaron haciendo un análisis sociológico del derecho que todos tenemos de poner y bailar reggaetón y la «discriminación y encasillamiento» dentro de la música, ver a Lunes Sexy en vivo seguramente debe ser tan bacán como tener sexo un lunes.

[PD. El 50% de mi Spotify es In Flagranti, Patrick Cowley y The Flirts]

¿Qué son? ¿Qué hacen?

Eduardo Vélez:
Es difícil definirlo: no somos DJs, peor aún músicos.
Los dos somos diseñadores.
Los que no son músicos, son críticos de música…

EV:
o escriben sobre música,
en blogs de música, jaja.

Jaime Núñez del Arco: Nuestro proyecto se llama Lunes Sexy porque desde el inicio lo conceptualizamos como un asunto entre lo sensual y sexual, en onda bailable, y con ritmos locales.
Cuando hablo de locales, hablo desde tecnocumbia hasta Milli Vanilli, música que es parte de nuestro imaginario.

EV: «We are electronic performers», como la canción de Air.

¿Sensual no es lo mismo que sexual, entonces? [Otra casi referencia a Spinal Tap. Vayan contando.]

JNdA: Lo sexual es una manifestación más cruda de lo sensual: mensajes más directos con respecto al cuerpo y al acto sexual en sí. Es algo que de todas maneras lo tratamos de dosificar y enfocar de manera inteligente, sin volverlo algo cliché y literal. Generalmente, lo sexual viene incluido en las letras de los tracks o en un sample o en el mismo ritmo que utilizamos como base para nuestros mashups. Es subliminal.

EV: O incluso en lo que la gente entiende como «reggaetón»: reggaetón = sexo.

¿La gente entiende toda esa explicación sociológica? Todo el mundo va a » tropezarse sin querer» con otras personas y a chupar.

JNdA: La música se asimila, no se intelectualiza. El público consume directamente lo que escucha y el objetivo final es que bailen. No buscamos mucho más que eso.

EV: A veces Jaime y yo sí intelectualizamos sobre estas cosas, por ejemplo, el «derecho» o pertenencia a tocar reggaetón. Mi exesposa me mandó un mail diciendo que era una vergüenza porque ahora tocaba reggaetón. Creo que el mejor momento de mi vida reciente fue cuando pusimos «El gato volador» y la gente respondió.

JNdA: Es interesante analizar el encasillamiento y discriminación que sufre un espacio que se lo considera tan amplio y democrático como la música. Hay gente que hace hip hop en Guayaquil que son unos genios, pero jamás los van a programar en un espacio de Las Peñas o Samborondón, simplemente porque: 1. Hacen música «urbana», y 2. Porque son de Las Malvinas. Eso lo extiendo hacia el comentario de Eduardo: pusimos «El gato volador» en nuestra primera tocada y eso se volvió un tema de «Lunes Sexy vale verga porque son unos manes que ponen reggaetón». Obviamente, ese rechazo es el primer paso a tener algún tipo de éxito: estás marcando un territorio, una filosofía y una estética y de ahí no te saca nadie. Luego la gente lo empieza a aceptar… ¡Al menos eso espero!

EV: Para muchos «manes» de la escena electrónica, punk o rock o lo que sea, es un insulto el reggaetón. Olviden eso, no hay escena de nada en GYE. Todos fracasaron, jaja.

Como para meternos de nuevo en contexto en el «¿qué hacemos?», cuando Jaime me invitó al proyecto, dije «sí, de una» porque no era necesariamente «hagamos cumbia y reggaetón». Yo lo asimilé como una oportunidad de hacer algo nuevo con sobras, restos de un montón de cosas que estaban ahí flotando. Por ejemplo, «Jay» [Jaime] ahora saca samples de su colección de CDs.

JNdA: Mi relación con el reggaetón y, en resumen, todo tipo de música tropical viene desde mi niñez, y justamente por su total ausencia [mis padres escuchaban soft rock en inglés, tipo Phil Collins]. Yo descubrí la salsa cuando ya tenía 18 años y desde ahí no he parado de escuchar ritmos latinos y tropicales. Además me gusta mucho bailarla y en fin, ese medio ambiente. Por otro lado está el tema del pop, el cual también me obsesiona. Entonces la idea de encadenar las dos cosas fue lo que plantó la idea de Lunes Sexy. Con Eduardo resultó genial porque él piensa de una manera más abstracta y genera más noise y ambientes. Si fuera yo solito, básicamente sería un DJ de Tropicálida mezclado con uno de Radio Disney.

EV: Mr. Wilson, si lees esto, ya sabes, bro: Lunes Sexy.

Dentro de mis mejores recuerdos está mi papá «blasteando» a la FANIA.

JNdA: Hice recientemente un mashup entre Miley Cyrus y The Breeders. Creo que vamos a seguir buscando por ahí, excarvando recuerdos y buscando el espacio entre lo bizarro y lo bailable.

De ley. Mi sueño es ver a 2manydjs.

EV: Conversando con una amiga, me acordé de «Todavía», de La Factoría. La busqué en YouTube, subí el volumen y tenía en mi trabajo a tres chicas entre 24 y 35 años cantando. Eso es Lunes Sexy. Lunes Sexy es un tipo recién divorciado yéndose de casa con sus cosas en una camioneta de balde de madera que se choca contra las oficinas de Google.

JNdA: Este primer mixtape que hemos producido establece mucho de lo que Lunes Sexy propone. Es una especie de manifesto o enunciado de principios. Recorremos desde nuestro imaginario adolescente pop, hasta el sonido reggaetonero y sexualizado de este tiempo, hasta nuestro soundtrack de música indie y electrónica del día a día… ¡La mayor parte del tiempo todo sonando al mismo tiempo!
Nuestro objetivo: que lo lancen en su cuarto entre cuatro amigos o en la pista de su próxima fiesta casera y los haga bailar. Con eso creo que cumplimos con nuestro pequeño granito de involución musical.

EV: Ojalá mi exesposa lea esto, jaja.


Al cierre de ésta edición no sé si estará ya listo el mixtape del que hablan arriba. Revisen www.lunessexy.com [no es paro, sí tienen un puntocom]

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Los mejores discos del 2015 / Por Raúl Arias

La Máquina Camaleón: Un camuflaje que va del rojo al ultravioleta

lamaquinacarlo

Le espero para la entrevista, no llega. Felipe Andrés ‘María’ Lizarzaburu, vocalista de La Máquina Camaleón, parece ser de esos que piensan que el reloj solo es una aplicación obsoleta de los celulares que pasó de moda en los noventas. El camarógrafo con el que fui le quiere asesinar, se desespera y se va súper cabreado a sus otras coberturas y me hace prometer que le mande al diablo por demorarse. Nunca lo hice.

Felipe entra a la oficina, saluda y se sienta como si no hubiera pasado nada. Yo estoy al frente pensando en aquel dólar con 75 centavos que me cobró el taxista y que me hubiera ahorrado de no haber pensado que ya me atrasaba.

Empezamos a conversar, mi duda del peculiar nombre de la banda se despeja. “Al inicio íbamos a ser Camaleón -cuenta Felipe- pero luego vi que estábamos tan metidos entre máquinas que…”, claramente este detalle se complementó con la primera idea. La Máquina Camaleón usa muchos ‘aparatejos’, pedaleras, distorsiones y qué se yo que otras cosas más.

Lizarzaburu me explica que todo comenzó hace un par de años, cuando estaba estudiando música en Argentina, desde allí ya compuso la mayor parte de su primer disco: ‘Roja’. Luego vino a Ecuador y lo grabó en un estudio por Guápulo en poco tiempo y de forma un tanto casera.

La horda de chamos que La Máquina convoca es impresionante, talvez se deba a que algunos integrantes son mucho más jóvenes, Felipe me corrobora esta hipótesis ya que Martín Flies, el menor de la banda, solo tiene 16 años.

Los Camaleones están ‘pegando’ bastante y no se han dormido en aquella ‘famita local’ que suele destruir a las bandas antes de que salgan de su zona de confort; la semana pasada estuvieron en Bogotá y Cali, en otros festivales, luego de ‘graduarse’ del Quitofest. Vi las fotos en Facebook y parece que les fue de lujo.

El ‘frontman’ camaleónico también me contó que el próximo disco se llamará ‘Amarilla’, el espectro de la luz que va del rojo al ultravioleta será el determinante para los nombres de los siguientes discos de este quinteto, me asegura Felipe. Por deducción, supongo que un posible tercer álbum tendrá tonalidades verdes aunque, paradójicamente, pienso que será un trabajo más maduro…

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